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POESIA Y EXPERIMENTACION SONORA EN MEXICO

Posted by pachoj en julio 28, 2014

En octubre de 2009 MANUEL ROCHA participó en el Festival de Poesía en Voz Alta con una sesión de poesía sonora y con una conferencia. Publico aquí con su autorización el texto de esta última:

POESIA Y EXPERIMENTACION SONORA EN MEXICO

Por Manuel Rocha Iturbide

El trabajo interdisciplinario experimental entre los campos de la poesía y la creación sonora en México ha tenido a través de nuestra historia muy poco desarrollo. Sin embargo, en los últimos años se han generado nuevas áreas interdisciplinarias de trabajo englobadas por el arte sonoro, en donde encontramos trabajos vocales experimentales, radio arte, o poesía sonora electroacústica, lo que ha permitido que surjan obras nuevas en las que la poesía y un trabajo estético sonoro con el lenguaje son el punto de partida.

Aunque en la relación música clásica–poesía, existe un número reducido de obras experimentales en el ámbito de la música contemporánea nacional y mundial, es importante comenzar esta ponencia con el análisis de lo acaecido en México en el siglo XX en este campo, para poder ver como se ha dado la relación entre los poetas y los compositores.

Tal vez solo en la tradicional relación música vocal – poesía han existido lazos históricos en nuestro país entre dos gremios distintos del quehacer artístico a lo largo de todo el siglo pasado y lo que va de este. El compositor Carlos Chávez , ya desde 1924 utilizó los poemas Hexágonos de Carlos Pellicer para realizar la obra que lleva el mismo nombre para voz, flauta, fagot, viola y piano, y se inspiró por otro lado en estos mismos poemas para realizar su obra El buque ha chocado en la luna. Manuel Enríquez (1927-1994) también utilizó un texto de Pellicer para su Cantata a Juárez (1983), así como el poema Manantial de Soles (1988) de Octavio Paz, para la realización de su obra musical para soprano, actor y orquesta, que lleva el mismo nombre, y en donde el autor deconstruye el poema. Federico Ibarra, compositor nacido en los años cuarentas y muy prolífico en música vocal, se inspiró también en Paz para realizar su ciclo de canciones Navega la ciudad en plena noche (1985) para barítono. Ibarra ha usado textos de otros poetas mexicanos para sus composiciones, como las “Décimas de nuestro amor” de Xavier Villaurrutia, el poema “Amor” del libro espejo de Salvador Novo, o la “Columna no. 6” del libro columnas, del poeta y dramaturgo José Ramón Enríquez.

La relación entre los compositores Mexicanos de música clásica contemporánea y los poetas se ha visto tal vez reducida en las últimas dos décadas debido a una clara desunión que vivimos actualmente entre los gremios artísticos en donde se dan pocas colaboraciones. La joven compositora Marisol Jiménez usó poemas de Luigi Amara para una obra reciente en donde un cantante declama los textos. Esta forma particular en la que texto hablado y música instrumental conviven, desgraciadamente a veces de manera artificial, se ha dado también en obras de otros compositores en los años recientes como en la obra de Ana Lara Dylan y las Ballenas para 8 violonchelos (tocada por el octeto Ibérico) y un texto declamado por la poetiza María Baranda que escuché el año pasado en la Sala Manuel M. Ponce en Bellas Artes.

Ahora bien, esta asociación entre compositor y poeta se da desgraciadamente de un modo unívoco, es decir, el compositor utiliza el texto del poeta, pero no existe una interacción entre ambos. Al mismo tiempo, la sonoridad de la poesía en la música vocal se limita al marco vocal o a una lectura del poema casi siempre lineal y plana.

Pienso que en la música electroacústica, el compositor se ha adentrado más en la utilización de la palabra poética, trabajándola, desmenuzándola, transformándola, y se ha convertido accidentalmente en un poeta sonoro, muchas veces a partir de obras poéticas ya existentes. Este es el caso de Víctor Manuel Dávalos que usa el poema de Sabines La salvaje costumbre, o mi obra Moin Mor en donde de-construyo el poema Irlandés en lengua gaélica del mismo nombre. Pero nuevamente, estos son trabajos unívocos en donde nosotros hemos podido desarrollar el arte de componer con palabras muchas veces a partir del un trabajo de otros. No obstante, existe una excepción, un trabajo colaborativo que se dio en el proyecto PERSONAE, gestado por Rocío Cerón y Carla Faesler (creadoras del grupo de poesía MOTIN POETA) en 2006, en donde yo participé como asesor en el campo musical, y que se ha convertido en uno de los pocos proyectos en el que ha existido un intercambio importante entre compositores electroacústicos y poetas Mexicanos, y en donde ese intercambio incidió de manera notable en el resultado. Recientemente, Rocío Cerón realizó también el libro de poesía IMPERIO editado por MOTIN POETA con un CD en colaboración con el compositor de música electrónica BISHOP, y en donde obtienen una muy interesante interacción entre la lectura de los poemas realizada por Rocío y las intervenciones del músico.

Quisiera hablar ahora de otra vertiente musical, la del creador vocal que realiza sus propias obras sonoras basadas en una experimentación con el lenguaje. Será esto poesía sonora? No lo se, tal vez si, pero en todo caso, existen muy pocos creadores de este tipo en el mundo, Jap Blonk en Holanda y Fátima Miranda en España por ejemplo, y en México tenemos la fortuna de contar con un joven que ha basado toda su producción en la experimentación vocal, se trata de Juan Pablo Villa, quien ha estudiado con la notable cantante norteamericana Joan La Barbara, y que por desgracia no es todavía muy conocido en nuestro país. Por otro lado, el compositor Julio Estrada (n. 1943) se ha aventurado en la experimentación vocal de manera completamente autodidacta. Ya desde los años 70, Estrada en su programa de radio UNAM realizaba improvisaciones vocales inesperadas, y más recientemente a finales de los años 90’s hizo una serie de grabaciones con su voz para la obra HUM (1999-2002) que en su versión inicial fue para voz sola, pero que luego fue estrenada en Alemania en una versión para 5 voces y espacialización en 12 canales interpretada por el Neue Vocal Solisten and Experimental Studio, Süd West Funk Donaueschinger MusikTage.

El trabajo sonoro con la poesía no solo se ha dado con los compositores instrumentales y electroacústicos, sino también en el muy poco desarrollado campo de la poesía sonora Mexicana, en donde son los propios poetas quienes se convierten en una suerte de creadores sonoros. Los antecedentes de la poesía sonora en México los encontramos con el poeta Estridentista Luis Quintanilla (Kyn-Taniya) con su poema IIIIUUUUU (1923) del libro “Radio. Poema Inalámbrico en Trece Mensajes” en donde el ruido del giro del dial del radio se reproduce onomatopéyicamente en el poema inspirado en las noticias radiales transmitidas en la época. Desgraciadamente, el uso de la onomatopeya así como el desarrollo de la poesía fonética va a ser casi inexistente en México.

Es casi imposible hablar de poetas sonoros Mexicanos, tal vez el Jalisciense Ricardo Castillo sea el único que ha experimentado un poco. Uno de los ejemplos recientes de su trabajo de poesía sonora es IL relámpago. Recitativo en Re para fauno desafinado (2008), en el que realiza grabaciones de varios poemas con texturas de fondo a partir de su propia voz (muchas veces son loops de fonemas). En las poesías Do Farú, Mia Pong, Mulier me tuna Olegre y Un brulo de peral, Castillo inventa lenguajes extraños o crea lenguajes híbridos, y en otros de sus poemas realiza algunas de-construcciones fonéticas simples (como en el poema El beso).

La práctica de la poesía visual y sonora en nuestro país se ha dado curiosamente más en los campos de las artes visuales, del arte conceptual, del performance, del teatro experimental, y del radio arte.

En las artes visuales, el primer antecedente lo encontramos en la obra de poesía concreta del Alemán-Mexicano Mathias Goeritz en los años 50’s. A pesar de que sus poemas visuales no fueron pensados para ser interpretados o realizados de manera vocal, su tácita sonoridad me llevó a hacer una interpretación de varios de ellos con el actor Mexicano Diego Jáuregui en 1998, de los cuales el más irónico y divertido es el poema Pocos Cocodrilos Locos, realizado como mural de concreto en un edificio de la zona rosa que desapareció con el temblor de 1985. Luego, Felipe Ehremberg en los inicios de los años 70’s, va a incursionar en el arte correo y en la poesía de carácter conceptual con Maneje con Precaución. En esta última obra, Felipe describe de manera disconexa y surrealista los letreros que va encontrando en una calle de la Ignacio Zaragoza del DF. En esta misma década, el artista Ulises Carrión realizará poemas visuales en Holanda, y también la serie de obras sonoras con el título The poets tongue, basadas en distintas reflexiones conceptuales acerca del lenguaje, la forma y el contenido. Carrión es probablemente el primer artista sonoro Mexicano, y uno de los primeros artistas de corte conceptual que surgen en nuestro país. Finalmente, tenemos al artista y performancero Guillermo Gómez Peña, quien en los años 80 trabajó en los Estados Unidos de Norteamérica sobre la problemática de los inmigrantes Mexicanos y los Chicanos y la hibridación de culturas, preocupaciones que quedaron plasmadas en su obra para radio Border-x-Frontera de 1987. En otros ámbitos artísticos, podemos observar la incursión del recientemente desaparecido director de teatro Juan José Gurrola en la poesía, a través de una música experimental de corte free Jazzistico, con la publicación de su LP En busca del silencioEscorpión en Ascendente en 1970, en donde la canción a capella Lessen the time nos recuerda a los cantantes poetas norteamericanos Leonard Cohen y Bob Dylan.

Por último, el radio arte ha sido un género que se ha desarrollado mucho en nuestro país en los últimos 10 años, y dentro de éste, han surgido varias obras relacionadas con el lenguaje y la poesía, como lo son la radio ópera de Pedro Páramo de Julio Estrada (basada en el libro de Rulfo), y otras obras experimentales como Soneto Multlingüe (con diseño sonoro de Erika López, Alfredo Ramírez y Sandra Vázquez) del poeta Eduardo Langagne o por otro lado la obra Tres Vistas de un Texto de Mario Mota basada en la prosa poética de la obra La rueca del aire (1930) del Español José Martínez Sotomayor.

La conclusión a la que llego es que la poesía se ha convertido en un punto de partida para que artistas de distintas áreas realicen discursos estéticamente distintos, se ha convertido en un crisol en donde el compositor de música contemporánea se inspira en ella, el compositor electroacústico se convierte en poeta sonoro, el poeta se convierte en creador vocal, el creador vocal se convierte en poeta, el artista conceptual significa a partir de ella, el radio artista desarrolla su discurso radiofónico, etc. Un solo eje para distintas vertientes, ofreciéndonos una nueva paleta de colores sónico fonéticos. Por algo se ha dicho que la poesía visual y la poesía sonora son parte del ambiguo campo del arte sonoro, ya que son interdisciplinarias y utilizan herramientas fuera del campo puramente lingüístico.

Vivimos actualmente en una época totalmente interdisciplinaria en la que el individuo puede usar la computadora como piedra filosofal, para la creación de un arte total compuesto de sonido, gráfica, fotografía, video, animación y escritura, pero seguimos careciendo de una actitud de colaboración, de un trabajo con artistas de otros campos. Pienso que solo esto podrá enriquecernos como creadores y sacarnos un poco de nuestros propios ámbitos. Un artista en la actualidad está obligado a conocer todas las demás artes, y saber quien está experimentando, investigando, trabajando en la vanguardia, de la misma manera que el divulgador científico tiene que conocer todas las ciencias, o un antropólogo social conocer todas las culturas, para tratar de hacer de todas ellas un filtro para poder comprender el mundo en que vivimos. Espero que simposios como este sirvan para poder encontrarnos entre artistas de diversas áreas, para poder vislumbrar lo que sucede en campos ajenos al nuestro, para aprender, para ser influidos, para reanudar la práctica sinestésica que tantos frutos dio durante uno de los períodos mas ricos de la era del arte, la era de las vanguardias en los inicios del siglo XX. Podremos acaso inaugurar una nueva era de este tipo, en donde los nuevos medios sean nuestros nuevos instrumentos.

 

Esta ponencia fue presentada también en el simposio de poesía sonora e interdisciplina en la ferio del libro de León Guanajuato en Agosto de 2009.

 

 

 

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La patafísica de Conrad Becker en México, 2012

Posted by pachoj en julio 18, 2014

Conrad Becker es un artista, investigador, teórico, productor, escritor y performer. Es director y cofundador de World-Information.Org, agencia de inteligencia cultural. Colabora con varios proyectos renombrados, incluyendo MonotonproduktGlobal Security Alliance y Public Netbase (1994-2006). Ha impartido diversas conferencias y exposiciones internacionales referentes a los medios de comunicación, arte y cultura. Ha publicado un amplio número de materiales audiovisuales, artículos y libros en varias lenguas. La revista The Wire, pionera en hipermedios, cataloga el trabajo de Konrad Becker entre los 100 registros más importantes del siglo XX.

Selección de sus libros recientes: Diccionario de operaciones (por publicarse), AutonomediaNY (2012); Critical Strategies in Art and Media, Konrad Becker y Jim Fleming (editores), AutonomediaNY (2010); Diccionario de Realidad Estratégica, Infopolítica Avanzada e Inteligencia Cultural, Autonomedia NY (2009); Búsqueda avanzada. La política de búsqueda detrás de Google, Konrad Becker y Felix Stalder (editores), Transaction (2009).

El siguiente video es de su presentación en el Museo Universitario del Chopo, en 2012:

Y este es un video de la misma pieza que está en la red:

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Ashauri López en el Chopo

Posted by pachoj en noviembre 13, 2012

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POETAS ESCÉNICOS 2012

Posted by pachoj en septiembre 16, 2012

Lo que sigue es el texto de presentación de la OCTAVA EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE POESÍA EN VOZ ALTA. PVA.012, en 2012, en esta ocasión escrito por Phillipe Olé, y el listado de los artistas participantes:

Desde sus inicios, el festival Poesía en Voz Alta ha tenido como misión encontrar un espacio de difusión de la palabra poética mediante propuestas que la acompañen, la rodeen, la hagan estallar con diversas formas de expresión para encontrar su público. Su programación siempre ha tratado de construir puentes entre esta forma de escritura y otras disciplinas artísticas, a priori alejadas de ella. Desde la década de 1950 hasta sus más recientes ediciones, tal ha sido la intención de este evento. Una vez más, este año, los participantes en el festival serán fieles a esta tradición, como si la compilación de su trabajo pudiera ilustrar esta intención con una amplitud mayor.

Aunque la idea misma de un festival contradice el espíritu de la práctica de la lectura y escritura, caracterizada por una gran soledad, la imposición de la fuerza de la oralidad, el restablecimiento del sentido del sonido y del canto de la palabra ha sido una de las preocupaciones de los poetas más activos del siglo pasado. Sabían cómo el propio impulso en este género los ponía en riesgo constante de exponer sus textos a los fuegos creativos de otras formas artísticas. Y esto se presenta tanto en las prácticas más tradicionales como en las de la mayoría de la invención vanguardista. Poesía en Voz Alta ofrece al público un momento para compartir la fortaleza renovada del poema a través de su presencia pública; que rompe sin roces el aislamiento que reclama su aparición y a menudo acompaña a su circulación. Esta actividad pone en duda la noción misma del poema y nos obliga a repensar nuestra relación con prácticas artísticas, tan fácilmente aceptadas sin dudar o cuestionar la razón de ser de su presencia.

Estos artistas, sus voces y lenguas, provienen de muchos horizontes, lejanos y cercanos, asociados a la vanguardia o en busca de la tradición. Las presentaciones de Black Cracker o Edwin Torres de Nueva York se combinarán con los sonidos de África de Koulsy Lamko o con aquellos del son jarocho de Ramón Gutiérrez y sus músicos. La poesía sonora de Eduard Escoffet se mezclará con la del brasileño Ricardo Domeneck, y la figura mítica de John Giorno, portador de una electropoesía, siempre en movimiento, dará una referencia histórica a los artistas de la misma veta, como Konrad Becker y Sela. Así pues, llegan muestras de lugares cercanos y lejanos, inclinados hacia el viaje permanente, como André Velter, que viene de Francia, pero siempre en busca de nuevos horizontes; la poesía experimental del uruguayo Clemente Padín, quien junto con Jaap Blonk, han sido participantes en las Bienales de Poesía Visual-Experimental, o de aquellos que viven en México y alteran la sabiduría convencional, como Ricardo Castillo, Mikeas Sánchez, Alonso Arreola, Chema Arreola o Mardonio Carballo. Aquí, el continente europeo podrá, una vez más, mostrar cómo no es siempre un lugar de conservadurismo al mirar las experiencias de la noruega Hanne Lippard o la poesía sonora del holandés Jaap Blonk. Pero este momento permitirá gozar también de obras mexicanas en construcción como se podrá escuchar con las presentaciones de Alejandro Albarrán, Luigi Amara, Rodrigo Flores, Inti García Santamaría, Maricela Guerrero y Alejandro Tarrab. Cada uno de ellos sabrá ofrecernos un momento de aventura artística, un momento de fusión de expresiones y de exploración de territorios aún por descubrir. Los sonidos, las imágenes, la presencia escénica y la profundidad del significado de su postura serán los acompañantes de este festival.

Tradicionalmente presentado en la Casa del Lago, Poesía en Voz Alta tendrá en esta ocasión nuevas sedes para llegar a un público más diverso. El festival se presentará en el Museo Universitario del Chopo, el Museo Experimental El Eco y el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), que recibirán a artistas propuestos en la programación de Casa del Lago. A la diversidad de nacionalidades y lenguas reunidas en México, responde la variedad de lugares y público apropiado para estos espacios y a su vocación cultural.

Para estar en sintonía con el mundo, para adelantarse a él y poner a la creación en un estado de exaltación y locura tal que sólo pueda avanzar mediante la novedad y el riesgo, la palabra poética debe cuidarse de ser encerrada y de autosatisfacerse. Para crecer, innovar y moverse sin cesar, esta forma de escritura debe confrontarse con todas las expresiones y formas de comunicación que las nuevas tecnologías nos ofrecen. Poesía en Voz Alta tiene la tarea de ser la caja de resonancia de estas hibridaciones exaltantes y las muestras artísticas más arriesgadas, acorraladas entre lo arcaico y las vanguardias, sin complejos ni remordimientos.

Philippe Ollé-Laprune

 

ELENCO 2012:

Arreola + Carballo (Mx)

Konrad Becker y Sela (Austria)

Jaap Blonk (Holanda)

Ricardo Castillo y Fernando Vigueras (México)

Black Cracker (EU)

Ricardo Domeneck (Brasil)

Eduard Escoffet (España)

John Giorno (EU)

Ramón Gutiérrez Septeto (México)

Kously Lamko (Chad)

Hanne Lippard (Noruega)

Clemente Padín (Uruguay)

Poetas mexicanos emergentes (México)

Mikeas Sánchez (Oaxaca, México, poesía zoque)

Edwin Torres (EU/Puerto Rico)

André Velter y Gaspar Claus (Francia)

 

BIOGRAFÍAS DE LOS PARTICIPANTES EN 2012:

KONRAD BECKER Y SELA.Operaciones evoca las cualidades fantasmagóricas de los ambientes digitales. Es un performance de spoken-word, electropoesía, y sonido psico-acústico, que explora las miméticas máquinas de comunicación. Con vocalizaciones y sonido callejero electrónico, inspirado en manías de bailes milenarios, excava construcciones de la memoria. El espectáculo da a conocer la historia de los medios de comunicación para aparecerse a través de fantasmas, mundos paralelos y peligrosas trans-comunicaciones…

JAAP BLONK.Posee un rico repertorio de poesía sonora, integrado por sus propias obras y por piezas tradicionales. De este acervo elige algunas y las combina con canciones en lenguas inventadas, así como con procesos fonéticos acústicos y electrónicos. Sus presentaciones suelen estar acompañadas por proyecciones en vivo de animaciones generadas por sonido y sonido generado por animación, fragmentos de conferencias de tema libre, improvisaciones y más.

RICARDO CASTILLO Y FERNANDO VIGUERAS.Limbo total es un concierto escénico vinculado con la obra poética más reciente de Ricardo Castillo, titulada II Re Lámpago, suerte de recitativo imbricado de lenguaje y sonido. Constituye una exploración del cuerpo sonoro del poema. En esta presentación Castillo es acompañado por Fernando Vigueras, quien ejecuta la guitarra así como medios electrónicos.

BLACK CRACKER.Presenta una exploración visual y sonora de su primer manuscrito de poemas y dibujos, 40 oz Elephant, así como versos, bromas, videos y música de su disco debut Tears of a Clown.

RICARDO DOMENECK.Muestra una mezcla de texto, videoarte y poesía sonora. Incluye siete piezas en portugués y español y un texto multilingüe, los cuales exploran el aspecto oral de la tradición poética y sus implicaciones políticas.

EDUARD ESCOFFET.Participa con txtstate, conjunto de poemas que son escritura en acción y en el momento. Se trata de un performance que funde poesía sonora, poesía medieval catalana y text/sound sueco.

JOHN GIORNO.Reconocido artista y poeta cuyas presentaciones en vivo sobresalen por su energía. Se trata de actuaciones poéticas 
de tipo sonoro, en las que incorpora recursos multimedia.

RAMÓN GUTIÉRREZ SEPTETO.El grupo ofrece un combo sonoro, múltiple y colectivo. Fiel a su espíritu de aventura, viaja al son tradicional con arreglos nuevos y de regreso. Acompañado por tintes de jazz, música clásica o bailes nuevos, Gutiérrez los vuelve sus cómplices. Parte de su espíritu es invocar a la fiesta y en la fiesta se sube el que quiere..

KOUSLY LAMKO.Pois sucré, Polvo de vida es un recital que reconcilia la tradición oral poética con las exigencias de la modernidad. Los poemas dichos, pronunciados o cantados están acompañados de música en vivo, interpretada por un trío que toca balafon, oudou, flauta y violonchelo. Las composiciones son de Zango Cândido Salomão. Se proyectan en pantalla los poemas traducidos al español así como una selección de fotos de mujeres cultivando guisantes en Burkina Faso, al tiempo que se representa 
el movimiento del polvo que rodea a estas mujeres, movimiento que evoca a la vida corriendo, aleteando y muriendo.

HANNE LIPPARD.Participa con Sentencessayes. Atraída por la energía sonora 
de las palabras, Hanne Lippard recita textos con apoyo de herramientas acústicas clásicas, como lo es una batería, y otros dispositivos que forman parte de la locación donde ella se 
presenta, lo que da lugar a piezas de sitio específico. En su escritura no sólo utiliza elementos impresos sino sonoros, lo cual deriva en una “audiotipografía”.

CLEMENTE PADÍN.Poeta experimental, artista y diseñador gráfico, performer, curador, videoasta y networker. Ha expuesto individualmente en América, Europa y Asia. Ha dictado seminarios sobre poesía experimental en todo el mundo. Es autor de 20 libros y centenares de notas y artículos, además de haber editado dos discos compactos con trabajos de net-art.

MIKEAS SÁNCHEZ.Presenta Poemas marginales. Diversos trabajos dan cuenta de la incursión de Mikeas Sánchez en el mundo poético en voz alta. En el escenario: ella sola, su micrófono, su atril, y su lengua que habla de nostalgias y vitalidades: el zoque.

EDWIN TORRES. Presenta Cuerpoesía: en la época de lengua, que se vale del sonido, la actuación y los gestos para abrir un diálogo sobre 
el origen y expansión de la poesía como un nacimiento dentro de cada ser.

ANDRÉ VELTER Y GASPAR CLAUS. Improvisan en el escenario a partir de textos en francés de la autoría de Velter.

POETAS MEXICANOS EMERGENTES.Seis de los poetas mexicanos más interesantes de los últimos años proponen una lectura multidisciplinaria de su obra: imágenes, experimentos sonoros, música, ruido, y sobre todo, poesía en voz alta.

Alejandro Albarrán Polanco – Engendro
Luigi Amara – Máquina contestadora
Rodrigo Flores – Cameraman
Inti García Santamaría – El show de poesía de Inti
Maricela Guerrero
Alejandro Tarrab.

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POETAS ESCÉNICOS 2011

Posted by pachoj en febrero 16, 2012

Lo que sigue es el texto de presentación que escribí para la SEPTIMA SESIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE POESÍA EN VOZ ALTA, PVA.011, en 2011 y el listado de los artistas participantes:

Poesía en Voz Alta presenta, nuevamente, en su emisión 2011 un encuentro entre escritores mexicanos reconocidos con poetas de distintos hemisferios lingüísticos y campos culturales, muchos de ellos desconocidos en nuestro país, así como de diversas tradiciones orales, como los decimistas jarochos y los poetas indígenas. En esta ocasión contaremos con invitados especiales como Michel Bulteau y Jonathan Capdevielle, “Jerk” (Francia), Pedro María Sánchez y Juan Carlos Garvayo (España), José Paes Lirinha (Brasil), Cassandra Tribe (Estados Unidos), Simon Armitage (Inglaterra) y Roselia Jiménez, Bruno Bartra, Francisco Hernández, Sandra Lorenzano, Jimena Giménez Cacho (México), entre otros destacados artistas.
En la séptima edición de Poesía en Voz Alta, este centro cultural universitario vuelve a revivir la célebre tradición de las lecturas literarias que se llevaban a cabo desde este recinto en 1959, entonces dirigido por Juan José Arreola, ahora como un proyecto renovado de oralidad y experimentación escénica.
Contaremos con la presencia de artistas mexicanos jóvenes, miembros de diferentes colectivos que han creado nuevas formas de expresión y nuevas tecnologías en el género, y escritores extranjeros de reconocida tradición y quehacer poético procedentes de Argentina, Brasil, Dinamarca, España, Francia e Inglaterra. Pacho

ELENCO 2011:

Compaía de Gisèle Vienne, JERK (Francia, monólogo)

Manuel de J. Jiménez, Victor Ibarra Calavera y Yaxkin Melchy (Mx, poesía performance)

Roselia Jiménez (Mx, Chiapas, poesía tojolab’al).

Michel Bulteau y Serge Teyssot-Gay (Francia)

Sandra Lorenzano (México)

Bruno Bartra con músicos de Polka Madre y La Internacional Sonora Balkanera (Mx)

José Paes De Lira Lirinha (Brasil)

Celebración del 4to Aniversario del Periódico de Poesía (Mx)

Miauricio Jiménez “Morocco”La palabra ladra (Mx)

Jorge FondebriderStandars (Argentina)

Cassandra Tribe, Los sueños de las abejas (EU)

Simon ArmitageSeeing stars(GB)

Pablo Boullosa (Mx, conferencia)

Juan Carlos Garvayo y Pedro María Sánchez

Gilles Del Pappas

Morten Sondergaard (Dinamarca)

La memoria sonora / Slam Poetry

 

 BIOGRAFÍA DE LOS PARTICIPANTES EN 2011:

JERK, Jerk es la cuarta obra de la directora, coreógrafa, intérprete y artista visual Gisèle Vienne en colaboración con el polémico escritor norteamericano Dennis Cooper (autor de, entre otros libros, Contacto, Cacheo, Tentativa, Guía o Chaperos).
Tras L’Apologize (2004), Une belle enfant blonde (2005) y Kindertotenlieder (2007), este solo para titiritero continúa poniendo a prueba los vínculos entre realidad y fantasía. Gisèle Vienne, Dennis Cooper y Jonathan Capdevielle suben al escenario una reconstrucción imaginaria -extraña, poética, divertida y lúgubre- de los crímenes perpetrados por el asesino en serie Dean Corll que, con la ayuda de los adolescentes David Brooks y Wayne Henley, mató a más de veinte niños en el Estado de Texas a mediados de los años 70.

David Brooks cumple cadena perpetua. En prisión aprende el arte de los títeres y, en una función para una clase de estudiantes de sicología, reconstruye los asesinatos cometidos por Corll. Siguiendo la tradición del género, los títeres de guante sirven aquí para representar temas ilícitos y violentos. Precisamente la violencia y el humor del texto convierten a Jerk en una pieza llena de fiereza que mezcla sin reparos sexualidad y estética gore. El aparente realismo del espectáculo, la narración lineal y la historia verdadera de la que parte consiguen, paradójicamente, sumir al público en una atmósfera de irrealidad y extrañamiento. El titiritero, embaucador y farsante, se identifica totalmente con el personaje de David Brooks…

Jerk se estrenó en el Festival Antipodes en el año 2008.

MANUEL DE J. JIMÉNEZ, VICTOR IBARRA Y YAXKIN MELCHY. Manuel de J. Jiménez (Nació en el D.F., 1986).  

Victor Ibarra Calavera (LC) Nació en el D.F., 1988. Es conocido también como Alicia Revolver. Ha publicado, entre otros libros, Dark Microsoft (Red de los Poetas Salvajes, 2009) y RQIEM (2.0.1.2. editorial, 2011). Asimismo publicó la revista de acción político-poética Mancha. Es conocido por sus prolíficas lecturas performáticas, tanto en México como en Latinoamérica. Colabora a menudo con artistas visuales y músicos, buscando nuevas acciones e instalaciones artísticas.

Yaxkin Melchy (ML) Nació en D.F., 1985. Ha publicado principalmente: El Nuevo Mundo (Red de los Poetas Salvajes, 2008) y Sol Verde (2.0.1.2 editorial, 2010). Entre numerosos fanzines, fotocopias, autopublicaciones y libros en ediciones cartoneras: Nada en contra, Las pequeñas galaxias y ADN Digital. Ganó el Premio Nacional de Poesía Joven “Elías Nandino 2009” con el libro Los poemas que vi por un telescopio (Tierra Adentro, 2009). Ha participado en la revista Trifulca, como coeditor de la Santa Muerte Cartonera y de la editorial 2.0.1.2. Coordinó el portal de poetas, libros y movimientos culturales emergentes: 
http://reddelospoetassalvajes.blogspot.com

Nos encontramos en un umbral de indeterminación. Ya no son actos que hay que explicar, sueños o fantasmas que interpretar, recuerdos de infancia que recordar, palabras que hay que hacer significar; sino colores y sonidos, devenires e intensidades. El poeta ya no es un yo que siente, actúa y se acuerda; es una bruma brillante, un vaho amarillo e inquietante que tiene afectos y experimenta movimientos, velocidades.

¿QUIEN ME QUITA LO CANTADO? LAS COPLAS DE MARDONIO SINTA, DE FRANCISCO HERNÁNDEZ.  Mardonio Sinta, Alto Lucero, Veracruz, en 1929. Aunque existe otra versión, difundida por el propio Mardonio, donde dice que vino al mundo en Rincón del Zapatero, en 1934, en el mismo estado. 
Fue buen bebedor de ron y de aguardiente. Recitador de estrofas de Martín Fierro. Apasionado del béisbol, la geografía y la comida veracruzana. Nunca se casó ni tuvo descendencia. Fue juglar, cantinero y torcedor de tabaco, Se ganó la vida, solo con su arpa, en los portales del Puerto de Veracruz. También se le encontraba en las calles de Tlacotalpan o en fiestas de la región de los Tuxtlas. Enamorado hasta el último minuto de su vida e incansable trovador, de los de veras. Mardonio Sinta murió en San Andrés, Tuxtla, el 5 de agosto de 1990.

Francisco Hernández, Tuxtla, Veracruz, 1946. Él fue quien recopiló las coplas y la autobiografía de Mardonio Sinta. Ha publicado casi veinte libros de poesía y un diario, entre ellos, Poesía Reunida (1996), Mascarón de prosa (1997), Antojo de trampa (1999), Soledad al cubo (2001), Imán para fantasmas (2004), y Diarios sin fechas de Charles B. Waite (2006). Ha obtenido los premios nacionales: Poesía Aguascalientes 1982, Carlos Pellicer 1993, Xavier Villaurrutia 1994, y el Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines 2005.
Francisco Hernández hoy nos regala el sabor de Veracruz prestando su ser y su voz al coplero Mardonio Sinta. Le acompaña un grupo de notables músicos, que harán lo mismo olas que fondo marino para inundar nuestra alma, ojos y oídos.

ROSELINA JIMÉNEZ. Hablante de la lengua Tojolabal. Originaria de la ciudad de Comitán de Domínguez, Chiapas. Profesora de educación primaria y promotora cultural bilingüe. Obtuvo la licenciatura de educación media, en Chiapas (ENSCH) y es maestra locutora por la Dirección General de la Secretaría de Educación Pública. En 1996 fue becada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Es miembro de la Asociación Nacional de Escritores en Lenguas Indígenas con sede en la Ciudad de México y miembro del Ateneo de Ciencias y Artes A.C. de Comitán.

Dentro de sus publicaciones se encuentran: Chiapas Tierra de Mitos y Esperanza, publicado en Italia y Jna´jeltik Vivencias Tojolabales, de la colección Letras Mayas Contemporáneas.

Roselia Jiménez también es cantante en su lengua materna. Ella escribe sus poemas y cuentos para después compartirlos en forma de canto. Su participación en la primera edición del disco Lluvia de Sueños, poetas y cantantes indígenas, editado por Culturas Populares del CONACULTA da testimonio de ello.

MICHEL BULTEAU (Arcueil, Francia, 8 de octubre de 1949), y Serge Teyssot-Gay (Saint-Étienne, Francia, 16 de mayo de 1963), integrante del grupo Noir Désir.

SANDRA LORENZANO. Poeta, narradora y ensayista, es argen-mex por derecho y convicción. Nació en Argentina y vive en México desde hace más de treinta años. Doctora en Letras, se especializa en arte y literatura latinoamericanos, tema sobre el cual ha publicado numerosos artículos en diversos libros y revistas de circulación nacional e internacional. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Se desempeña como Vicerrectora Académica de la Universidad del Claustro de Sor Juana, donde fundó y dirige el Programa de Escritura Creativa. Colabora regularmente en diversos medios de América Latina; entre otros Adn Cultura (Argentina); W Radio, Nexos, El Universal (México). Creó y conduce el programa de radio “En busca del cuento perdido” del Instituto Mexicano de la Radio.
Es coordinadora de los libros La literatura es una película. Revisiones sobre Manuel Puig (UNAM), Aproximaciones a Sor Juana (Fondo de Cultura Económica), Políticas de la memoria: tensiones en la palabra y la imagen (UCSJ) y de la antología Lo escrito mañana. Narradores mexicanos nacidos en los 60 (Ed. Axial, 2010). Sus textos se encuentran en diversas antologías.
Entre sus obras se encuentran también Escrituras de sobrevivencia. Narrativa argentina y dictadura (Mención Especial en el Premio Nacional de Ensayo Literario José Revueltas), la novela Saudades (Fondo de Cultura Económica) considerada por la crítica como uno de los mejores libros del 2007 y el poemario Vestigios (Pre-Textos 2010). Ha hecho lecturas de su obra en diversas ciudades de América Latina y Estados Unidos. 
Su espectáculo está concebido a partir de la música compuesta por la chellista Jimena Giménez Cacho, creada especialmente para los poemas de su libro Vestigios (Valencia, pre-textos, 2010)

“Vestigios… rastros… huellas de cuerpos, cenizas, historias que alimentan para regocijo de violencias submarinas. Túmulo perdido en el grano más callado de la sal, sombras de tu cuerpo en las madrugadas de viento, las que guardas en las puntas de los dedos, en las huellas huellas violentas de las comisuras.”

JOSÉ PAES DE LIRA.

“LA PALABRA LADRA”, MIAURICIO JIMÉNEZ MOROCCO.

“STANDARS”
, JORGE FONDEBRIDER (Buenos Aires,1956) y Tomás Gubitsch (Buenos Aires, 1957).

LOS SUEÑOS DE LAS ABEJAS
CASSANDRA TRIBE. Cassandra Tribe, poeta y actriz. Realizó estudios de Licenciatura en Bellas Artes (Ilustración, Cuento y Filosofía), Diseño y actuación. Sirvió en el Ejército de los Estados Unidos y como policía militar en Corea. Como escritora muchos de sus poemas se han traducido a diferentes idiomas, y obtenido premios e importantes reconocimientos. Destacan los poemas: Es esto, La cuna y el cordero, Fiesta de los huesos, El corazón codicioso, Habla de mí lentamente, entre otros. En el 2007 su CD Ángel es galardonado con el Apple 2007, recibiendo además el premio a la mejor grabación de Spoken Word. Su poema, Monstruo, es galardonado con el Musta Pluma de Oro, en el Festival de la Palabra, Concepción del mundo, en Berlín, Alemania. Recibe el Premio Spoken Word 2010. Ha sido considerada una las mujeres artistas americanas más influyentes y Answer.com la incluye en la lista de las 100 mejores poetas de alto rendimiento del siglo.
Se unió a la Facultad de poetas estadounidenses en México y presenta la colección “La locura del deseo” en la Galería Periferia, en Mérida, Yucatán. Recientemente ha comenzado a impartir talleres de escritura en los Estados Unidos. Se retiró de la actuación pública, con excepción de esta participación que realizará en Poesía en Voz Alta.11, donde dará a conocer su poema dramático La ciudad del amor, el cual inició hace más de diez años y con el que ha descubierto sus habilidades como escritora. Los poemas que se presentarán en este Festival son: Ghazal, Tortuga, La locura del deseo, El monstruo, Los sueños de las abejas y El demonio de la Providencia. (ESTE SHOW FUE CANCELADO POR ENFERMEDAD DE CASSANDRA, no pudo viajar al DF)

SEEING STARS: A POETRY READING WITH SIMON ARMITAGE (Reino Unido, 1963). Puede verse una entrevista con Armitage en La Jornada

MORTEN SONDERGAARD. Morten Sondergaard nace en 1964. Es uno de los poetas daneses más destacados de la generación que subió a escena a principios de los noventa.
La primera colección de poesía de Sondergaard, fue Sahara i mina hænder (Sahara en mis manos) la cual se publicó en 1992. A esta primera colección le ha continuado una serie de obras que le han valido elogios de la crítica y diversos premios literarios. El lenguaje de Morten Sondergaard es su materia y medio de expresión. Su profesión corresponde a una práctica no sólo como poeta, sino también como traductor, artista sonoro y editor literario. Si bien su oficio está arraigado en la tradición poética clásica, él intenta constantemente explorar las posibilidades del lenguaje y las nuevas formas en que éstos pueden ser presentados. Con los años, sus publicaciones han dado lugar a obras teatrales, musicales y grabaciones, así como exposiciones que se centran en el lenguaje y el sonido. Su publicación más reciente es Processenog det kongerige (El proceso y la mitad del reino, 2010)
Su espectáculo es una combinación de sonidos y palabras. Las palabras se convierten en sonidos y ritmos, en una música que emerge como un lenguaje poético. El sonido y la palabra están conectados como el camino de la escuela a la casa. Repitiendo las mismas palabras miles de veces, en cada paso, convirtiéndose como un chicle en la boca. Ambas acciones, sonidos y palabras, tienen siempre un paralelismo. 
Desde muy temprano cargó con su grabadora y realizó muchas grabaciones: como las moscas al chocar contra el cristal de una ventana, las cuerdas del piano, el caminar sobre la grava, etc. 
Habitualmente cuando escribe tiene la sensación de escuchar un ruido, trabaja con ese ruido y éste se convierte lentamente en un ritmo, del cual puede seguir escribiendo. Un poema a menudo debe de moverse entre el límite del significado y el sonido-sonido y su significado, es el borde en donde un poema puede tener ese equilibrio.
Los buenos poemas tienen un sonido, como todo buen arte tiene un sonido. De la misma forma en que las personas y los sucesos de la naturaleza tienen sonidos.

Celebración del 4to Aniversario del Periódico de Poesía.Periódico de Poesía inicia su quinto año en la red, y presenta su cuarto Anuario Impreso.
Periódico de Poesía nace en 1987, por iniciativa de Marco Antonio Campos y bajo los auspicios de la Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad Autónoma Metropolitana, como un espacio primordial lo mismo para el quehacer poético que para la reflexión y la crítica.

Con 1300 colaboradores y más de 400 lectores diarios, Periódico de Poesía dio inicio a su quinto aniversario, y presenta el cuarto Anuario Impreso, edición de colección que incluye poemas inéditos, traducciones, índices y fragmentos de sus principales secciones.
La intención de conjugar al mundo de la poesía en una página se cumple día con día en www.periodicodepoesia.unam.mx. Y ahora en Casa del Lago, presentarán el Anuario Impreso Rosa Beltrán, José María Espinasa, Jorge Fondebrider, Pedro Serrano y el guitarrista Tomás Gubitsch.

SESIÓN DE SLAM: Poesía en Voz Alta, la Alianza Francesa de México y la Fonoteca Nacional, se unen para iniciar las actividades de la séptima edición de este festival con La Memoria Sonora / Slam Poetry, teniendo como marco la Casa Alvarado en el Centro de Coyoacán.

 

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POETAS ESCÉNICOS 2010

Posted by pachoj en febrero 16, 2012

Lo que sigue es el texto de presentación que escribí para la SEXTA EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE POESÍA EN VOZ ALTA, PVA.010, llevado a cabo en septiembre y octubre de 2010:

TRADICIÓN Y EXPERIMENTACIÓN. UN DECÁLOGO

POR PACHO

Hasta hace poco el nombre de Poesía en Voz Alta estuvo asociado a un grupo de teatro surgido en 1956, que a partir de 1959 fue identificado con la Casa del Lago. Hoy retomamos ese nombre como un tributo a la generación fundacional de este recinto, pero sobre todo para responder a una nueva generación de creadores que se acercan a la poesía con un renovado espíritu experimental.

En consecuencia, en 2005 arrancamos con un ciclo que reinterpretaba Poesía en Voz Alta como oralidad escénica y experimentación. Ahí debía caber desde el teatro y la poesía ortodoxa, hasta el tratado científico, la mini ópera y la canción, la microficción y el ensayo, el spoken word y el hip hop, el table poetry y la electropoesía, el tropical noise, la polipoesía, la canción melodramática, el stand up poetry y el vodevil posmo, la micropoesía y la poesía flamenca…

Durante estos seis años hemos establecido un diálogo entre escritores mexicanos reconocidos con poetas de distintos hemisferios lingüísticos y campos culturales aún desconocidos en nuestro país. Incluyendo a los poetas callejeros o heterodoxos, así como a distintas tradiciones orales populares que han sido desdeñadas por las convenciones literarias basadas exclusivamente en la primacía del texto, como los decimistas jarochos, los repentistas caribeños y los poetas indígenas.

Desde entonces, Poesía en Voz Alta se articula en torno a las siguientes líneas:

1- Exploramos el papel de las nuevas tecnologías (y de los distintos soportes emergentes) en el cambio de los paradigmas literarios; cambios que abren la puerta a la oralidad. No celebramos la desaparición del libro en papel, pero sí que, como dice Jorge Santiago Perednik, “la experimentalidad tiene conciencia del soporte y lo pone en juego, sobre todo alterando sus modos usuales. Incluso puede utilizar el libro de manera experimental”.

2- Somos un escaparate para la poesía experimental actual, heredera de las vanguardias de principio del siglo XX, como la poesía acción, el performance, la poesía concreta, la poesía sonora, la poesía visual, la polipoesía, la postpoesía, etcétera.

3- Buscamos revalorar las poesías populares tradicionales tanto locales como internacionales, por ejemplo las voces inuits y el canto cardenche. Para nosotros lo “antiguo” puede ser hipermoderno. En todo caso, creemos que es posible hacer convivir la tradición con la experimentación.

4- Incorporamos las tradiciones orales populares urbanas como el hip hop, la dub poetry, el spoken word y la poesía mexicana con referentes callejeros.

5- Programamos la poesía indígena en igualdad de circunstancias con el arte contemporáneo, es decir, no sólo como cultura popular o folclor, sino como arte actual.

6- Reconocemos y buscamos visibilizar la reciente aparición de colectivos poéticos locales que practican un acercamiento distinto a la poesía. Más que redactar manifiestos reivindicativos, parecen juntarse para distribuir y compartir su trabajo en la Web con una actitud festiva.

7- Asumimos que existe actualmente una tendencia hacia la transdisciplina en la mayoría de los campos culturales, lo cual propicia un acercamiento a la palabra y a la poesía desde otras trincheras.

8- Queremos servir de encuentro entre campos culturales, generaciones y hemisferios lingüísticos que normalmente no se tocan (vg: hip hop y son jarocho. Poesía ortodoxa y poesía multimedia. Juan Gelman y un poeta multimedia de Japón), con la intención de posibilitar nuevos referentes para cada creador, así como la formación de nuevos públicos. En otras palabras, propiciamos el encuentro entre lo que se ha denominado… la “alta cultura” con la “cultura popular”.

9- Exploramos el sonido como significación autónoma (¿una relectura de los formalistas rusos?), además de subrayar la sonoridad del idioma original como valor en sí mismo dentro de la poesía.

10- Poesía en Voz Alta busca ser una plataforma de estas confluencias sin jerarquías, con miras a romper el aislamiento de las diversas disciplinas, principalmente de la poesía ensimismada en la soledad del texto.

 

ELENCO 2010:

Juan Joaquín Pereztejada: Naranjas tour (Mx, performance de lesa poesía y table poetry)

Luis Felipe Fabre: La sodomía en la Nueva España (Mx, stand up poetry)

Grupo Cardenchero de Sapiorís (Mx/Durango, canto cardenche)

Julián Herbert y Jorge Rangel: Soundsystem en Provenza (Mx, electropoesía)

Quodia, Trey Gun & Joe Mendelson: The Arrow (EU, multimedia performance)

Tomasita y su guateque (Cuba, repentismo e improvisación)

Rodrigo Solís (Mx)

Los Ositos Arrítmicos de Lemuria (Mx)

Meridian Brothers (Colombia, tropical noise, canción melodramática)

Alessandro Raveggi: Disneyland against the Metaphysicals (Italia, poesía performer, electropoetry)

Inuit Throatsinging Poets (Canadá, inuit throat singing)

Rojo Córdova: Novenaria para ser cantada en el desierto. Exvoto múltiple para Jesús Malverde, Ángel de los Pobres (Mx, spoken word cabaret)

Ajo (España, micropoesía)

Conferencia “Poesía en Tránsito”, con Luis Felipe Fabre y Julián Herbert.

Sesión de Slam Poetry

 

Biografías de los participantes en PVA.010:

LUIS FELIPE FABRE dará lectura a un largo poema divido en varios fragmentos titulado “La sodomía en la Nueva España”: una revisitación desacralizadora al género del Auto Sacramental, una suerte de teatro leído donde las acotaciones dramáticas forman parte del poema. Lo acompañan dos lectores más, Daniel Saldaña París y Óscar de Pablo, que funcionan como una suerte de segunda y tercera voz, y en ocasiones como coro. Como telón de fondo se proyectarán imágenes intervenidas y citas que abran otras posibles lecturas al poema.

Luis Felipe Fabre (Ciudad de México, 1974). Becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes para Jóvenes Creadores, períodos 2004-2005 y 2007-2008. Ha publicado un volumen de ensayo, Leyendo agujeros. Ensayos sobre (des)escritura, antiescritura y no escritura (Fondo Editorial Tierra Adentro, 2005), y varios libros y plaquettes de poesía, entre ellos Cabaret Provenza (Fondo de Cultura Económica, 2007) y La sodomía en la Nueva España (Pre-Textos, 2010). Es autor de la antología Divino Tesoro. Muestra de nueva poesía mexicana (Libros de la Meseta, 2008). En 2008 Achiote Press publicó una selección de sus poemas traducida al inglés, titulada The moon ain´t nothing but a broken dish. Ha participado en diversos festivales internacionales de poesía, entre ellos el Maicromashin Poetic Festival 2009 (España y Marruecos), Poquita Fe 2008, III Encuentro de Poesía Latinoamericana Actual (Chile), y Latinale, Mobiles Lateinamerikanisches Poesiefestival 2008 (Alemania).

GRUPO CANTO CARDENCHERO DE SAPIORÍZ.El canto cardenche corresponde a la estructura del género polifónico. Es una forma musical compleja, que tiene su sustento en lo que los especialistas han denominado ‘la poli melodía’. Las composiciones son una auténtica recreación de la canción popular mexicana que florece en la primera mitad del siglo XIX. Canciones que eran trasmitidas por cantores ambulantes, trovadores, copistas y juglares que viajaban por toda la republica y llegaban a todos los poblados y rancherías acompañando en las ferias o los mercaderes.

El canto cardenche está constituido por el conjunto de tres voces que se entrelazan y armonizan. La primera voz es la que conduce la melodía, la que le da forma e impone los tiempos melódicos. La segunda, llamada voz primera de arrastre, es grave de gran vibración y sonoridad. Es una voz de tenor, encargada de proporcionar mayor amplitud al canto y apoya a la voz fundamental, de ahí su nombre popular de arrastre. La tercera voz es la mas alta, de gran intensidad, es la encargada de brindarle al canto una gran altura que provoca una fuerte emotividad y un impresionante lirismo. Estas tres voces se conjugan en un gran dramatismo y una profunda expectación causada por sus espacios de silencio y su sonoridad elocuente. Es importante destacar un elemento sorprendente del canto que es lo que ha sido llamado con justa aproximación una esencial desafinación. El canto no es interpretado por personajes de formación académica o de esmerada educación musical, sus intérpretes son hombres recios del campo habituados a un extenuante trabajo bajo un sol ardiente, de costumbres propias del hombre del campo, trabajador, devoto, viril, pero poseedor de un alma libre y un espíritu emprendedor.

Génesis y trayectoria del canto cardenche. Los orígenes del canto cardenche se remontan a los períodos de despegue de una vasta producción algodonera que requirió tanto de tecnología vanguardista como de la mano de obra de los peones y jornaleros de las grandes haciendas. Así, La Laguna se convirtió en polo de atracción de campesinos que arribaban en grupos familiares o de individuos de distintas comunidades.

Se piensa que los gérmenes del canto cardenche llegaron como una ‘remesa cultural’ portada por los migrantes provenientes de Zacatecas y de algunas regiones de Chihuahua, Durango y Coahuila. Quizá muchos de ellos sólo llegaron con sus instrumentos de labranza o sus propias manos, por lo que los cantos de sus tierras eran interpretados a capella. La escucha de ciertos cantos religiosos de misioneros franciscanos y jesuitas, “cantos polifónicos”, tuvieron impacto en la interpretación de las canciones de los migrantes, que de a poco fueron conformando el canto cardenche.

Esta es la ruta más verosímil, aunque no faltan hipótesis imaginativas o figurativas que hablan de orígenes de carácter más social: como la necesidad de cubrir la carencia de instrumentos musicales o la imposibilidad de obtenerlos. Otros se refieren a la bastedad de los espacios, los silencios del semidesierto y los aullidos de los coyotes.

El canto cardenche toma su nombre de una cactácea muy abundante en la región, de agudas y filosas espinas. Los campesinos de La Laguna dicen que el canto es como las púas de este cactus, que penetran fácil y profundamente, pero su extracción es difícil y dolorosa. Las canciones que conforman el repertorio cardenche son clasificadas por sus interpretes como de amor y de desprecio; pero también están presentes la soledad, la nostalgia, y las conmovedoras despedidas.

En su evolución y despliegue el canto adquirió diversos calificativos: Se le llamó canción laboreña, canción de borrachitos y de basurero. Esto porque se interpretaba en los atardeceres, tras la dura faena en el campo, entre tragos de fuerte licor y el humo de los cigarrillos de hojas, el escenario preferente era las orillas de los campos de haciendas donde se acumulaban los restos de la cosecha, la paja y las hierbas que ahogaban los cultivos. Estos eran los basureros de las haciendas. De ahí una de sus denominaciones.

La canción cardenche constituyó el género más auténtico y más difundido por los campesinos laguneros, a tal grado que permea otras manifestaciones musicales como los corridos, llamados corridos acardenchados; los cantos de las pastorelas tradicionales; las alabanzas a los santos y vírgenes patronales; y en las ceremonias fúnebres con la interpretación ‘alabados’. De manera que el canto cardenche constituyó no solo un elemento de identidad cultural sino que expresaba las relaciones comunitarias e individuales. La canción cardenche crece y se difunde por medio de sus intérpretes que celosamente memorizaban las canciones o las registraban cuidadosamente en rústicos cuadernos, muchos de ellos desaparecidos e irrecuperables.

El clímax y auge de la canción cardenche alcanza los años 30 del siglo XX y con la introducción y extensión de las redes que difundían la música del momento; la aparición de bandas, orquestas y grupos musicales en todo el territorio comienza la época del declive y reducción del canto cardenche proceso de deterioro que hoy a principios del siglo XXI se hace francamente alarmante.

Los intérpretes y su comunidad. En la actualidad la canción cardenche está depositada de manera viva en cuatro hombres que radican en el ejido Sapioríz, municipio de Lerdo, Durango: Fidel Elizalde García, Antonio Valles Luna, Genaro Chavarría Ponce y Guadalupe Salazar Vázquez. Todos ellos rebasan la séptima década de la vida. Todos hijos o descendientes de antiguos cardencheros, que heredan la tradición y la llevan a todos los escenarios posibles. Desde hace 30 años participan en numerosos eventos culturales. En 1978, gracias a la colaboración de distintos promotores culturales, se produjo la primera grabación in situ del canto cardenche. Desde entonces han producido otros documentos discográficos. El más reciente fue producido por la Dirección General de Culturas Populares e Indígenas/Unidad Regional Coahuila y el Instituto Coahuilense de Cultura. Esta última generación de cardencheros fueron candidatos al Premio Nacional de Ciencias y Artes 2008 en el campo de Artes y Tradiciones Populares.

JULIÁN HERBERT. Soundsystem en Provenza es un proyecto de electropoesía [o, dicho con mayor precisión, un proyecto de poesía en tránsito: escritura lírica (re)(de)construida mediante cualquier medio o praxis disponible] integrado por Julián Herbert (textos, videos, voz, guitarra electroacústica) y Jorge Rangel (laptops, videos, guitarra eléctrica). Activo desde principios de 2010, el proyecto da continuidad a exploraciones líricas y sonoras previas realizadas por ambos autores de forma individual o en conjunto a través del Taller de la Caballeriza. El principal interés del colectivo es vincular los rasgos poéticos tradicionales con materia estética digital incorporando indiscriminadamente rasgos tan diversos como la canción, el hip hop, la letanía y la distorsión vocal, así como videoinstalaciones, foundfootage y diversos sistemas de signos.

Julián Herbert (Acapulco, 1971) vive en Coahuila desde la infancia. Es licenciado en letras españolas por la Universidad Autónoma de Coahuila. Ha sido catedrático de la Facultad de Ciencias de la Educación y Humanidades (1993-2000) y de la Escuela de Psicología (2004-2006) de esta misma casa de estudios. 

Ponente en el VII Coloquio Cervantino Internacional (1994) y asistió al Festival de Poesía Latinale 2006 (Berlín y Bonn, Alemania), al encuentro de escritores Fet a Méxic 2007 (Barcelona, España) y al Poesiefestival de Berlín (2009). Ha ofrecido charlas y lecturas de poesía hispanoamericana en la Universidad de Barcelona, la Universidad de Jena y la Universidad Pompeu Fabra. Ha impartido clases en diplomados de historia auspiciados por la Universidad Iberoamericana (1996-2008). Ha trabajado como editor, promotor cultural y diseñador de proyectos culturales en el Instituto Coahuilense de Cultura (1994-1999; 2003-2007) y el Instituto Municipal de Cultura de Saltillo (2000-2002). Ha coordinado talleres literarios desde 1992 en diferentes foos y estados de la república. 

Es autor de los libros de poemas El nombre de esta casa (1999), La resistencia (2003) Kubla Khan (2005) y Pastilla camaleón (2009); de la novela Un mundo infiel (2004); del libro de cuentos Cocaína (manual de usuario) (tres ediciones: 2006, 2007 y 2009); y del volumen misceláneo Corazón de boina verde (2007). Compiló, junto con Rocío Cerón y León Plascencia Ñol, el volumen El decir y el vértigo. Panorama de la poesía hispanoamericana reciente (1965-1979). Seleccionó el Anuario de poesía mexicana 2007 (Fondo de Cultura Económica, 2008). 

Entre otro premios ha obtenido: el Premio Nacional de Literatura Gilberto Owen 2003, Presea Manuel Acuña 2004, Premio Nacional de Cuento Juan José Arreola 2006 y el Nacional de Cuento Agustín Yáñez 2008. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Parte de su obra se ha publicado en Argentina, Colombia, Perú, Chile y España, y ha sido traducida al inglés, francés, portugués, lituano, alemán y catalán.

Jorge Rangel (Sabinas, 1985) es ingeniero industrial, músico, blogger y profesor de inglés. Ha publicado en forma electrónica los discos Dismorphophobia, Mushrooms, Música de vidrio y Dots. [puedes descargarlos aquí: http://musica.jrangel.net/]. De 2008 a la fecha ha realizado la mayor parte de los audios que utiliza el Taller de la Caballeriza.

QUODIA. Quodia es un proyecto multimedia narrativo creado por Trey Gunn y Joe Mendelson, formado con la intención de alentar a los espectadores a utilizar su imaginación en una experiencia activa y atractiva. Después de años de colaboración en proyectos musicales, ambos artistas se encontraron buscando una oportunidad interpretativa con más amplitud. The Arrow (La Flecha), la producción más reciente de Quodia es un show inmersivo parte cine, parte teatro y parte concierto.

Quodia utiliza herramientas multimedia para contar historias. Los elementos básicos de su interpretación son la palabra hablada, texto proyectado, imágenes movibles, diseño sonoro, y música. Utilizando proyección de video e instrumentos en vivo, Quodia crea una experiencia parte película, parte teatro y parte concierto. Quodia se encuentra de gira con su espectáculo “The Arrow”, que dividido en siete capítulos, teje un intrincado cuento con personajes míticos que parecen existir fuera del tiempo: Un niño que encuentra una mano dorada, una mujer que consume agua para su propia destrucción, una oscura presencia que construye esculturas en el bosque, seis pájaros conspiradores… Quodia continúa la presentación de “The Arrow” por todo el mundo, recientemente se presentó en The Central Artist´s House (La Casa Central de los Artistas) en Moscú, y el 25 de sptiembre se presentará en Casa del Lago, dentro del festival internacional Poesía en Voz Alta.10

Acerca de los creadores: 

Trey Gunn. Nativo de Texas y residente de Seattle, empezó su vida musical a los siete años tocando el piano clásico. Su interés por la música creció a través de varios instrumentos: el bajo eléctrico, la guitarra eléctrica y acústica, el teclado y la guitarra de tacto. Cursó la licenciatura en composición de música clásica en la Universidad de Oregon. Se desarrolló profesionalmente en NY. Para Trey Gunn la mezcla de contar cuentos, imágenes visuales y música, siempre ha sido el punto de contacto para su vida creativa. La fotografía, pintura, lenguaje y cine se conjuntan para reforzar e inspirar la experiencia musical que ha buscado en toda su próspera carrera.

En 1992 lo invitaron a unirse con David Sylvian y Robert Fripp en un proyecto colaborativo que estuvo de gira por Estados Unidos Japón y Europa. La banda lanzó “The First Day”, un álbum de estudio, y “Damage”, álbum en vivo grabado en el Royal Albert Hall en Londres. Durante este periodo, Gunn también encontró tiempo para grabar su primer álbum como solista “One Thousand Years”. Esta grabación empezó su trabajo fusionando cuentos, sueños y música.

En 1994 se unió a King Crimson, grupo que muchos calificaron como la banda de rock más agresivamente aventurera. En la siguiente década participó en 17 discos de King Crimson, dos DVDs y cientos de presentaciones. Para su rol en la configuración del grupo (Belew, Fripp, Gunn y Mastelotto), Gunn ayudó a desarrollar un nuevo y único instrumento. Este instrumento que utiliza la técnica “tapping”, la guitarra Warr, es una guitarra de tacto de 10 cuerdas con registro de piano. Puede ser escuchado, a profundidad, en las seis grabaciones de Gunn como solista. El año 2003 vio a Gunn completamente adentrado en el mundo multidimensional de las formas artísticas. Comenzó a trabajar en una serie de cuentos para niños ubicados en África, un escenario del poema de Gregory Orr “Orpheus and Eurydice” y creó, junto con Joe Mendelson, Quodia. Además de ayudar a dirigir una compañía discográfica colectiva con sede en Seattle, llamada First World (FWD), y una compañía de producción multimedia (7 Directions), actualmente divide su tiempo entre su trabajo solista, el cine, la televisión y nuevos proyectos multidimensionales.

Joe Mendelson creció en el norte de Nueva York. Estudio piano clásico, teclado estilo jazz y guitarra. Sus presentaciones profesionales iniciaron a los 15 años, y a los 17 ingresó al innovador programa de música, negocios y tecnología de la Universidad de Nueva York. Empezó a tomar todas las artes múltiples y experiencias interpretativas que el programa ofrecía. Fue afortunado al ver las interpretaciones seminales de Peter Gabriel, Laurie Anderson y The Residents, tres artistas cuyo uso de elementos teatrales en sus interpretaciones tendrían un gran impacto en su trabajo. En 1986 formó Fibre (Fibra), un cuarteto de música experimental, que rápidamente cobró prestigio en la próspera escena artística interpretativa, actuando en lugares legendarios como PS 122, The Knitting Factory, A Micah Bunker y Space 2B. Cada representación era única, con el uso de utilería, vestuario y video. Además de sus aclamados álbumes, I Cried at the Fair y Sub Aquatic Memories, Fibre estrenó Seat of Dreams con la renombrada compañía de danza de Nueva York Avila/Weeks.

En 1992, Mendelson fundó la banda de avant-pop Rise Robots Rise, que utilizaba hasta 6 cantantes en una canción, cada uno jugando un rol diferente o expresando un punto de vista único. Esta banda hizo dos álbumes clásicos para TVT Records: Rise Robots Rise y Spawn. En 1997 en su búsqueda de foros para innovadores performances, fue uno de los fundadores del ahora legendario The Living Room. Durante este período también fundó Antenna Productions, estudio de post-producción para películas independientes, documentales, televisión y grabaciones musicales.

En 2000, se unió a The Trey Gunn Band. Juntos, Mendelson y Gunn crearon complejas composiciones de video para acompañar su desafiante música instrumental. Aprovechando la rápida evolución tecnológica de las laptop, las proyecciones de video ligero y el innovador software de manipulación de video, desarrollaron un método que integraba perfectamente el video en la interpretación y permitía controlarlo desde el escenario. Fue durante este período cuando se dieron cuenta hacia donde conducían sus caminos todos esos años: un performance en conjunto que podía reunir todas sus ideas teatrales y el uso de la última tecnología para crear una experiencia multimedia de tremendo poder e impacto. Así, nació Quodia.

TOMASITA Y SU GUATEQUE. Abordarán temas relacionados con la décima improvisada como expresión poética y musical oral en el desarrollo de las identidades culturales caribeñas y como expresión de la cultura de la resistencia que genera un pensamiento reflexivo y contrahegemónico frente a la avalancha de la globalización cultural, desde la experiencia y la técnica vocal de los repentistas cubanos en relación estrecha con el registro de sus voces y el acompañamiento del laúd, la guitarra o el tres.

La poetisa Tomasita Quiala y el improvisador Emiliano Sardiñas poseen una larga trayectoria en el las figuras más relevantes del repentismo cubano actual, que ponen en alto el buen nombre de la improvisación entre los grandes de la historia de este género. Muy famosos por su capacidad para el repentismo humorístico, por sus altos registros poéticos y gran capacidad fabuladora. A ello se le suma un oficio. Son dos de carisma indiscutible y un carácter afable y franco, que los ha hecho acreedores del respaldo popular y la crítica especializada en todos los escenarios donde se han presentado, tanto en Cuba como en el extranjero.

El “guateque” cubano es la escenificación de una fiesta popular campesina que se improvisa entre amigos y conocidos en una casa, un patio, con comidas y bebidas típicas, décimas poéticas, humorísticas, picarescas, que se acompañan con guitarras y laud para bailar. Es un acontecimiento tradicional y la celebración por excelencia del campesino cubano.

El hilo conductor del ‘guateque’ que armarán en Poesía en Voz Alta.10, es la improvisación, con temas musicalizados y la interacción con el público. La música se apoya en temas rurales y sobre todo sus “controversias”, el son montuno, la guajira-son y el “sucu sucu”, donde destaca el tratamiento de elementos tradicionales cubanos en armonía con un texto poético y una presencia escénica singular.

Desde la aparición del ‘punto’ cubano, hay más de cien años de un proceso evolutivo en el que se han enriquecido los diferentes géneros de la música campesina, por ejemplo “la guajira”, conocida ancestralmente como un tipo de canción creada por compositores eruditos para el teatro vernáculo, pero que posteriormente sería asimilada por autores populares, entre estos y reconocidos como ‘joyas’ del cancionero cubano, figuran Tomasita Quiala y Emiliano Sardiñas.

Tomasita Quiala. Nació en la provincia de Holguín, Cuba, muy joven se mudó a la capital, donde estudió la primaria y secundaria en una escuela especial para ciegos Abel Santamaría. Se inicio en la improvisación al intervenir en una canturía en defensa de otro poeta, y su estilo conquistó el aplauso del público. Como profesional, inició en 1986 en el centro provincial de la música Antonio María Romeu de La Habana, al cual pertenece.

Ha recibido numerosas condecoraciones, entre ellas las distinciones Antero Regalado y la 23 de agosto, de la ANAP y la FMC; la Réplica del Machete de Máximo Gómez, de las FAR, y el Bastón de Cristal y el Sello por la Rehabilitación, otorgados por la Asociación Nacional del Ciego.

Varios son los seudónimos que la han identificado, además de ‘Reina del Repentismo’, recuerda el de ‘Alondra de la Lisa’, donde residió y empezó a improvisar; ‘Flecha del Pensamiento’, como la bautizaron los tuneros, y ‘Novia de Canarias’, como le decían los habitantes de esas islas. Desde hace más de dos décadas ‘se enfrenta’ con éxito a repentistas de Cuba y otros países. Es reconocida por figuras del género como Jesús Orta Ruíz, El Indio Naborí, y Alexis Díaz Pimienta. Sus intervenciones en radio y TV, y sus frecuentes actuaciones en la jornada nacional Cucalambeana, en Tribunas Abiertas, en numerosas canturías y eventos culturales, le han ganado su gran popularidad.

Emiliano Sardiñas. Nació en 1965, en Songo la Maya, Santiago de Cuba. Comenzó su vida artística en 1989. Principales premios y condecoraciones: Alcanzó el primer premio en el Concurso de Repentismo en 1994, el segundo premio en el Concurso de Justo Vega en 1997, el tercer premio nacional en la jornada Cucalambeana en 1998, huésped ilustre del estado Veracruz, México, premio La Marta Elena, México 1998, premio forjadores de artistas de Colombia

Embajador de la décima cubana en Colombia, maestro de trovadores. Participó en la Cumbre América Argentina en el 2005, en los Festivales de música de Medellín en los años 1997, 1998.

RODRIGO SOLÍZ (Cd. de México, 1970). Neopregonero. Ladrón, de los que ladran. Cantador de cuentos o contador de canciones, según como se mire. Poeta de acción directa. Acrobacia literaria. Asalta-orejas. Stand-up comedy que no da risa. Ciclista sobreviviente de la Ciudad de México.Presentará fragmentos de La nueva lotería cósmica. Retrato de distintos rufianes. Zoología chilanga. Todos los nombres propios fueron alterados para no afamar pelafustanes.

Neopregonero. Poeta de contacto. Estudió en la Universidad de Las Américas-Puebla, en la Universidad Iberoamericana y en la UNAM. Hizo un diplomado en la SOGEM. Tiene más de 20 años dedicado a la literatura oral. Sus aventuras como peregrino de la palabra lo han llevado a foros tan dispares como puede ser el Teatro de la Comunidad Chipriota, en Londres, Inglaterra, el Museo de la Ciudad de México, la Sala Ollin Yoliztli, el Reclusorio Norte, la sala de Postradas del Asilo La Cascada en Aragón, los cinco Colegios de Ciencias y Humanidades, fue ponente en el congreso de Poéticas de la Resistencia, en la Universidad de Santiago de Compostela, y Kukutza, Gastetzea en Bilbo, Euzkadi. Cantador de cuentos o contador de canciones, estudioso de las propiedades colectivas de la literatura. Ciclista sobreviviente de la Ciudad de México.

MERIDIAN BROTHERS. “Nacida bajo el sino de la anarquía tropical imperante en las esquizofrénicas ciudades latinoamericanas, la agrupación bogotana Meridian Brothers confirma que en la música, si se quiere sobrevivir a la obviedad, hay que tomar el riesgo de no ser tomado muy en serio en la primera impresión. Y es que en la estética de esta banda está muy claro que, ante todo, hay que despojarse de la solemnidad para poder disfrutar de un sonido y unas letras que, esencialmente, nos remiten a un juego de niños donde cada elemento, por muy disparatado que parezca, tiene su lugar, su lógica y su orden.

“Después de escuchar la música de Meridian Brothers corroboramos que son capaces de tejer con filigrana composiciones que no descuidan detalles. Así logran el sonido adecuado para sustentar un estilo que le debe tanto al surf y al cliché country de Dolly Parton como a las cumbias nostálgicas de Andrés Landero, la experimentación controlada de Radiohead, la ironía de Frank Zappa y el buen humor del vallenato sabanero que acá se oye lo suficientemente retorcido como para que a los guardianes de las buenas costumbres se les enconen los oídos.

“En cuanto al contenido lírico, prima la telegrafía, las comparaciones imposibles, los adjetivos caóticos y la caricatura virulenta y sarcástica de algunos personajes de la vida diaria colombiana que gracias al cedazo poético se trasladan a los terrenos de la comedia humana. Alguna vez Eblis Álvarez, el meridiano mayor, le decía a una revista que sus letras estaban escritas a través de una técnica que él mismo definió como “perspectiva imposible”. Es algo así como un remolino de palabras que de tanto aparentar incoherencia toman sentidos insospechados: algunas se nos presentan dramáticas y apocalípticas; otras, por el contrario, destilan un humor lo bastante corrosivo como para molestar a los soberbios”. Luis Daniel Vega (periodista)

De los integrantes de Meridian Brothers:

Damián Ponce de León (Batería y Electrónica). Compositor bogotano nacido en 1980. Inicia su formación musical a los 10 años. Crece en un ambiente musical diverso y profundamente activo. Inicia como percusionista y baterista. A los 11 años participa como actor y cantante en la opera rock “El Ángel Azul”, dirigida por el dramaturgo colombiano Juan Monsalve.

Entre los años 1994 y 1999 participa como baterista en varias bandas de rock, entre ellas El Parche B funk y Las 1280 Almas. En 1999 viaja a La Habana, Cuba, donde ingresa a la carrera de composición musical del Instituto Superior de Arte de la Habana, donde en 2001, dentro del festival internacional de Música “Musicália”, gana el primer lugar en la categoría de Música de Cámara con su Sonata para violoncello y piano. En 2006 termina sus estudios de pregrado con título de oro.

Ha participado en diferentes festivales musicales, entre ellos la primera temporada de Música de Cámara de la Universidad Nacional de Colombia, en Manizales, el Festival de Música Contemporánea de la Habana (ediciones 2001 y 2003), el Festival de Música Contemporánea de Lima, Perú (2008), y La jornada cultural en Cali (2009). En 2001 realizó el disco de música de cámara “ConCiertos Jóvenes”, junto con los compositores Juan Sebastián Monsalve y Sebastián Quiroga, y en 2009 lanza su disco monográfico bajo el titulo de “Disímiles”, dedicado a diversos formatos de cámara.

Desde 2006 es docente universitario y compositor. En Bogotá ha trabajado para varias producciones audiovisuales como el video arte “Cavilaciones fortuitas”, de la artista Natalia Mantilla, la serie “Ruido Blanco”, de señal Colombia, el largometraje “Esto no tiene nombre”, del director de culto Jorge Aldana, y la película de animación “Lo que sabemos”, de Maria Paulina Ponce.

Alejandro Forero Forero (Electrónica). Se ha desarrollado en diversos campos de la actividad musical. Como instrumentista, compositor y productor, se ha convertido en uno de los músicos que más influyentes de la nueva generación de músicos bogotanos interesados en la mezcla de lenguajes urbanos y tradicionales. Muestra de ello es la iniciativa de crear, en 2004, el colectivo independiente La Distritofonica, que reúne las propuestas musicales más innovadoras dentro de la fusión experimental, el jazz y avant garde.

Trabaja con las agrupaciones Asdrúbal, Primero mi tía, Serendipia y Meridian Brothers. Es productor, diseñador web y director artístico del colectivo la Distritofonica. Es docente de la academia Artes Guerrero y la Universidad Incca. y compositor musical en el campo de la animación experimental. Ha participado en las producciones discográficas “La Revuelta” de Asdrúbal; “Sayas – tradición negra en la Gaita” del gaitero Jesús Maria Sayas, “El Poeta del Valle Sinú”, de Pablo Floréz & Alé Kumá, “Primero mi tía Quinteto” de la agrupación Primero mi tía (catalogada por la revista Semana dentro de las 10 mejores producciones de 2005), “Los cerros testigos”, del pianista y compositor Ricardo Gallo; “Habichuela”, de la agrupación Asdrúbal; “Pingueria”, de Primero mi tía; “Agua”, de la agrupación La Revuelta (catalogada dentro de las 10 mejores producciones de 2007 por la revista Semana); “Jipiyam y Raspacanilla”, de la Comparsa de los músicos.

Ha realizado la música para los cortos animados “Almas Santas – Almas pacientes” (ganadora del premio para cortometrajes 2005 – Fondo para el desarrollo cinematográfico) dirigida por Cecilia Traslaviña, y “Los Tres errantes”, dirigida por Juan Camilo Gonzales.

Eblis Álvarez (Dirección, Composición, Voz, Guitarra y Electrónica). Nació en abril de 1977, realizó estudios de música en el conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia a los 8 años. Se gradúa de músico profesional y guitarrista en la Universidad Javeriana de Bogotá en 2001. En 2002 viaja a Copenhague-Dinamarca para realizar estudios de posgrado en composición y música electrónica en el Conservatorio Real de Dinamarca, luego realiza una maestría en música electrónica y producción el DIEM (Danish institute for Electronic Music).

Ha recibido varias distinciones, entre ellas el premio nacional de composición del Ministerio de Cultura de Colombia, Beca Carolina Oramas del Instituto Colombiano de Estudios Técnicos en el Exterior, y Beca de desarrollo artístico del Ministerio de Cultura danés. Su música se ha interpretado en varios países de Europa, EU y Sudamérica. Actualmente se desempeña como productor e ingeniero en diferentes proyectos en la escena experimental colombiana. Es compositor free- lance, además de desarrollar proyectos independientes, entre ellos el colectivo musical La Distritofónica y Meridian Brothers. Trabaja también compositor miembro de la sociedad de compositores daneses realizando encargos y estrenos anuales de sus obras.

María Angélica Valencia Sánchez (Clarinete, Glokenspiel y Sintetizador). La búsqueda musical de esta saxofonista y clarinetista se desarrolla en inquietantes atmósferas donde conviven lenguajes tan diversos como el free jazz, el world music, el pop, el rock, la música contemporánea y la música tradicional colombiana. Esta bogotana que inició sus estudios a temprana edad, traduce su experiencia musical en un sonido que transmite no sólo una estética particular, sino también espacios íntimos donde sus composiciones comunican climas vitales propios de la ciudad y sus habitantes. La franqueza con la que le da rienda suelta a su instrumento ha llevado a María Valencia a ser parte importante de la en la escena cultural de la capital.

Maestra de música de la Universidad Javeriana, se ha avocado a la producción discográfica y a la creación artística en agrupaciones como El Sexteto la Constelación de Colombia, Asdrúbal, Palanca y Meridian Brothers, pertenecientes a La Distritofonica, colectivo del que forma parte desde 2004.

Ha estudiado saxofón con diversos maestros, incluido el saxofonista canadiense Michael Blake. Como compositora colaboró en la música original de la obra “La Farsa de los Tenebrosos” (Teatro R-101) Obtuvo el reconocimiento como 1ª. finalista del IV premio Colombo-Francés en patrimonio cultural (2003) otorgado por el Ministerio de Cultura y la Embajada de Francia por la obra “San Pedro”; es autora de la música original para la obra “Desastre” de Jácara Teatro y la composición de la banda sonora del programa “Si te contara”, emitido por la cadena básica de Caracol Radio.

Entre los festivales en que ha participado destacan: Festivales de Jazz, Música contemporánea, Música Colombiana, Instalaciones Sonoroas, Carnavales, el Encuentro Latinoamericano “Nuevos Caminos Para La Música” en Sao Paulo – Brasil, y sesiones de improvisación con los Bateristas Hernan Hetch en Bogotá, y Andrew Drury en Nueva York, entre otros. Su trabajo como compositora e intérprete, ha sido editado en las grabaciones de grupos como Asdrubal, Palanca, El Viaje, La Colecta, Disímiles y Odio a Botero. Asimismo algunas de sus obras han sido editadas en compilados como “Premios de Cultura 2003” (Ministerio de Cultura, Colombia), “Nueva Colombia”- A New Generation of Colombian Music (Chonta Records, 2007), “El León en Concierto 2”- Tradición y Experimento (Universidad Nacional de Colombia, 2007), “Jazz Colombia” (MTM, 2008). La Distrtitofonica (La Distritofonica, 2009).

Mauricio Alexander Baez Buitrago (Ingeniero de sonido). Técnico en audio y sonido con estudios en producción musical, (Escuela de Música y Audio Fernando Sor de Bogotá, Colombia 2009), certificado por Digidesign en niveles 101 y 110 de Pro tools en 2009; guitarrista y compositor aficionado. Estudiante del taller de guitarra jazz y música moderna de la Academia de Artes Guerrero de Bogotá. Ensamble jazz y Percusión folclórica 2003-2006, y Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia en 1993. Guitarrista y arreglista del grupo Coral Negro, Bogotá 1993-1994, invitado al III Festival de Música Moderna Florencia, Caquetá. Bajista y compositor de la Agrupación Crossfire Blues Band de entre el 2004-2006. Se desempeñándose como ingeniero de mezcla en vivo, grabación y edición, de la orquesta de charanga Son Canigua, Blankito Ites Project y La agrupación de reggae The Merritones. Edición de audio y desarrollo de software para tecnología en información en la empresa ATI (Advanced Technology Information Ltda.) César Quevedo Barrero (Bajo) Comenzó en la música empíricamente y fue bajista de la orquesta tropical del colegio a los 15 años. Como músico clásico participó en varios concursos y recibió distinciones como el 1er lugar en el Concurso Nacional para Jóvenes Artistas de Compensar –Bogotá 2000, 1er premio en el concurso “Mejor Interpretación de la Música de J.S. Bach- Universidad Javeriana, 1999”, 3er lugar en el Concurso Internacional Alhambra 2007 – Alkmaar, Holanda – y finalista en otros concursos internacionales (Gevelsberg – Alemania, Zwolle – Holanda). Maestría en Interpretación del Conservatorio Real de La Haya-Holanda, sus maestros fueron Zoran Dukiç y Carlo Marchione. Su repertorio va desde el barroco y el clasicismo hasta la música latinoamericana popular y música contemporánea. Está involucrado en distintos proyectos de música de cámara –Trip Trip Trip (trío de guitarras), OK Trío (voz y 2 guitarras), lidera el proyecto de tango La Curda, y toca el bajo eléctrico en Meridian Brothers. Conciertos: en Colombia, Argentina, Ecuador, Holanda, Bélgica y Alemania. Además da clases de guitarra clásica en la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y la ASAB (Universidad Distrital) en Bogotá.

ALEJANDRO RAVEGGI. Disney against the metaphysicals se ha presentado en varios formatos, desde el reading hasta la instalación de arte, pasando por el concierto puro, en importantes festivales internacionales de literatura y música, como “Alemania en festa! 2007” del Goethe Institut Italia en Roma, el festival literario internacional “Romapoesia”, el festival musical “Rock Contest 2008”, “ZOOM Festival 2006”, “Meeting Etichette Indipendenti 2008”, entre otros. En esta nueva versión para Poesía en Voz Alta.10, el autor y performer italiano colabora con el videoasta mexicano José Ángel Villegas.

“En este show, el sentido trágico se mezcla con el sarcasmo: vivimos el tiempo de Disney, queramoslo o no…

“La libertad revolucionaria y surrealista de los primeros dibujos animados de Mickey Mouse se ha vuelto la coerción del merchandising -para chicos y grandes- de Disneylandia. El brillo deslumbrante del Pop nos prometió un Valiente Mundo Nuevo donde el color escondió el fondo gris más profundo de nuestra vida. “¿Qué nos queda? Modificar esta “lasagna cultural” tornándola en algo positivo, revolcándola, masticando sus estratos, como un sandwich de citaciones cultas y otras triviales…

“Y viajar, con la boca llena, viajar mucho: no solamente por la Italia Berlusconiana de las vedettes ministras y los futbolistas fascistas, en algunas pesadillas apocalípticas y terminales, llenas de sangre, humor y Botox como en Brazil de Terry William… También podemos perdernos -gracias a una guía Routard- en los barrios porno de Hamburgo, buscando, más allá de vibradores y mascaras anti gas, un poco de amor sincero. O en los estereotipos épicos de Hollywood, los mismos de las teleseries de in-justicia infnita de la guerra producida por los Estados Unidos.

“Surfeamos sobre las olas del trash, para al final no movernos mucho, y salvarnos en las arenas movedizas del trabajo, por supuesto a tiempo determinado, y al mismo tiempo interminable, como la Muerte. Reivindicando solamente después de tocar lo más bajo, el poder irónico de salvación de la literatura más alta. Los invitamos a viajar un rato en este Disney against the metaphysicals, masticando ritmo y electrónica que recuerdan a Matmos, guitarras melancólicas con ecos de Mogway, en un estilo poético que lleva la influencia de poetas como Antonio Porto y Edoardo Sanguineti, con la aportación de las imágenes y traducciones sensoriales en video de José Ángel Villegas Guzmán”.

De Alessandro Raveggi. (Florencia, Italia 1980). En 2007, dentro del Festival Ricercare de Bolonia, fue presentado por Renato Barilli e Nanni Balestrini como uno de los nuevos autores italianos. Ha publicado dos antologías y una dramaturgia teatral, así como textos en prosa, poesía y teatro en diversas revistas, entre ellas “Poesia”, “il verri”, “Semicerchio”, “l’immaginazione”, “il primo amore”, “Alfabeta2”, “Nuova prosa”, “Nazione indiana”… Y en antologías para las editoriales Crocetti, d’if, Polistampa, Las Vegas edizioni, Perrone editore, Zona. A principios de 2011 saldrá su nuevo libro “Habeas Corpus”, para Transeuropa, con una nota de la poetisa italiana Rosaria Lo Russo, la más conocida performer de poesía italiana; así como un CD del grupo de electrónica A Smile For Timbuctù. Escribió también la novela “Nella vasca dei terribili piranha”, de proxima publicación.

Como performer de poesía, además de ser fundador del colectivo de electrónica Despairs! (con el que ha realizado el libro+CD “Disney contro le Metafisiche”), ha participado en el Festival Internacional Germania in scena! en el Goethe Institute de Roma, en el festival internacional Romapoesia, en el MEI-Meeting Etichette Indipendenti, en el Festival Bel Rumore Telecom Future Center de Venecia. Como director y actor de teatro, además de ser finalista del Premio Riccione para el teatro en el 2007, puso en escena sus espectáculos con la contribución de Armunia Festival Castiglioncello, Radiconcoli Arte, Teatro Studio de Scandicci. Además de su actividad creativa, tiene una beca post-doctoral de investigación en el Colegio de Letras Modernas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Más info: http://colossale.wordpress.com

José Ángel Villegas Guzmán. (Ciudad de México, 1982). Estudia la licenciatura en comunicaciones en la Universidad Iberoamericana, y se gradúa con el cortometraje “Bueno Modales o Calavera”, seleccionado en los festivales VIART (Venezuela) y Unifest (España), donde obtiene mención Laudatoria. Trabajó en dos proyectos en Videocine y fue asistente de producción en Once TV. Actualmente colabora con el Festival Internacional de Cine de Morelia y realiza sus proyectos de manera independiente.

INUIT THORATSINGING. El Throat singing es un arte vocal complejo, único y excepcional, creado y preservado durante varios siglos por los Inuit de la región Ártica Occidental del Canadá. Su mecánica, estructura y sonido son incomparables, y presenciarlo en vivo es una toda una experiencia. Inuit throat singing es una extraña joya en el mundo de la música, llamada por los expertos “el más excepcional estilo de canto en el mundo”. Melodías, imitaciones de la naturaleza e improvisaciones son interpretadas por dos o más mujeres al mismo tiempo, donde intercalan sus voces generando sonidos que muchas veces trascienden el rango vocal humano. Throat singing es la manera en que los Inuit se entretienen en las celebraciones o durante el frío y oscuro invierno “Así es como hemos creado y llevado a cabo sofisticadas, ingeniosas y bellas sinfonías usando solamente nuestras gargantas…

La cultura Inuit es rica e inquebrantable. A los Inuit se les conoce por haber preservado una fuerte relación con la tierra de las regiones árticas del Canadá, Alaska, Groenlandia y la Rusia Ártica, como se refleja en su música. Para muchos son “la última frontera”, ya que es hasta esta generación que se encuentran plenamente inmersos e integrados a la sociedad global. Durante miles de años, han sobrevivido y prosperado bajo severas condiciones, haciendo uso de sus recursos naturales, el trabajo en comunidad y un agudo ingenio. Su música es la expresión de su carácter desenfadado, de su naturaleza festiva, y de lo desafiante de la vida en el ártico.

“Celina Kalluk, Becky Kilabuk, Akinisie Sivuarapik y Kathleen Merritt, somos cuatro ambiciosas, creativas y orgullosas embajadoras del Ártico. Somos “portadoras de la llama”, llevando nuestras amadas tradiciones, valores, costumbres e historia oral en nuestras mentes y nuestros corazones. Estamos orgullosas de nuestras raíces ancestrales como Inuits y nos entusiasma compartir quienes somos. Trabajamos en el ártico canadiense buscando el equilibrio entre nuestras vidas en el nuevo mundo, mientras nos aferramos a nuestro viejo mundo. Valoramos profundamente nuestro entorno y su gente, trabajamos para proteger y promover la belleza que el ártico puede ofrecer.

“Somos cuatro artistas dispuestas a aprovechar cualquier oportunidad para interactuar, conectar e intercambiar ideas, experiencias y formas de expresión creativas con gente alrededor del mundo, por eso nos encanta la idea de ser parte de Poesía en Voz Alta.10, para compartir la profunda poesía que se encuentra intrínseca en nuestro canto. A pesar de su antigüedad, las palabras y sonidos que compartiremos son novedosas para el mundo, sumergiendo a la audiencia en una experiencia que viene de cientos o miles de años atrás. Esperamos llegar a la mente y corazones de la audiencia con esta singular forma de cantarperteneciente sólo a los Inuit, y compartir nuestro espíritu indígena.

“Deseamos y confiamos en poder aprender de otras culturas y creemos firmemente en el poder del intercambio. Creemos que Poesia en Voz Alta.10 será una experiencia enriquecedora para todos, arriba y abajo del escenario, ya que nos permitirá profundizar en la poética y novedosa perspectiva del throatsinging.

“No somos poetas profesionales, pero podría decir que como throat singers, tenemos alma de poetas. Mucha de nuestra poesía surge en el momento, al interactuar con el público. La manera en que cantamos es poética en sí misma. Como Inuits, no venimos de una cultura escrita, por lo que solemos poner en le papel nuestros pensamientos o sentimientos”.

Inuit Throatsinging Poets son:

Celina Kalluk, polifacética artista nacida en Qausuittuq, Nunavut. Se graduó de Qarmartalik School, en Resolute Bay, y continuó sus estudios en Ottawa School of Art. Con la música tradicional Inuit, ha compartido la historia de su familia. A través de diferentes tipos de canto como Katatjaq, (Inuit Throatsinging) y Ajaja, cobran vida las enseñanzas de la vida en el Ártico. Orgullosa de sus raíces, es invitada a diferentes países como exponente de la fuerza, belleza y creatividad Inuit. Ha actuado a nivel nacional e internacional como trota singer, y sigue explorando las experiencias de su cultura a través del arte visual. Es también es una talentosa diseñadora de modas.

Akinisie Sivuarapik nació y creció en Puvirnituq, Nunavik en Quebec. Aprendió el valor cultural del throat singing con su abuela Mary Sivuarapik. En su familia había más chicas que chicos, así que el throat singing era la forma en que se divertían y estaban juntas con su abuela. Akinisie ha viajado a lo largo y ancho del Canadá y alrededor del mundo dejando constancia de su arte: Córcega, Alemania, Noruega, Francia, Groenlandia, Bélgica, Austria, entre otros. Continúa cantando y enseñando a una nueva generación esta importante tradición Inuit de Katadjak.

Kathleen Merritt, vigorosa y apasionada joven Inuk. De madre Inuk y padre Qalunaat, Kathleen pasó sus años de preparatoria conformando su identidad. Después de haber tomado un curso en Ottawa, donde aprendió mucho acerca de Nunavut y de su gente, ha desarrollado una gran pasión por la cultura Inuit. Su deseo de acercarse a la antigua cultura Inuit la ha llevado a convertirse en una extraordinaria throat singer, y ha actuado en varios foros del Canadá, y en algunos otros países.

Becky Kilabuk nació y creció en la comunidad de Pangnirtung, Nunavut, en la costa oriental del Canadá (en la isla de Baffin), donde forjó una formación a través de su cultura y lenguaje. Actualmente vive y trabaja en la capital de Nunavut, donde promueve los derechos, cultura y valores Inuit a través de su trabajo como Coordinadora Regional de Programas Juveniles. Es una apasionada de compartir su “Inuk-idad”. El throat singing es fundamental en su vida por lo que se avoca al aprendizaje y preservación de las throat songs e historias tradicionales detrás de ellas.

AJO. Ajo es micropoetisa, cantante, agitadora y personaje de referencia en la contracultura madrileña. Fundadora del grupo de rock experimental Mil dolores pequeños, del sello discográfico Por Caridad Producciones y fundadora también del fanzine Noise Club. Como cantante y letrista de Mil dolores pequeños edita 4 discos y varios sencillos, entre los destaca De la piel pa’dentro mando yo, convertido en himno antiprohibicionista por motivos obvios y por contar con la colaboración de Antonio Escohotado.

Hasta 2008 y desde hace 8 años codirige el festival Escperimentaclub. Es directora de Yuxtaposiciones, festival internacional de poesía y polipoesía que se celebra desde 2004 en La Casa Encendida, de Madrid. Este año ha puesto en marcha otro festival de similares características en Santander, llamado Poetry.

Colaboradora intermitente en diferentes programas en Radio3 y RNE, sus micropoemas han sido además protagonistas de las dos últimas campañas de autopromoción en la cadena de televisión La Sexta.

Ha publicado 2 libros: Micropoemas (ed. La Luz Roja 2004), del que se han vendido más de 6 mil ejemplares, y Micropoemas 2 (ed. Arrebato libros 2007) que se ha reeditado ya por su cuarta vez.

Durante los últimos años se ha centrado básicamente en su actividad poética. Fanática de la brevedad y de la urgencia por coincidir y comunicar, se ha reinventado como micropoetisa. Durante varios años (2004-2008) paseó su micropoesía por los más variopintos escenarios de la mano del músico y compositor Nacho Mastretta al piano.

En la actualidad, aparte de recitar en solitario, ha emprendido una etapa promiscua artísticamente hablando, que le lleva a compartir escenario con artistas de muy variada trayectoria, desde La Máquina de Vivir con Javier Corcobado a la guitarra Tormenta, a Don Simón y Telefunken y sus melodías casi felices con instrumentos de juguete o con Judit Farrès a los platos. Un giro inesperado del destino ha hecho que vuelva a reunirse con el guitarrista Javier Colis con quien en su día formó Mil Dolores Pequeños.

En ocasiones muy especiales Ajo se hace acompañar por la miniOrquesta de Señoritas, esta miniOrquesta está siempre llena de sorpresas muy agradables. Como dijo Ruth Toledano: “Ajo es menuda y menuda es”.

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POETAS ESCÉNICOS 2009

Posted by pachoj en febrero 13, 2012

Texto que escribí para la presentación para la QUINTA EDICIÓN DEL FESTIVAL DE POESÍA EN VOZ ALTA, PVA.09, en, 2009, y la lista de los participantes:

La quinta edición del festival internacional Poesía en Voz Alta.09 conmemora los 50 años de Casa del Lago como centro cultural universitario programando actividades que revisan su memoria.

Si bien PVA.09 invoca con su nombre el espíritu de la vanguardia fundacional de la Casa del Lago, también responde a una escena que mira a un futuro cada vez más visible: el impulso de la poesía por expandirse, diversificarse y crear nuevas interconexiones transdisciplinarias, revalorando incluso aquellos ámbitos tradicionales, como la poesía popular oral, que han sido desdeñados por las convenciones literarias basadas exclusivamente en el texto. Se trata, desde luego, de una expansión y diversificación que no anula lo textual, sino que lo complementa.

A diferencia de lo que sostiene Sartori, creemos que las nuevas tecnologías asociadas a su homo videns nos enriquecen y nos permiten reinterpretar las tradiciones ancestrales como experiencias no tan ajenas a lo moderno. En otras palabras, si la poesía nace en la antigüedad como expresión oral, hoy podemos concebir que aquella oralidad remota implicaba ya una dimensión multimedial.

A lo largo de este año se discutió ampliamente en el país acerca de la supuesta muerte del libro y sobre la relación de la literatura con nuevos soportes. Una reflexión tardía si pensamos cómo nuevas generaciones han mostrado desde hace tiempo un renovado interés por la poesía y la literatura a partir de lo visual y sonoro, ofreciendo montajes escénicos o virtuales que refuncionalizan el origen oral de la literatura.

Como dice Jorge Santiago Perednik, “la experimentalidad tiene conciencia del soporte y lo pone en juego, sobre todo alterando sus modos usuales. Incluso puede utilizar el libro de manera experimental”.

Así, desde hace cinco años buscábamos crear con este Festival una plataforma que respondiera al creciente interés de los jóvenes por explorar el lenguaje y la escritura en relación al sonido, el ritmo y las posibilidades escénicas directas; un interés propiciado en parte por la emergencia de las nuevas tecnologías. Con ello intentábamos romper el aislamiento de diversas disciplinas, principalmente de la poesía ensimismada en la soledad del texto.

Poesía en Voz Alta pretende provocar un diálogo generacional desde las tradiciones literarias iberoamericanas hacia formas poéticas emergentes, aún soslayadas en nuestro país, vinculando a escritores mexicanos reconocidos con poetas de distintos hemisferios lingüísticos y campos culturales, sin excluir a los de diferentes tradiciones orales populares como los repentistas y los poetas indígenas.

En Poesía en Voz Alta conviven tradición y modernidad, alta cultura y cultura popular, lo rural y lo urbano, llegando a transgredir los géneros literarios, escénicos y visuales para conformar campos transdiciplinarios que aún no han sido bautizados. Así, nuestro programa enuncia subgéneros provisionales con la intención de describir parcialmente lo que sucede efímeramente en el escenario durante cada Festival. Este año asistiremos a sampleos poéticos, poesía acción, rezos tzotziles, rock lírico, esculturas poético-sonoras, improvisaciones vocales, poesía náhuatl, hip hop como poesía de barriada, son jarocho, spoken word, videopoesía, danza de la palabra, teatro sonoro, film poetry y poesía performática.

Otra de las ideas fundacionales de Poesía en Voz Alta consiste en presentar a los poetas en su idioma original, con miras a no interrumpir la experiencia escénica y sí, en cambio, acentuar el valor insustituible del sonido de cada idioma.

Durante las cuatro ediciones anteriores, hemos presentado a poetas de diversas corrientes. Algunos ejemplos: Quincy Troupe (jazz poetry), Amiri Baraka (poeta beat), Umar Bin Hassan (de los Last Poets), Linton Kwesi Jonhson (dub poetry), Kiwao Nomura (Japón), Accident Polipoétics (Barcelona), Arnaldo Antunes (loops, y visuales de Brasil), Gwenaëlle Stubbe (Bélgica), Shamshad Khan (UK), Juan Gelman con el bandoneonista César Stroscio (poesía tango en exclusiva mundial), un homenaje a Leopoldo María Panero (quien ha pasado gran parte de su vida recluido en un manicomio), Alexis Díaz Pimienta (repentismo cubano). Y, desde luego, se han presentado diversos poetas indígenas como Irma Pineda (zapoteco), Enriqueta Lunez (tzotzil), y Briceida Cuevas (maya), Odi González (quechua), entre otros.

Para conmemorar el cincuentenario de la Casa del Lago, PVA.09 realizará una visita transgeneracional al trabajo del director fundador de este recinto, Juan José Arreola, con un Confabulario Musical realizado por el músico Alonso Arreola e invitados especiales como Nicolás Alvarado, Jaime López y Fernando Rivera Calderón a partir de secuencias y samplers. Así mismo, José de la Colina, José Antonio Lugo, Armando González Torres, Paola Velasco y Francisco Santillán reflexionarán sobre la relación de Juan García Ponce con la Casa del Lago.

Por otro lado, el escritor francés Michel Houellebecq ofrecerá una sesión sui géneris, acompañado por improvisaciones sonoras de Alonso Arreola, mientras que la estadounidense Ursula Rucker explorará la tradición oral afroamericana con un concierto que se nutre de soul, hip hop y jazz poetry. Como exponente fundacional del Infrarrealismo, el chileno Bruno Montané presentará su libro Mapas y Escritos, de la editorial artesanal La Ratonera Cartonera.

Entre los más jóvenes participarán miembros de distintos colectivos, forma de organización generacional relacionada ya no con los grupos y manifiestos reivindicativos de las vanguardias del siglo XX, sino con la fiesta colectiva y la producción-difusión a través de las nuevas tecnologías. Así, de La Red de los Poetas Salvajes estarán Manuel de J. Jiménez con su iuspoética (hibridación de la jurisprudencia y la poesía), al igual que Yaxkin Melchy con su poesía-performance. Las Poetas del Megáfono realizarán un Carnaval Poético, mientras que el colectivo Devrayativa estará representado por Daniel Malpica. Por último, el colectivo Motín Poeta entablará un diálogo visual y sonoro con composiciones corporales.

De Valencia, España, participará Bartolomé Ferrando, heredero de la poesía acción y la tradición de las vanguardias del siglo XX, recordándonos que la experimentación poética tampoco empezó con las nuevas tecnologías. Él complementará su participación con la conferencia La ética en el arte acción.

Francisco Segovia ambientará sus Poemas marcianos con música electroacústica, mientras que Manuel Rocha realizará deconstrucciones vocales a partir de rezos y diversas lenguas, así como esculturas poético sonoras interpretando varias piezas, entre ellas el poema Pocos Cocodrilos Locos de Mathias Goeritz; además ofrecerá una conferencia sobre la Poesía Sonora en México. Por su parte, el músico Rogelio Sosa y la actriz Anajosé Alderete explorarán las nuevas narrativas y la palabra hablada, experimentando con el monólogo Psychosis 4:48 de Sarah Kane.

Las modernidades populares estarán representadas por la versada jarocha de Mono Blanco; por los rezos, conjuros y ebriedades tzotziles del Taller de Leñateros de Chiapas; así como por el poeta náhuatl Mardonio Carballo, esta vez en colaboración con Juan Pablo Villa y sus improvisaciones vocales. Por último, estarán también la hiphopera Ximbo y el poeta lenguaraz Feli Dávalos.

Como en 2008, el festival se expande hacia otras sedes: el español Javier Corcobado ofrecerá en el Lunario, un performance poético acompañado al piano por Susana Cáncer. Y la bailarina argentina Diana Teocharidis presenta en el MUAC un performance donde la escritura coreográfica se cruzará con la música y la poesía de Alan Pauls y Jorge Fondebrider.

Contaremos con la presencia del festival de cine poético Zebra de Alemania, así como con una mesa de exhibición de editoriales independientes locales.PACHO

 

ELENCO 2009:

Juan Joaquín Pérez Tejada (Mx, performance de lesa poesía & table poetry)

Diana Teocharidos, Nocturnos (Argentina, poesía danza)

Anaïs Abreu, Insecto lunar (Mx, poesía performance)

Michel Houllebecq & Alonso Arreola. Partículas horizontales(Francia/Mx, poesía performática)

Rogelio Sosa, Ablación (México, teatro)

Bartolomé Ferrando (España, poesía performance)

Manuel de J. Jiménez (Mx, iuspoética, poesía performance)

Ursula Rucker (spoken word)

Rocío Cerón: Imperio (México, acción de poesía visual , grafiti y danza)

Manuel Rocha Iturbide (Mx, arte sonoro)

Javier Corcovado (España)

Feli Dávalos (Mx, hip hop spoken word)

Las Poetas del Megáfono, Carnaval poético (México, poesía performance)

Francisco Segovia & Manuel Velázquez, Poemas marcianos (México, poesía y música)

Yaxkin Melchy: Mundo Rojo, poesía y robot de mi patria (México, poesía performance)

Alonso Arreola, Inervenciones sonoras a la obra de Juan José Arreola (México)

Taller de Leñateros, Conjuros y ebriedades (Mx, poesía y rezo tzotzil)

Bruno Montané, Mapas y escritos: el mapa eléctrico

Ximbo (México, hip hop)

Mono Blanco (Mx, son jarocho)

Xolo: Juan Pablo Villa y Mardonio Carballo (México, poesía nahuatl, interdsiciplina e improvisación vocal)

Conferencia magistral: La ética en el arte acción, por Bartolomé Ferrando.

Conferencia: poesía y experimentación sonora en México, por Manuel Rocha Iturbide.

Conferencia sobre Juan García Ponce y la Casa del Lago

Cine: ZEBRA Poetry Film Festival, presentado por Boris Niestche (Alemania, film poetry)

Sesión de Slam

 

BIOGRAFÍAS DE LOS PARTICIPANTES EN 2009:

LAS POETAS DEL MEGÁFONO: Las poetas del megáfono, colectivo internacional de jóvenes poetas, incursiona en una propuesta donde sus voces se funden con otras disciplinas artísticas, caminan de la mano con ellas para propiciar un acercamiento entre el espectador y el texto, saltan de la hoja para llegar más intensamente y por distintos caminos a las fibras de quien las escucha.

Su proyecto Carnaval poético incluye danza, body painting, clown, performance, música de autor, máscaras, monólogo teatral, videopoesía, poesía colectiva y megáfono. Todo sirve en este acto poético escénico tan divertido como reflexivo, que constata que la poesía deja de lado lo reducido del papel y se funde de muchas maneras para llegar al corazón de la gente.

Su intención, a través de esta sucesión de colores y expresiones, es cautivar al espectador y hacer que piense que la poesía está en todas partes, en la cotidianidad, en la fiesta y en el regocijo gozoso. Así, rota la cuarta pared, el público es parte del espectáculo poético, de una efervescencia lúdica que inunda todos sus sentidos

Integrantes:

Anaïs Abreu D’Argence (México, 1982). Es poeta, narradora y ex-bailarina. Se dedica a confeccionar islas de poesía. Ha publicado cuatro libros artesanales bajo el sello de colección del megáfono y en diversas antologías y revistas literarias. Explore su archipiélago:http://www.sorjuanais.blogspot.com/

Eva Cabo (Galicia, España, 1977) es escritora y narradora oral. Su poesía y sus cuentos han sido publicados en revistas literarias nacionales e internacionales. Ha publicado dos libros de poesía. Reside en México desde 2006, donde se la puede encontrar cazando garbancitos o pintando árboles rojos en la barriga del buey. Espíela en: http://el-arbol-rojo.blogspot.com/

Haydee Ramos Cadena (México, 1980) es promotora cultural, escritora, profesora y redactora. Ha publicado en distintas antología y revistas. Aprendiz del viaje, la medicina tradicional y lo humano, también se dedica a la danza Odissy, que aprendió en Orissa y Nueva Delhi, India. Camine a su lado: http://haydeeee.hi5.com

Lauri García Dueñas (El Salvador, 1980). Luciérnaga, escritora y periodista. Tiene cuatro poemarios y su poesía aparece en diversas revistas alrededor del mundo. Ha participado en recitales y talleres en México, El Salvador, Colombia y Francia. Busque sus palabras bioluminiscentes: http://laurigarcialuciernaga.blogspot.com

María Tabares (Bogotá, Colombia) es antes y después de todas sus vidas paralelas, una voz literaria. Poeta y narradora, tiene la habilidad de la levitación y la multipresencia. Radica entre México y Bogotá. Tiene dos novelas inéditas: La iniciación y Eva. Teletranspórtese a su mundo: www.tabares-maria.blogspot.com

Marina Ruiz Rodríguez (México, 1982). Es poeta y encueratriz de oficio. Experimenta en artes escénicas como el performance, la danza y el desnudo artístico. Ha publicado dos libros artesanales y su poesía aparece en diversas revistas y antologías poéticas. Baile con ella: http://marinaruiz.blogspot.com

Nicole Cecilia Delgado (Puerto Rico, 1980). Viajera, poeta, traductora, y organizadora cultural, es mono en el zodíaco chino, luna resonante roja según el calendario maya y pez de nacimiento. Radica en México desde el 2007. Ha publicado cinco poemarios. Para escamas y caracoles húndase: http://nicolececilia.blogspot.com

Ximena de Tavira (México, 1984). Escritora, cantautora y teatrera empírica. Ha publicado algunos poemas y cuentos en antologías y revistas. Escribe una novela y una obra más dramática que túrgica. En sus ratones libres espera que vuelva Tomasa (felino fugitivo). Ayúdela a buscar al gato encerrado: http://ximenadeta.blogspot.com/

POEMAS MARCIANOS. Lectura de poemas de Francisco Segovia, “escritos en Marte”, sobre un fondo musical (electrónico y acústico) improvisado en vivo por Manuel Velázquez sobre motivos establecidos.

Francisco Segovia (México, 1958). Ha publicado varios libros de poesía (Bosque, Ley natural, Elegía, etc.), de ensayo (SobreEscribir, Jorge Cuesta: La cicatriz en el espejo, etc.) y de prosas breves (Conferencia de vampiros, Abalorios y otras cuentas y Sarta de abalorios). Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Manuel Velázquez (México, 1986). Ha compuesto música para medios audiovisuales, especialmente animación. Ha participado en varios proyectos de música popular (en estilos diversos), entre los que destacan: “Ms. Woolf” (jazz) y “the delicious” (electrónica). Es autor del concierto Martha, para piano y sintetizador. Actualmente dirige el proyecto “pophessarg”, en el que se combinan música electrónica, pop y jazz.

Francisco Segovia (México, 1958). Ha publicado varios libros de poesía (Bosque, Ley natural, Elegía, etc.), de ensayo (SobreEscribir, Jorge Cuesta: La cicatriz en el espejo, etc.) y de prosas breves (Conferencia de vampiros, Abalorios y otras cuentas y Sarta de abalorios). Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Manuel Velázquez (México, 1986). Ha compuesto música para medios audiovisuales, especialmente animación. Ha participado en varios proyectos de música popular (en estilos diversos), entre los que destacan: “Ms. Woolf” (jazz) y “the delicious” (electrónica). Es autor del concierto Martha, para piano y sintetizador. Actualmente dirige el proyecto “pophessarg”, en el que se combinan música electrónica, pop y jazz.

YAXKIN MELCHY. El performance de Yaxkin Melchy consiste en la lectura de poesía y caracterización de personaje; intervención de objetos simbólicos en el escenario y pista musical de fondo.En su obra, busca la ingenuidad y las malignas posibilidades del poema para que el ejercicio poético dé paso al anuncio de un mundo nuevo, dentro de estos soportes está la cercanía del cuerpo con el robot y noción de poesía como lenguaje de una mente futura. El poema equivale al acto performático de algo que está por nacer. El poema como una intersección de planos delirantes: la vida: el diseño, la publicidad y la informática, así como también el delirio de los sueños y el temor de las pesadillas, la búsqueda de la sabiduría y la intervención política en los soportes callejeros como lugares de una nueva mente: stencil y estrellas. Yaxkin Melchy.(Ciudad de México, 1985) Se gradúo en Diseño Industrial y estudia Letras Hispánicas en la UNAM. Ha participado en la revista independiente trifulca. Forma parte de la Red de los poetas salvajes. http://reddelospoetassalvajes.blogspot.com/ portal de autores emergentes. Ha publicado El Nuevo Mundo (1ra parte 2008), Ciudades electrodomésticas (2009), Los poemas que vi por un telescopio (2009), Las Pequeñas Galaxias (2009) y Emilio, la danza y la escritura (2009). Los cuales forman parte de su obra titulada: El Nuevo Mundo. Ha participado en encuentros virtuales donde ha publicado sus video poemas como el encuentro “dinossauros / @nfíbios”. Hace stenciles en las calles y es coeditor de “Santa Muerte cartonera”. Mantiene el blog:http://destruccionmasiva.blogspot.com

EL GRUPO MONO BLANCO es líder internacional del movimiento renovador que vive el son jarocho: la música y la danza tradicionales del sur del estado de Veracruz. Está integrado por un quinteto base, al que se suman miembros surgidos de los talleres que el grupo organiza, por lo que puede presentarse en diferentes formatos. Desde su fundación en 1977, se ha presentado a lo largo de la República Mexicana difundiendo el son jarocho, y ha realizado giras en Asia, Europa, Centroamérica, África, los Estados Unidos de Norteamérica y Canadá. Paralelamente a su trabajo como intérpretes, participan en actividades relacionadas con el desarrollo y la promoción del son jarocho, entre las que destacan los talleres para la enseñanza del son: ejecución, versada, danza, canto y fabricación de instrumentos musicales jarochos conforme a los más puros métodos tradicionales (v. Laudería). Mono Blanco fue fundado en 1977, por iniciativa de Gilberto Gutiérrez Silva, Juan Pascoe y José Angel Gutiérrez, tres jóvenes motivados por su interés en el son jarocho. Tras haber realizado una serie de grabaciones e investigaciones sobre el son jarocho, hicieron amistad con el legendario Don Arcadio Hidalgo, quien se une a ellos con sus 87 años de edad. Pronto se incorporó también al grupo Don Andrés Vega, otro excelente jaranero rural. Por espacio de cuatro años, auspiciado por la SEP, realizó un gran número de presentaciones, grabó dos discos, participó en varios programas de televisión y comenzó a trabajar en las comunidades veracruzanas con la intención de revitalizar la tradición dancística de su tierra. En 1984 muere Don Arcadio Hidalgo, no obstante, el grupo continuó trabajando con dos nuevos integrantes: el legendario arpista tlacotalpeño Andrés Alfonso Vergara y José Tereso Vega, hijo de don Andrés Vega. Resultaría interminable mencionar los festivales y encuentro en los que se han presentado, pero cabe destacar que han compartido escenario incluso con Manú Chao, han grabado para la BBC, se ha presentado con éxito en Marruecos, Corea, Nueva Dheli, etcétera, etcétera…

Integrantes

Gilberto Gutiérrez: Es director del grupo y uno de sus fundadores. Ejecuta con virtuosismo la jarana y compone sones jarochos desde 1979. Ha recibido diferentes becas, entre las que destacan la Rockefeller-Bancomer-CNCA y la National Endowment for the Arts (E.U.). Gracias a la última desarrolló el Fandango Project en el área de la bahía de San Francisco, California, donde residió de 1993 a 1995. En 1996, la Ford Foundation y el Guadalupe Cultural Center le otorgaron una beca para realizar una residencia en San Antonio, Texas, dentro del Proyecto Gateway; ahí trabajó con un equipo de cuatro artistas que crearon la obra teatral De Jarocha a Pocha – La Doloritas. Participó como asesor y ejecutante en el disco Papa´s Dream, del grupo chicano Los Lobos y Lalo Guerrero, que fue nominado para un Grammy.

Andrés Vega Delfín: A sus casi 70 años, es uno de los más reconocidos ejecutantes de la guitarra de son (requinto). Forma parte del Grupo Mono Blanco desde 1981.

Octavio Vega Hernández: Hijo de Don Andrés Vega, aparte de tocar magistralmente el requinto y la jarana, se ha abocado a la ejecución del arpa, y es considerado uno de los mejores soneros de la región jarocha.

Gisela Farías Luna: Su participación es indispensable en el zapateado, pero su aportación vocal es resulta fundamental para el grupo.

Juan Campechano, nuevo integrante del grupo, intérprete de la leona (bajo). Pertenece a una de las familias de mayor arraigo en la tradición del son jarocho.

Mono Blanco y La Cofradía de San Antonio:

En las dos últimas producciones discográficas, Mono Blanco ha contado con la colaboración del grupo La Cofradía de San Antonio, que congrega músicos migrantes caribeños radicados en los Estados Unidos: Joseph Stedman “Ras” con el tradicional Steel Drum de Trinidad y Tobago, Jai Elvis López, con el cajón de tapeo, y Jorge Pomar, en el bajo.

XIMBO es una de las mujeres del hip hop más respetadas del país. Comenzó su carrera en 1996, con el primer grupo femenino de hip hop del D.F. y desde entonces ha seguido su carrera de manera independiente. Aparte de ser una MC reconocida por su trabajo en vivo y estudio, también lo ha sido como beat maker, poniendo instrumentales para varios de los representantes nacionales de hip hop, empezando por su grupo Magisterio (Ximbo & Van-T), cuyo primer disco Cuadrivium Era Deuda (Hipnozys/Rap Serio 2007) le bastó para colocarse entre los clásicos del underground. En el ámbito internacional ha compartido escenario con numerosos artistas del hip hop, world music y música electrónica como Arianna Puello, Ikah, DJ Atodocolor, SFDK, Zenit, Los Rumbers, Juaninacka, DJ Makei y Frank T de España; Kinto Sol, Delinquent Habits, The Mexakinz, Slowrider, Los Nativos, el legendario Guru y Danny Hoch de Estados Unidos, Doble Filo de Cuba, 79 y Tek-1 de Puerto Rico, Boteko Electro de Brasil, etc. Ha traspasado fronteras recorriendo Washington, Miami, Nueva York y Oakland. Fue juez en la primer “Red Bull Batalla Internacional de los Gallos”, y en sus subsecuentes ediciones nacionales. Además de su trabajo dentro de la escena hip hop, durante 4 años Ximbo fue conductora del programa de TV UNAM Vías Alternas, en cual brindó espacio a las escenas culturales alternativas del país. También ha trabajado para diversos proyectos culturales como documentales, música ambiental y audio-guías para museos y diseño sonoro para cápsulas de televisión y cortometrajes. Actualmente trabaja en la producción de Tinta, su primer disco en solitario, que planea lanzar en este 2009, y forma parte del colectivo de hip hop femenino Mujeres Trabajando.

EL MAPA ELÉCTRICO DE BRUNO MONTANÉ es un acto escénico donde la poesía, la música y las ambientaciones sonoras despliegan una geografía a la vez real y onírica, “avistamiento de una poética del Big.Bang”. Es también un recorrido por el desierto de Sonora y los callejones de Barcelona y la Ciudad de México. La cartografía poética de Bruno Montané, las canciones de Rafael Catana y el diseño sonoro de Federico Schmucler hacen que la presentación de Mapas y escritos, sea un ejercicio visual y sonoro que refleja pasión, soledad y mundos posibles.

Bruno Montané Krebs (Valparaíso, Chile, 1957). Entre 1974 y 1976 vivió en México. Estuvo presente en los primeros momentos del Infrarrealismo y publicó poesía en las revistas Pájaro de calor, Correspondencia Infra, Calandria de Tolvaneras, La zorra vuelve al gallinero, Zonaeropuerto y en el libro Muchachos desnudos bajo el arcoíris de fuego, antología de poesía latinoamericana preparada por Mario Santiago y Roberto Bolaño. Desde 1976 vive en España, donde con Roberto Bolaño fundó las revistas Berthe Trépat y Rimbaud vuelve a casa, que se convirtiera más tarde en mini editorial. Es autor de Hissarlik (Colección Burro 16, Ediciones Le prosa, 1985), Helicón (Edición de autor, 1987) y El maletín de Stevenson/ El cielo de los topos, publicado en México por la UAM y Ediciones El Aduanero en 2002. Bruno es un poeta que toca el saxofón y escribe “Como un perro mojado que no se acaba de sacudir el agua que se ha ganado por caerse a un canal muy hondo y muy oscuro”. Se encuentra antologado también en Algunos poetas en Barcelona, de Xavier Savater (Ediciones la Cloaca, 1978), Entre la lluvia y el arcoíris. Antología de jóvenes poetas chilenos, de Soledad Bianchi, y en Poesía joven. Veinticinco años de un premio literario. Premio Nacional de Poesía Joven de México, 1975-1999, de Eduardo Langagne y Juan Domingo Argüelles. Rafael Catana (México, 1956). Uno de los fundadores del movimiento de músicos rupestres, junto con Rockdrigo González, Nina Galindo, Armando Rosas, Carlos Arellano, Fausto Arellín, entre otros. Poeta y compositor que desde la ventana del tren mira el país y escribe canciones con la mira del hombre solitario. Rafael Catana tiene en su haber tres grabaciones de larga duración: Polvo de ángel, El Nagual y La rabia de los locos. Federico Shmucler (México, 1970). Compositor cinematográfico, director de escena, y diseñador sonoro para Bias y Cortes. Ha sido nominado al Ariel por su cortometraje “RealityShow”. Egresado de la Escuela Nacional de Musica y del CCC.

MICHEL HOULLEBECQ Y ALONSO ARRREOLA: Proyecto emblemático de Casa del Lago desde su nacimiento en 1959 a manos del escritor jaliciense Juan José Arreola, el ciclo Poesía en Voz Alta ha recuperado su pertinencia y brío en años recientes recordándonos que la indisoluble relación de la literatura con otras artes produce audiencias variopintas y renueva las fuerzas creadoras de cualquier ciudad. Con la presencia de escritores, pintores, escultores, actores, ajedrecistas y músicos de todo tipo de géneros, las palabras nacidas en este espacio han cobrado cuerpo y volumen a lo largo del tiempo para generar diálogos inusitados, trascendentales en la evolución de nuestra cultura y memoria. Asimismo, estas palabras en altavoz han permitido mirar hacia el futuro resucitando el espíritu del pasado, de esos happenings que en los 60 y 70 abrieron Casa del Lago a experimentos con los que el propio Arreola y sucesores como Tomás Segovia, Juan Vicente Melo y Hugo Gutiérrez Vega trascendieron las fronteras naturales de cada hacer artístico, tal y como está sucediendo ahora.

Partículas Horizontales. Columna vertebral en la primera visita a México del polémico y mundialmente reconocido escritor francés Michel Houellebecq, Casa del Lago presenta un recital —en su acepción más literal— en el que se dan la mano fragmentos de su obra leídos por él mismo, con improvisaciones y piezas creadas ex profeso por el compositor y virtuoso bajista mexicano Alonso Arreola.

Subtitulado del francés al español en tiempo real, el contenido del encuentro —como los personajes de uno y las partituras del otro— aludirá al nihilismo, los viajes, el erotismo y la posibilidad del amor fundiendo la voz del autor de Las partículas elementales con las manos del autor de Música horizontal.

Michel Houellebecq (Saint Pierre, Isla de Reunión, Francia, 1958). Poeta, novelista y ensayista cuya obra se ha convertido en hito de la nueva narrativa europea.

Pasó la infancia y adolescencia con su abuela paterna, de la cual adoptó su apellido. En 1980 se licenció como ingeniero agrónomo. Trabajó un tiempo como informático, experiencia que quedará reflejada en su primera novela, Extension du domaine de la lutte, uno de los libros más vendidos el año de su publicación. Su segunda novela, Les Particules élémentaires, es considerado el mejor libro francés de 1998 por la revista Lire y fue galardonado con el Prix Novembre; además obtuvo el Premio Nacional de las Letras para jóvenes talentos. Su tercera novela, Plateforme, lo convirtió en estrella no sólo por traducirse a más de 25 lenguas sino por ser objeto de una agria polémica religiosa y sexual. A causa de tal presión mediática dejó Francia para vivir entre Irlanda y España. Houellebecq, además, ha publicado libros de poesía y ensayos y ha colaborado en la realización de filmes inspirados en su obra, como la más reciente La posibilidad de una isla (www.michelhouellebecq.com).

Sobre su obra. “El autor de culto que está encarnando todas las preguntas de difícil respuesta y todas las impertinencias obviadas por sociólogos y moralistas se llama Michel Houellebecq”.- Mercedes Monmany, El País

“Houellebecq es un escritor genial, divertido y profético, más febrilmente vitalista frente al mundo que le rodea que muchos otros autores menos dispuestos a correr riesgos”.- Jenny Turner, The New York Times

“Atleta del desconcierto, experto en nihilismo, virtuoso del no future: Michel Houellebecq”.- Pierre Assouline, Lire

“Leer a Houellebecq es como verse atrapado en una tormenta tropical: sales volando por la ferocidad de su imaginación… Leerle nunca es desalentador; es, más bien, una fuente de constante inspiración y disfrute”.- Jason Cowley, The Observer

Alonso Arreola (México, DF, 1974). Compositor y periodista. Ex bajista de La Barranca, editó su primer álbum como solista, Música Horizontal, en 2007. Ha tocado en los principales festivales y foros del país, así como en varias ciudades de Estados Unidos, Europa y Asia (en 2008 realizó su primera gira por Japón, en donde fue editada su música, y ha sido invitado a La Habana por la Asociación Cubana del Rock). Este año lanzará tres álbumes, uno con su quinteto y dos comisionados: Cruento (Discos Intolerancia), La Manga (danza contemporánea) y Música para ser niño (Baby Circus Music).

En el 2008 fundó el laboratorio didáctico LabA al que asisten más de 20 bajistas jóvenes. Desde hace 15 años ha sido editor y colaborador en numerosos medios impresos y electrónicos (www.labalonso.com).

“Alonso Arreola es una inspiración para mí, como persona y como artista. No sólo es un buen bajista sino un músico maravilloso y un creativo compositor. Estoy esperando su siguiente paso”.- Victor L. Wooten, bajista de Béla Fleck & The Flecktones

“LabA es el virtuoso bajista mexicano Alonso Arreola y un grupo de amigos (…) Pero lo que hace que valga la pena escuchar esta colección de miniaturas no es el calibre de los músicos, sino la imaginación y expresión emocional contenida en la música”.- J. D. Consdine (sobre Música horizontal), Bass Guitar Magazine.

Neruda, Borges, su abuelo Juan José Arreola, Miles Davis, Jaco Pastorius, el amor por sus perros, su pasión por el ajedrez y, sobre todo, la necesidad de crear música que va más allá de lo liviano, de lo fútil o superfluo, hicieron una virtud de refinamiento, de inmortalidad transcrita en cada una de sus 19 piezas y un silencio”.- Juan Carlos Villanueva (sobre Música horizontal), Rolling Stone México.

Alonso Arreola es uno de mis artistas favoritos. Es un músico brillante que utiliza elementos disímbolos para crear armonía en su sentido literal y abstracto”.- Michael Manring, bajista discípulo de Jaco Pastorius.

Partiendo del poema “Insecto lunar”, nace una danza que pretende representar la carga sentimental que surge en los versos. Una mezcla entre la música, el poema y el cuerpo.

BARTOLOME FERRANDO. Bartolomé Ferrando (Valencia, España,1951). Profesor titular de performance y arte intermedia en la Facultad de Bellas Artes. Fundador de la revista de poesía experimental Texto Poético. Como performer participa en diversos festivales y encuentros de performance y poesía de acción celebrados en Europa, Canadá, México, EEUU, Japón, Corea, Vietnam, Singapur, China, Argentina, Venezuela y Chile. Expone su poesía visual, poesía objeto e instalaciones poéticas en España, Italia y Francia. Forma parte de los grupos: Flatus Vocis Trio, Taller de Música Mundana, Rojo y 3 i no res, dedicados al desarrollo de prácticas creativas situadas a medio camino entre la música, la poesía y el arte de acción. Además de Texto Poético, publica los libros Trazos, Propuestas poéticas, Jocs, Latidos, Valencia y En la frontera de la voz. Los ensayos Hacia una poesía del hacer, El arte intermedia, La mirada Móvil y El arte de la peformance, elementos de creación; diversas grabaciones en MC, LP y CD y varios videos y DVD de performance. El trabajo de Bartolomé Ferrando consiste en una combinación de distintos modos de hacer en poesía. Desde la lectura breve de algunos poemas discursivos hasta la poesía acción, entre los que incluye piezas como “Sintaxis” y “Música visual III”. Hará también algunas piezas fonéticas y sonoras, basadas en la descomposición y reconstrucción del lenguaje, así como otras generadas en base a la permutación.

MANUEL DE J. JIMÉNEZ (México D.F., 1986)

URSULA RUCKER. Nació y se crió en Filadelfia, Pennsylvania, donde se graduó en periodismo en la Temple University. De ascendencia afro-americana e italiana, Ursula Rucker ha escrito poesía desde la adolescencia, pero guardó sus escritos hasta 1994, año en que leyó sus poemas en el Zanzibar Blue de Filadelfia. Ese mismo año fue invitada a colaborar en las grabaciones de varios artistas y productores, como King Britt, 4hero, Jamaaladeen Tacuma, Josh Wink y The Roots.

Ursula Rucker ha ganado reputación por su estilo y técnica para ‘decir’ la poesía y por su manejo del escenario, que la describe como “fuerte y vulnerable, herida y furiosa”. King Britt la invitó a realizar su primera grabación de spoken word, el hit de 1994, “Supernatural”. Los seguidores de la música dance y los D’js apreciaron rápidamente las letras y los ritmos de Rucker, calificados como “místicos”, mientras que los remixes y el original de “Supernatural” fueron un hit en los clubes de Estados Unidos. El remix más popular de la canción es la versión a capella.

La emoción de Rucker en su trabajo y en sus letras, ha llevado a algunos críticos a compararla con célebres escritores como Sonia Sánchez y Nikki Giovanni, describiéndolos como “poderosos”. Casualmente, cuando Ntozake Shange no pudo colaborar con The Roots en su segundo álbum de spoken word, titulado Do You Want More?!!?!!, llamaron a Rucker para hacerlo. The Unlocking le atrajo subsecuentes invitaciones para colaborar en los álbumes de The Roots Iladelph Halflife y el disco de oro Things Fall Apart.

Varios críticos aclaman el valor del trabajo de Rucker con The Roots, 4hero y otros grupos. Rucker ha llevado sus performances entre otros al “Festival de Jazz de Montreal”, “La Conferencia de Música de Invierno 1992”, y “El Festival por la Libertad Australia 2005” de Amnistía Internacional, en apoyo a su campaña “No más violencia contra las mujeres”.

Ha participado en giras con Jamaaladeen Tacuma, SYLK130, y 4hero, en E.U. y en Europa. Autora del sencillo “Soon for Unbound”, que formó parte del álbum para Mumia Abu Jamal, famoso convicto sentenciado a muerte en 1982 por el asesinato del oficial Daniel Faulkner.

Dos críticos de la ‘bbc.co.uk’ hablan del trabajo de Rucker: En una reseña del álbum Supa Sista, Andy Puleston, afirma que las cuerdas vocales de Úrsula cantan con “sedosa entrega”, y al igual que Michael Franti, demuestra como una palabra al oído alcanza más volumen que el parloteo del micrófono. Acerca del álbum Silver or Lead, Paul Sullivan señala que la voz de terciopelo de Úrsula logra aminorar la crudeza de sus temas, al tiempo que les añade una dimensión siniestra

MANUEL ROCHA ITURBIDE. Manuel Rocha Iturbide es compositor y artista sonoro. Desarrolla su trabajo creativo con audio puro, o con la realización de esculturas e instalaciones sonoras. Se ha interesado tanto en las posibilidades sónicas del lenguaje hablado, como en las técnicas vocales extendidas. Ha incorporado a su trabajo la poesía sonora. La conferencia es parte de una investigación que comenzó cuando fundo el Festival Internacional de Arte Sonoro en México, en 1999.

En Poesía en Voz Alta.09 presentará obras basadas en la manipulación y transformación del lenguaje hablado. En Moin Mor parte de la lengua galica antigua, en cantos rituales parte de rezos y cantos en distintas lenguas, y en Avanzas, usa un poema de Julio Trujillo que deconstruye en la electroacústica. Realizará también una interpretación de la poesía de Mathias Goeritz con la voz del actor Diego Jáuregui.

Manuel Rocha Iturbide estudió piano y composición en la ENM de la UNAM. Trabajó tres años en el taller colectivo de fotografía de Pedro Meyer y participó en exposiciones en México, Brasil, Cuba e Italia. Su interés por el cine, el video experimental, las instalaciones y la escultura sonora, lo llevaron a los Estados Unidos (Universidad de Mills Collage), donde obtuvo maestría en música electrónica y composición (1991). En París realizó cursos de música por computadora en el IRCAM (1992-1993), y una tesis de doctorado en el área de Estética, Ciencia y Tecnología de la Música en la Universidad de París VII, bajo la dirección de Horacio Vaggione (1992-1996). Ha publicado artículos de arte y tecnología, arte sonoro y música por computadora en publicaciones nacionales e internacionales; su música ha sido ejecutada en México, EU, Canadá, América Latina, Europa y Asia. Obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del FONCA (1993-94); en 1996 y 1997 obtuvo dos premios en el Concurso Internacional Luigi Russolo de Italia y dos menciones honoríficas en el Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges.

En 1998 obtuvo una beca de residencia en BANFF, en 2002 mención especial en la Bienal FEMSA de Monterrey, en la categoría de instalación, y en 2005 ganó el primer lugar en el Concurso Internacional de Música Electroacústica de Bourges. Algunas exposiciones en las que ha participado son: Galería Crousel (París Francia, 1994). Lines of Loss en Artists Space (NY, 1997). Bienal Internacional de Sidney Australia, 1998. Project Rooms de la Feria ARCO, 1999. Nothing, en Roseeum (Malmo Suiza, 2001), AVATAR (Quebec Canadá, 2002), Koldo de Mixtelena (San Sebastián España), Forum Internacional de las Culturas Monterrey (2007).

En 2000 obtuvo la beca Fundación Japón y produjo instalaciones (Galería SURGE y Kyoto Art Center), música electroacústica y una exposición de fotografía, video y arte sonoro en zonezero.com. En 2002 es becado para ir a Venezuela y expone varias esculturas e instalaciones sonoras en el museo de Bellas Artes de Caracas. Rocha Iturbide ha dado cursos de Historia del Arte y Estética (1987-88), música por computadora (Universidad de París VIII, 1995-96), arte interactivo (Centro Multimedia 1997-1998) y arte sonoro (Esmeralda). Fue co-fundador y curador del Festival Internacional de Arte Sonoro de 1999 a 2002. En 2003 impartió las cátedras de música por computadora y arte sonoro en la UAEM de Morelos (2004 a 2006), en la ENM (2004-2007), así como en el Claustro de Sor Juana y en la Ibero (2007-2008).

JAVIER CORCOVADO. Javier Corcobado nació en Frankfurt (Alemania). Tiene la nacionalidad española y se considera madrileño. En la adolescencia, junto con sus amigos formó Los Presumidos, grupo de versiones de rockabilly, punk y new wave, que jamás se presentó en directo ni grabó. Después incursionó en la música experimental con Cuatrocientosveintinueve engaños, formación con la que actúa por primera vez en la legendaria sala Rockola en 1983. En ese año y desde el ejército diseña, junto a Julián Sanz, el grupo con el que grabaría su primer disco, Mar otra vez. En 1985 lanza No he olvidado cómo jugar embarrado/Fiesta del diablo y el cerdo, un minielepé de excentricidades sonoras, extraño para la época en que los grupos de la Movida Madrileña alcanzaban el éxito comercial. Le seguiría un Ep compartido con Aviador Dro, Abrrr, y dos álbumes más, Edades de óxido y Algún paté venenoso. En 1987 el grupo se separa de forma traumática, desembocando en un nuevo proyecto de Javier: Demonios tus ojos, que sólo duraría un año, un año de fuego y de agresión cercana al blues y a la distorsión, en el que compartieron escenario en Madrid y Barcelona con Sonic Youth.

En 1989 inicia su carrera en solitario con Agrio beso, álbum en el que deja ver su faceta de crooner contemporáneo, sin dejar de lado el rock’n’roll. En 1991 forma Corcobado y Los Chatarreros de Sangre y Cielo, y compone uno de sus discos más densos, Tormenta de tormento, producido por Ollie Halshall. En ese año publica su primer poemario, Chatarra de sangre y cielo, en cuya presentación Javier aparece cantando y siendo tatuado simultáneamente. En la primera mitad de los 90, artistas de diversos estilos reclaman la poesía de Javier para sus canciones en forma de letras. Graba dos discos más con los Chatarreros: Ritmo de Sangre, que incluye una canción construida con un riff obsesivo de 21 minutos de duración, y Arco iris de lágrimas, uno de sus discos más completos, ambiciosos y acertados. Comienza a abrir brecha en México. Al mismo tiempo, se atreve a grabar sendos discos de boleros con canciones de Luis Demetrio, Juan Acereto, Manzanero, José Alfredo Jiménez, etcétera, bajo la dirección musical de Justo Bagüeste y con el nombre de Corcobado y Cría Cuervos. En 1994 se publica su segundo libro de poemas, El sudor de la pistola 13.

En la segunda mitad de los 90 graba, junto a Manta Ray, intenso grupo asturiano, Diminuto cielo; juntos realiza una gira española en 1997. A finales de 1998 graba Corcobator, su disco travestido. Y con el cambio de siglo se instala en La Coruña, donde cultiva su faceta de escritor y se aparta temporalmente de la música.

Su regreso a la composición y a los escenarios tiene lugar en México D.F. en 2001, donde forma banda y se presenta con éxito en varias salas de la ciudad. Allí compone y graba el álbum que abrirá su nueva etapa: Fotografiando al corazón, producido por Gerry Rosado. Con la obra terminada bajo el brazo, vuelve a España, consigue su edición y fija su residencia en los alrededores del Cabo de Gata, en Almería, donde se dedica a escribir su primera novela, El amor no está en el tiempo, publicada en 2005 por Tropismos, y traducida al italiano y editada en Milán por Gran Vía. Inmediatamente después convierte su cortijo en un estudio de grabación con la ayuda de Fino Oyonarte. El resultado: Editor de sueños, magnifico disco que propició una extensa gira por España, México, Italia y Venezuela. Al timpo, Juan Navarro propuso a Javier la posibilidad de participar con sus canciones, su presencia y sus músicos, en un espectáculo teatral titulado Agrio beso, como su primer disco en solitario. Esta obra ha sido representada con gran aceptación por parte del público en Barcelona, Madrid, Santiago de Compostela, Valencia y Santander.

En 2007, la editorial El Gaviero saca a la luz una antología poética de Javier Corcobado: Yo quisiera ser un perro. El volumen recoge sus dos primeros poemarios, además de Perpetuo viaje sin hogar, fruto de su estancia en México, Edad Sol, un libro inédito escrito en 1996, y Los poemas de Almería, escritos en el parque natural de Cabo de Gata-Níjar. Con Arrebato Libros publica en este 2009 el nuevo poemario “Cartas a una revista pornográfica viuda”.

Y volvemos al presente, al punto de partida. Javier Corcobado graba en México su obra cumbre, el disco titulado A nadie, otra vez junto a Gerry Rosado. Durante el transcurso de la grabación se presentó con lleno absoluto en el teatro Metropolitan, en Hard Rock Live, donde hizo un entrañable y misterioso concierto acústico, en Guadalajara, Puebla, etc. A nadie se edita en España en enero de 2009.

Y casi a finales de 2009, en noviembre, se presenta en México, por primera vez en el marco del festival internacional Poesía en Voz Alta.09, donde mostrará al público su más reciente libro de poesía: Cartas a una revista pornográfica viuda, en un performance poético que realizará en el Lunario del Auditorio Nacional, en el que será acompañado al piano por Susana Cáncer.

FELI DÁVALOS. Feli Dávalos (Ciudad de México, 1982) Escribe poemas, ensayos y crítica musical (literaria si lo invitan); también hace rimas. Estudio Letras Clásicas, sin titularse. Se dedica a la radio. Es encargado de: El Kamaleón, música selecta para corazones sensibles, y Macramé, panorama de la nueva poesía mexicana, a través de la radio cultural en línea, Código DF (www.codigoradio.cultura.df.gob.mx); e igualmente, de Scratchamama (programa de hip-hop) a través de Ibero 90.9 (www.ibero909.fm). Textos suyos han sido publicados en La Gaceta del FCE, Tierra Adentro y Pic-Nic, entre otras revistas; así como en los libros Divino Tesoro (Casa Vecina 2008), Anuario de Poesía Mexicana 2006 del FCE y el libro de crítica a Gerardo Deniz, Deniz a mansalva (FETA, 2008). Publicó su primer libro, Mientras menos hagas, a principios del 2009 con editorial Lenguaraz. Para Feli Dávalos la fuerza y sentido de los textos reside en la utilización de la voz, el espacio, los gestos y la expresión corporal. La modulación de la voz, las pausas, las inflexiones, son sus recursos vitales. Desde su óptica, el poema cantado, rimado, o incluso rapeado puede ser sumamente efectivo: su cadencia y vaivén entre silencios, que se diferencia del rap o el hip-hop por la ausencia de producción musical, permite que su riqueza, sus capas, queden al descubierto, demostrando su acción catártica, gracias a una utilización eficiente de los recursos mínimos del cuerpo: la voz y el espacio.

YAXKIN MELCHY. Yaxkin Melchy.(Ciudad de México, 1985) Se gradúo en Diseño Industrial y estudia Letras Hispánicas en la UNAM. Ha participado en la revista independiente trifulca. Forma parte de la Red de los poetas salvajes. http://reddelospoetassalvajes.blogspot.com/ portal de autores emergentes. Ha publicado El Nuevo Mundo (1ra parte 2008), Ciudades electrodomésticas (2009), Los poemas que vi por un telescopio (2009), Las Pequeñas Galaxias (2009) y Emilio, la danza y la escritura (2009). Los cuales forman parte de su obra titulada: El Nuevo Mundo. Ha participado en encuentros virtuales donde ha publicado sus video poemas como el encuentro “dinossauros / @nfíbios”. Hace stenciles en las calles y es coeditor de “Santa Muerte cartonera”. Mantiene el blog: http://destruccionmasiva.blogspot.com

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POETAS ESCÉNICOS 2008

Posted by pachoj en febrero 12, 2012

Este es el texto de presentación para la CUARTA EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE POESÍA EN VOZ ALTA, PVA.08. El Festival tuvo lugar e octubre y septiembre de 2008:

ENTRE LA TRADICIÓN Y LA VANGUARDIA

Por Pacho

Al conceptualizar la plataforma de Poesía en Voz Alta en 2005, intentábamos provocar un diálogo generacional desde las tradiciones literarias iberoamericanas hacia formas poéticas emergentes, aún desconocidas en nuestro país, vinculando a escritores mexicanos reconocidos con poetas de distintos hemisferios lingüísticos y campos culturales, sin excluir a los poetas de distintas tradiciones orales populares como los decimistas jarochos, los repentistas caribeños y los poetas indígenas.

Buscábamos crear una plataforma que respondiera al ascendente interés de los jóvenes por explorar el lenguaje y la escritura en relación al sonido, el ritmo y las posibilidades escénicas directas; un interés propiciado en parte por la emergencia de las nuevas tecnologías. Con ello intentábamos romper el aislamiento de diversas disciplinas, principalmente de la poesía ensimismada en la soledad del texto.

Otra de las ideas fundacionales de Poesía en Voz Alta consistía en presentar a los poetas en su idioma original, imprimiendo un programa de mano con traducciones al español de los poemas de cada sesión, con miras a no interrumpir la experiencia escénica y sí, en cambio, acentuar el valor insustituible del sonido de cada idioma.

Uno de nuestros puntos de partida asumía que los probables cambios en los paradigmas librescos y literarios (muy al estilo de lo revisado por Michel Melot en el artículo “¿Y cómo va la muerte del libro?” *), han permitido la equiparación de “lo más antiguo” con lo “hipermoderno”. En otras palabras, identificábamos que el interés actual por la poesía y la literatura a partir de lo visual y sonoro, tiende a plasmarse en montajes escénicos o en la pantalla virtual, refuncionalizando así el origen oral de la literatura.

Y en efecto, los diversos soportes tecnológicos de texto que han existido a lo largo de la historia son determinantes de la experiencia de lectura. Para el poeta uruguayo Luis Bravo es evidente que la forma en que se imprimen y se leen los textos incide en la resonancia de su significación. Así lo confirma el paso de los rollos de la antigüedad a un nuevo formato hacia el siglo IV d.c., con los códices, luego a la impresión mecánica de la imprenta a partir de 1450, y ahora del libro impreso a la estructura electrónica.

Bravo evoca el origen oral de la poesía y considera que al leer hoy a Estesícoro, Píndaro, Safo, Anacreonte, sólo estamos ante un testimonio parcial de lo que fue la dimensión multimedial, de tales composiciones orales.

Como otros pro-oralistas, Bravo subraya que incluso hoy “en las Américas, Asia y África aún son muchas las culturas ágrafas que mantienen su identidad cultural mediante ‘textos orales’. Y es allí cuando el término ‘literatura’ empieza a quedar pequeño, pues restringe su espectro a la littera (escritura)”.**

Las vanguardias de principio de siglo XX parecieron abrir la puerta a la recuperación de la palabra en su aspecto “preformativo”. Puerta que en el siglo XXI se ha traspasado completamente gracias a la expansión de las nuevas tecnologías, cada vez más accesibles. Luis Bravo (que nos visitó el año pasado) recapitula el proceso de la herencia transdisciplinaria vanguardista en las siguientes líneas:

“Las prácticas de hibridación y de interdisciplinariedad no recomenzaron con la era electrónica sino con las vanguardias de inicios del siglo XX. Según McLuhan la escritura desplazó un modo de civilización predominantemente oral, y fomentó paulatinamente la preponderancia del sentido visual, afectando incluso las concepciones del tiempo y del espacio hasta hacerlos lineales: El pensamiento abandonó su lado mágico para hacerse lógico, discursivo y así el argumento predominó sobre la metáfora. En cambio, los cubistas, con Guillaume Apollinaire a la cabeza, los futuristas italianos y rusos, los más radicales dadaístas, así como el Creacionismo huidobriano, experimentaron una poesía que integró lo gráfico, lo sonoro, lo visual y la gestualidad declamatoria. A su vez el Futurismo radicalizó la noción simbolista de la sinestesia (cual viaje asociativo), proponiendo la idea del simultaneísmo, integrando diferentes lenguajes artísticos a un mismo objeto poético, provocando un quiebre que desafió al canon de las bellas artes. Estas aperturas han atravesado el siglo XX incidiendo en autores tan relevantes como John Cage, quien con los Mesósticos transforma el uso de la forma gráfica de las letras en partitura para la recitación fonética… En este sentido bien puede decirse que las vanguardias zanjaron la brecha existente entre lo oral y lo escrito, trasvasando códigos de un lado a otro del espectro expresivo, generando nuevos abordajes y autonomías en los lenguajes artísticos”.

En este 2008 Poesía en Voz Alta es ya un vértice de diversas herencias vigentes, una plataforma donde confluyen múltiples tradiciones poéticas en varios idiomas, en una muy bienvenida pluralidad de estilos y voces con los que la actual poesía explora lo transdisciplinario, reuniendo a la palabra con otros lenguajes artísticos de manera integral, como lo hizo desde sus más antiguos orígenes.

Durante las tres ediciones anteriores, hemos presentado a poetas de distintas corrientes y países como Estados Unidos, Gran Bretaña, Bélgica, España, Japón, Chile, Argentina, Uruguay, Paraguay, Perú, Belice, Cuba y México. Algunos ejemplos: Quincy Troupe (jazz poetry), Amiri Baraka (poeta beat), Umar Bin Hassan (de los Last Poets), Adrián Arancibia (del colectivo Taco Shop Poets, caracterizado por ofrecer lecturas de poesía en taquerías de California) y Linton Kwesi Jonhson (dub poetry).

De Iberoamerica, el brasileño Arnaldo Antunes recurrió a secuencias, loops, y proyecciones, mientras que Juan Gelmán y el bandoneonista César Stroscio ofrecieron, en exclusiva para el mundo, una sesión insólita de lo que llamaron poesía/tango. El catalán Carlos Ann montó un homenaje a Leopoldo María Panero (quien ha pasado gran parte de su vida recluido en un manicomio). Y, desde luego, se han presentado diversos poetas indígenas: Mardonio Carballo, Natalia Toledo, Briceida Cuevas, entre tantos otros.

En su cuarto año, inmersos en esta dinámica era cibernética, con soportes tecnológicos que, creativamente utilizados abren nuevas perspectivas estéticas, nos interesa traer hasta aquí lo que hacen hoy los poetas en diferentes rincones del mundo, no sólo para ponernos “al día” sino para que “el futuro” se haga aquí presente, tal y como acaso lo concibieron los poetas que engendraron Poesía en Voz Alta, allá en los años cincuenta y sesenta…

ARTISTAS Y POETAS PARTICIPANTES EN LA EDICIÓN 2008:

Accidents Polipoétics (España, polipoesía)

Zedesse (Francia, concatenación rítmica)

Ricardo Castillo: Nota obstinada (México, poesía escénica)

Mónica de la Torre: Sociedad anónima (EU, multimedia poetry)*

Verónica Zondek (Chile , poesía multimedia)

Verbobala (México/EU, spokenvideo)

Tim Seibles (EU; spokenword)

Martiniano Pérez Angulo y su proyecto musical Tumben K’ay (México, musica y poesía maya contemporánea)

Mónica Maristráin (Argentina, poemas golpeados)*

Juan Pablo Villa (Mx, improvisación vocal a capella, más objetos y looper)*

Son de Madera (Mx)*

Bruno Galindo y Gary Lucas (Argentina/España/EU, spoken word)

Michel Abdollahi (Alemania/Irán, slam poetry and story telling)*

SulaimanMasomi (Alemania, slam poetry and story telling)

Lafaillette (Francia, slam bucólico)

Kiwao Nomura y Tetsu Sayito: Déja Vu Avenue (Japón, poesía contemporánea)

Daniel Malpica y No Somos Rusos (México, Debrayativa progresiva)*

Taller de poesía: La poesía eres tú. Imparten Xavi González y Rafael Metlikovez de Accidents Polipoétics.

Conferencia: Poesía e hiperclorhidira, por Xavi González y Rafael Metlikovez de Accidents Polipoétics.

Sesión de Slam en el Bar Zinco Jazz Club, Centro Histórico.

Proyección del documental sobre el desarrollo del slam en México DF: Los peces del viento, dir. Wilfrid Massamba (México 2008, 52 min.)

*Estas sesiones tuvieron lugar en la plaza de la Iglesia de la Santísima Trinidad, en el Centro Histórico.

BIOGRAFÍAS:

Michel Abdollahi nació enHamburgo, Alemania. Nació el 20 de abril de 1981 en Teherán y vive desde hace más de 20 años en Hamburgo Hace más de siete años participa activamente en la escena del slam poetry alemán.

 

Lafaillette. Poeta ‘con los pies en la tierra y la cabeza en las estrellas’, dramaturga, actriz, directora de teatro, performer y soñadora. De 1992 a 2000 Lafaillette se desempeñó como actriz en Motus et Cie, y participó en varios festivales en Nantes, Francia. En 2000 creó una Comunidad Transitoria de eSpectáculos (CTS). En ese mismo año escribió, dirigió e interpretó un performance pluridisciplinario que involucró teatro, danza, música y mimo. Co-escribió la pieza teatral Les Entrelas para una compañia de Nantes, Francia.

 

Kiwao Nomura

Kiwao Nomura retoma los ritmos de la lengua japonesa para dar forma estructural y musical a su poesía, la cual presenta con la colaboración del contrabajista Tetsu Saitoh, ampliamente conocido por sus improvisaciones multiétnicas avant-garde. La interacción entre ambos artistas crea un espacio acústico vibrante para la articulación poética. Los textos que se leerán en Poesía en Voz Alta.08 pertenecen a Déjà Vu Avenue, que ha sido traducida a varios idiomas.

Kiwao Nomura nació en la prefectura de Saitama, Japón, el 20 de octubre de 1951. Se graduó en Literatura Japonesa en la Universidad de Waseda. Es un poeta contemporáneo cuyas actividades abarcan la escritura de novelas, ensayos, crítica, traducción e investigación de poética comparada. Sus poemas han sido traducidos a diversos idiomas y han aparecido en el diario francés de poesía PO&SIE. Entre sus libros de poesía figuran: ‘Under the Sun without Character’ (1993), que ganó el 4to Premio Rekitei Newcomer; ‘Breeze Distribution’ (1999), que obtuvo el 30mo Premio Takami Jun, y ‘New Inspiration’ (2003), acreedor del 21avo Premio Gendaishi-Hanatsubaki. Cabe mencionar también: ‘Hanpuku Hoko (Repeated Roams), ‘Gendaishi Bunko 141 Nomura Kiwao Poetry Collection’ (1996), ‘Spectacle’ (2006), el poema largo ‘The Rainbow under the Cover of Townclothes is a Snake’ (2005), la novela ‘Mazemaze’ (2008), y las obras críticas ‘Rimbaud: Crossover Poetics’ (1993), ‘Prose Center’ (1996), ‘A 21st Century Poésie Plan’ (2001), ‘Gendai Shisaku Manual (Contemporary Poetry Writing Manual)’ (2005), y ‘Orpheus Subjects’ (2008).

A Nomura le gusta colaborar con artistas de otros géneros. Ha producido un CD de poesía, ‘UTUTU/Toward Doppo’s Dwelling Site’ (1996), y dirigió las producciones del ‘Contemporary Poetry Festival 1995: Poetry’s Outing’, y el ‘Contemporary Poetry Festival 1997: Dance/Poésie’. Ha fungido como director del ‘Euro-Japan Poetry Festival Tokyo 2005’, y del ‘Contemporary Poetry Festival 2007: To the Pacific Rim’. Entre las actividades internacionales de Nomura se incluyen haber sido invitado a participar en el International Poetry Festival y otros festivales de poesía, y en el International Writing Program de la Universidad de Iowa.

Tetsu Sayito nació en Tokyo, Japón, el 27 de octubre de 1955.Se ha involucrado en la danza, el teatro, el teatro Butoh, las artes visuales, poesía, caligrafía, música tradicional japonesa, música de la corte, teatro Noh, música clásica y contemporánea, tango (en particular de Astor Piazzolla), jazz, música improvisada, y shamanismo coreano y asiático. Su actividad no sólo consiste en presentarse con músicos y artistas, sino también en producir proyectos, entre ellos: “Euracian Echoes”, cuya misión es unir a Europa y Asia; en Corea, Singapur y Japón, “Ombak Hitam”, para la inauguración del Fukuoka Asian Museum.

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POETAS ESCÉNICOS 2007

Posted by pachoj en febrero 11, 2012

Lista de artistas y poetas participantes en la TERCERA EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE POESÍA EN VOZ ALTA, PVA.07. El Festival tuvo lugar del  16 de septiembre al 13 de octubre de 2007.

Como en cada edición de PVA, a cada artista le poníamos su país de origen y un enunciado que diera idea de su trabajo, casi siempre inventado por mí. No se trataba de un género (pues la propuesta de PVA era salirse de los encasillamientos), sino un apellido, una provocación:

Las sesiones poéticas se llevaron a cabo a las 19:00 horas, los días jueves 27 de septiembre, 4 y 11 de octubre, y sábados 29 de septiembre, 6 y 13 de octubre (día de la clausura). Entre las figuras que se presentaron en 2007 se estuvieron Luis Bravo (Uruguay), Juan Gelman y César Strocio (Argentina), Gwenaëlle Stubbe (Bélgica), Arnaldo Antunes (Brasil), Harryette Mullen (E.U.), Shigeru Matsui (Japón), Shamshad Khan (Gran Bretaña), el poeta escénico de Arizona Logan Phillips y el videoasta mexicano Moisés Regla (E. U y México), Mardonio Carballo, el grupo Sociedad Acústica de Capital Variable, Carlos Tachisavi (México), entre otros.

Las jornadas de Poesía en Voz Alta.07 incluyeron conferencias magistrales, mesas de debate y una sesión especial de slam poetry.

ELENCO 2007:

Arnaldo Antunes (Brasil)

Enriqueta Lunez y Roselia Jiménez  (Mx, poecanto tojolobal y poesía tzotzil)

Shigeru Matsui (Japón, poesía tanka y poesía visual)

Juan Gelman y César Strocio

Juan Pablo Villa (Mx, voz-objetos y looper)

Relicario (Mx, décimas y son jarocho)

Harryette Mullen (EU, poesía afroamericana)

Verbobala —Logan Phillips y Moisés Regla,  (EU/Mx, spoken video)

Sociedad Acustica de Capital Variable (Mx, spoken word)

Gwenaëlle Stubbe (Bélgica, poesía performer/spoken word)

Luis Bravo (Uruguay, poesía multimedia)

Mardonio Carballo (Mx, poesía náhuatl/hip hop)

Shamshad Khan (GB, poesía performance)

Sesión de Slam Poetry

Conferencia magistral: La puesta oral de la poesía: la antigüedad multimedia, por Luis Bravo (Uruguay)

Mesa redonda: De la escritura a la voz.Gwenaëlle Stubbe, Shamshad Khan, Matthew Brogan, Logan Phillips y Luis Bravo. Modera Pedro Serrano.

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POETAS ESCÉNICOS 2006

Posted by pachoj en febrero 10, 2012

Lista de participantes en la SEGUNDA EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE POESÍA EN VOZ ALTA, PVA.06, realizado en octubre de 2006:

Umar Bin Hassan (EU, spoken word y hip hop)

Motin Poeta y la máquina del teatro: Rocío Cerón, Mónica Nepote y Carla Faesler (México, poesía e interdiscilina)

Mario Bellatín: Perros heroes (México, literatura multimedia)

Los Ositos Arrítmicos de Lemuria —Ricardo Pholenz y Fernando Díaz Corona (México, vodevil posmo)

Alexis Días Pimienta y el grupo Pimient@Cu (Cuba, repentismo cubano)

Antonio Esparza (México, resonancias corporales)

Leroy Young, The Grandmaster (Belice, dub poetry))

Homenaje a Leopoldo María Panero —Carlos Ann, Mariona Aupi y Bruno Galindo. (España, spoken word)

Linton Kwesi Johnson (dub poetry)

Odi González (Perú, poesía quechua)

Briceida Cuevas (campeche, mx, poesía maya)

Daniel Malpica (Mx, debrayativa)

Irma Pineda y Mardonio carballo (Mx, poesía zapoteca y nahuatl)

Amiri y Amina Baraka (EU, spoken word)

Conferencia: Spoken word, litaratura o música.Bruno Galindo.

Conferencia: La improvisación en Cuba y el repentismo en el ámbito hispánico. Alexis Díaz Pimienta.

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POETAS ESCÉNICOS 2005

Posted by pachoj en febrero 9, 2012

Este es el texto de presentación que escribí para la PRIMERA EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE POESÍA EN VOZ ALTA, PVA.05 llevado acabo o en noviembre y diciembre de 2005: 

El proyecto del Festival Internacional de Poesía en Voz Alta buscaba mezclar poetas de diferentes tradiciones, como son los decimistas jarochos y los poetas indígenas, con escritores estadunidenses de la tradición afroamericana y a jóvenes artistas mexicanos pertenecientes a las nuevas corrientes literarias subterráneas, integrando también a las recientes generaciones de artistas mexicanos que, debido a las nuevas tecnologías musicales y al multimedia, muestran un renovado interés por explorar, de manera conciente, el lenguaje y la escritura en relación a su sonido, su ritmo, su sintaxis y sus capacidades líricas.

En la primera edición en 2005, se programó a dos exponentes mexicanos del spoken word, participaron en 2005 Tiosha Bojorques, Katia Tirado y el grupo Sociedad Acústica de Capital Variable.

Tiosha Bojorques alternó con el poeta afroamericano Quincy Troupe quien, a su vez, leyó su poesía acompañado por el cuarteto del jazzista mexicano Luri Molina.

Por su parte, la performancera mexicana Katia Tirado escenificó su poesía alternando con el actor, dramaturgo y analista hiphopero estadunidense Danny Hoch, quien representará una serie de monólogos de su autoría.

Representando a la generación cercana al grupo de teatro que se conoció como Poesía en Voz Alta, participaron Juan José Gurrola y Hugo Gutierrez Vega, ofreciendo una conversación anecdótica pero también de análisis retrospectivo, evocando los días de experimentación total que caracterizaron los años sesenta y setenta en la Casa del Lago.

En cuanto a las nuevas expresiones de poetas multimedia, el colectivo La Lengua, integrado por Judith de León, Santiago Chávez y Rodrigo Solís, ofreció una mezcla de poesía, visuales, pista sonora y música en vivo, alternando con el poeta afroamericano William Perdomo.

En relación a las tendencias populares, en Poesía en Voz Alta.05 se presentaron Patricio Hidalgo, Zenen Zeferino, Leopoldo Novoa y Andres Flores Rosas del grupo Chuchumbé, mostrando su larga tradición de improvisación y versada jarochas dentro del son veracruzano, compartiendo el escenario con el trío de poetas hiphoperos Company of Prophets, directamente desde Oakland California.

La poesía en diferentes lenguas indígenas fue abordada por las distintas ediciones de Poesía en Voz Alta sin intenciones folclorizantes, sino como lo que es: expresión de nuestra más viva modernidad cultural. En la edición de Poesía en Voz Alta.05., la poetisa zapoteca Natalia Toledo y el poeta nahuatl Mardonio Carballo alternaron con el poeta chileno-estadunidense Adrián Arancibia, miembro del colectivo Taco Shop Poets, caracterizado por ofrecer lecturas de poesía en taquerías de California, Estados Unidos.

Aprovechando la presencia en nuestro país de los poetas estadunidenses, el ciclo se completó con una serie de conferencias, impartidas por Quincy Troupe, (“La arquitectura del Lenguaje”),Company of Prophets (“Diferencia entre Hip Hop y Spoken Word”) y Adrián Arancibia Conferencia (“Transculturación y transnacionalismo”).

La inauguración de Poesía en Voz Alta.05. tuvo lugar el sábado 5 de noviembre con Quincy Troupe, el cuarteto de Luri Molina y Tiosha Bojorques.

Conferencia: La arquitectura del lenguaje, Quincy Troupe

Conferencia: Transculturación y transnacionalismo, Adrián Arancibia.

Diálogo entre Hugo Guitiérrez Vega y Juan José Gurrola: ¿Qué fue Poesía en Voz Alta durante los años cincuenta?

Mesa redonda: Diferencia entre hip hop y spoken word, Company of Prophets (Brutha Los, Rashidi Omari, y DJ TreatUnice)

 

 

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Taller de Leñateros

Posted by pachoj en enero 31, 2012

En 2009 presentamos al Taller de Leñateros, grupo de mujeres tzotziles, que recitan oraculos y rezos, acompañadas por los musicos Damian Martínez a la guitarra, del grupo de rock tzotzil SAK TZEVUL (relámpago), y su espoza al violín (una japonesa cuyo nombre he olvidado).

El festival Internacional de Poesía en Voz Alta programaba a poetas indígenas, tanto mexicanos como extranjeros, no como folclore o cultura popular, sino como arte actual o cultura contemporánea.

 

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Rojo Córdova: pregones de la vida chilanga

Posted by pachoj en enero 18, 2012

Rojo Cordova fue un descubrimiento en una sesión de Slam organizada dentro del Festival Internacional de Poesía en Voz Alta en 2009.

Sus referentes poéticos parecen provenir de los pregoneros chilangos, acaso involuntariamente. En todo caso, su trabajo más interesante es el que recurre a la crónica de pasajes urbanos. En el caso del siguiente video, una crónica de la vida universitaria en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.
Su trabajo me gusta tanto que lo recomendé a Lynn Fainchstein para que participara en la película Hecho en México, al grado que su aparición es de lo mejor del filme.

Hoy día, Rojo Cordova es un tenaz organizador de sesiones de Slam, da talleres de poesía y publicó una antología del Slam mexicano que incluye la historia de esta práctica en la Ciudad de México

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Jorge Fondebrider y Tomás Gubitsch

Posted by pachoj en diciembre 5, 2011

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Presentación de Jorge Fondebrider y Tomás Gubitsc en 2011

STANDARS, 
JORGE FONDEBRIDER. Buenos Aires,1956. Poeta, ensayista, traductor y periodista cultural. Entre 1986 y 1992 fue secretario de redacción de la revista Diario de Poesía, cuyo consejo de dirección integró durante los primeros diez años de existencia de la publicación. Desde el 2002 hasta 2006 se desempeñó como coordinador de eventos y publicaciones del Centro Cultural Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires. En el 2009, junto con Julia Benseñor, creó el Club de Traductores Literarios de Buenos Aires, organización que en la actualidad está en pleno funcionamiento. Con ella, ha organizado tres simposios internacionales dedicados a la traducción. Ha recibido numerosas becas en el exterior, entre las que destacan las del Centre Nationale de Lettres, de Francia y del Irish Literatura Exchange, de Irlanda. Ha impartido clases en la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad Austral de Chile y Fue merecedor de las Palmas Académicas del Gobierno de Francia.

A la fecha, sus libros de poesía son Elegías (sin mención editorial, 1983), Imperio de la luna (Buenos Aires, Libros de Tierra Firme, 1987), Standards (Buenos Aires, Libros de Tierra Firme, 1993) y Los últimos tres años (Buenos Aires, Libros de Tierra Firme, 2009). Su bibliografía personal se completa con La Buenos Aires ajena. Testimonios de extranjeros de 1536 a hoy (Buenos Aires, Emecé, 2001), Versiones de la Patagonia (Buenos Aires, Emecé, 2003), Licantropía. Historias de hombres lobo de Occidente (Buenos Aires, Adriana Hidalgo, 2004) y La París de los argentinos (Buenos Aires, Bajo la Luna, 2010). 

Seleccionó y prologó sendas antologías poéticas de Joaquín O. Giannuzzi (Buenos Aires, C.E.A.L., 1988) y Juan Gelman (Buenos Aires, Espasa Calpe, 1994). Realizó la edición y prólogo de la Obra poética de César Fernández Moreno (2 volúmenes, Buenos Aires, Perfil, 1999) y la Poesía completa de Joaquín O. Giannuzzi (Sevilla, Biblioteca Sibila, 2009).

Tomás Gubitsch, Buenos Aires, 1957. Empezó a tocar y a grabar con el grupo del bandoneonista Rodolfo Mederos (Generación Cero) y a los 17 años, con Luis Alberto Spinetta (Invisible). Dos años más tarde, Astor Piazzolla lo convocó para una gira en Europa. Tras la grabación de un disco en vivo (Piazzolla – Olympia ’77) Gubitsch se instaló en París, donde comenzó su carrera personal obteniendo al año siguiente el premio del XXII Concours International de Composition de Guitare de Radio France.

Independientemente de sus conjuntos musicales con el pianista Osvaldo Caló y el contrabajista Jean-Paul CELEA, trabajó como compositor, director de orquesta, arreglador, guitarrista o productor con Stéphane Grapelli, Michel Portal, Steve Lacy, Glenn Ferris, Jean-François Jenny-Clark, Henry Texier, André Ceccarelli, Pierre Akéndéngué, Chango Farías Gomez, Juan José Mosalini, Mino Cinélu, Nana Vasconcelos, Georges Moustaki, Sapho, Maurane, David Dorantes, Luc Ferrari, Jean Schwarz, etc. Entre 1995 y 2003, se dedicó exclusivamente a componer y a dirigir orquestas. Durante este período grabó con la Orquesta de Paris y con diversas orquestas regionales francesas, así como con las orquestas nacionales de Japón, Bulgaria, España, Egipto, Bélgica y grupos de cámara en Alemania, Suiza, Israel y Finlandia. Gubitsch recibió varios encargos de música contemporánea del Ministerio de la Cultura francés (Diálogos, Sans cesse suite, Concerto pour 4 contrebasses et ensemble, Shoot again (mini-ópera), Distance, Igen, Monodrame (triptyque en 5 mouvements), Et plus si affinités, Au lieu dit, la mi-temps (para la Biennale de la Danse de Val de Marne), Cacerolazo Concerto, Ecos de la ciudad herida). 
Además de participar en varias grabaciones editadas en más de veinte países (Songs of Innocence, Lambaréna, etc.), Gubitsch compone para la televisión, la danza y el teatro. En 2002 le otorgaron el primer premio en el Festival de la Fiction Française. En 2006, luego de un hiato prolongado, retomó la guitarra y editó en Argentina el disco 5 con su quinteto de tango actual. Un año después, 5 (CD + DVD) salió para el resto del mundo en el sello Chant du Monde / Harmonia Mundi. En 2008 recibió el ‘Homenaje’ de la Société d’Auteurs, Compositeurs et Editeurs (SACEM), distinguiéndolo por el conjunto de sus composiciones. En 2009 dirigió la Orquesta Filarmónica de Andalucía en el espectáculo “ConVivencias, de David Dorantes, en el Festival Etnosur. Ese mismo año fue invitado por el Festival de Tango de Buenos Aires, donde dio a conocer sus nuevas composiciones para quinteto. En esta ocasión, se presentó también en Villa Ocampo, con un doble espectáculo sobre la filmación de una coreografía de Nijinsky para Preludio para la siesta de un fauno y poemas de Standards, de Jorge Fondebrider.
Prepara actualmente un concierto para el acordeonista James Crabb y la orquesta sueca Music I Syd / Musica Vivae. También, un nuevo disco en trío y quinteto (grabación en julio del 2011) y su próximo espectáculo en septeto, que será presentado en el Théâtre de la Ville, en enero del 2012. 

Cuando Jorge Fondebrider publica Standards en 1993, fue un libro de poemas que marcó su pasión por el jazz. Standard es una canción que procede de la música popular y que ha sido probada por el tiempo para ser utilizada, una y otra vez, como tema de repertorio del jazz, y donde se revela la calidad de invención de un músico de este género, porque el oyente al tener presente un tema muy conocido –un tema digamos clásico–, descubre fácilmente cuáles son las variaciones, estrictamente personales, del ejecutante. Fondebrider se propuso algo similar, como la reescritura en castellano de famosas canciones de jazz, según le sugerían los títulos y ciertas versiones de esas canciones que había escuchado. El resultado fue que las “nuevas canciones” parecían letras de tangos.

Paralelamente, el compositor y guitarrista, Tomás Gubitsch había trabajado sobre una cadena de interpretaciones a partir de una misma composición particular. Tomó el poema L’après midi d’un faune, de Stéphane Mallarmé, convertido en música por Claude Debussy y transformado en ballet por Vaslav Nijinsky, cuya coreografía fue posteriormente reconstruida y filmada. Con este último documento (y el conocimiento de la historia), Gubitsch se propuso improvisar en vivo una nueva e hipotética música para la coreografía.

Años después, Gubitsch conoció los poemas de Fondebrider y éste último las ideas del músico a propósito de la reescritura improvisada. Ambos deciden trabajar sobre los poemas de Standards, produciendo un espectáculo basado en la reescritura, con otra lengua de textos, que fueron canciones de jazz muy famosas, diluidas, mediante improvisación, pero en otra obra con final abierto.

 

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JOSÉ PAES DE LIRA

Posted by pachoj en diciembre 3, 2011

 

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José Paes de Lira se presentó en PVA.011

JOSÉ PAES DE LIRA.Natural de la ciudad de Arcoverde, Brasil. Poeta, músico, compositor y escritor. A los 12 años comenzó a recitar poesía en festivales y encuentros de poetas repentistas y cantantes. La recitación de poemas tomó la forma de representación teatral en 1997, delineando el espectáculo de teatro (musical) llamado Cordel do Fogo Encantado. En 1999 creó la banda Cordel do Fogo Encantado, donde se desempeñó como cantante principal y compositor. Con la banda lanzó tres álbumes: Cordel do Fogo Encantado (2000), O Palhaço do Circo Sem Futuro (2002) y Transfiguraçao (2006). 
Compuso bandas sonoras para el teatro y el cine. Como actor participó en las películas Árido Movie (Lirio Ferreira – 2006), O Último Romance de Balzac (Geraldo Sarno – 2010) y O Transeunte (Eryk Rocha 2011). Actuó como intérprete de la banda sonora de las películas Deus é Brasileiro (Caca Diegues – 2003) y Lisbela e o Prisioneiro (Guel Arraes – 2003). También participó, con testimonios, en las películas Palavra Encantada (Heloisa Solberg – 2009) y O Homem Que Engarrafava Nuvens (Lirio Ferreira 2009). En 2007 ganó el premio de Mejor Compositor de la Música Popular Brasileña – MPB por APCA – Asociación de Críticos de Arte de São Paulo. Debutó en teatro en 2008 con el espectáculo Mercadorias e Futuro. Ese mismo año lanzó el libro Mercadoria e Futuro y realizó la adaptación del texto para el libro O Garoto Cósmico, basado en la película animada del mismo nombre, de Ale Abreu.

Con la banda, se ganó al público en Brasil y en el extranjero con una actuación impresionante y un sonido constante, no sólo para la innovación en el uso de la percusión tradicional, sino también con la fuerza y la calidad de las letras y una nueva forma de llevar la poesía recitada a un público en general.
Lira-Lirinha a solas… En esta nueva experiencia, José Paes de Lira expresa un nuevo concepto en el que utiliza diversos instrumentos como pianos acústicos y eléctricos, sintetizadores, batería y guitarra, dicho concepto forma un espectáculo de tonos musicales con los cuales está presente la composición de nuevas canciones en las que busca introducir un nuevo ritmo, con una calidad y sensaciones distintas a las que presentaba con Cordel do Fogo Encantado. Está concentrado en expresar su percepción y gusto por la música, mezclada con la grabación de poemas que son referentes en la vida artística de Paes de Lira.
En 2010 dejó la banda Cordel do Fogo Encantado. Actualmente prepara el lanzamiento de su primer CD como solista.

 

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Michel Bulteau y Serge Teyssot-Gay, 2011

Posted by pachoj en noviembre 21, 2011

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MICHEL BULTEAU. Michel Bulteau, Arcueil, Francia, 8 de octubre de 1949. Es poeta, ensayista, músico y cineasta experimental. Con solo 21 años, publicó su primer libro de poesía titulado Retomba des nuits (1970), una colección de poemas obscuros, trágicos y desesperanzados que son una reflexión acerca de la violencia y la libertad de la generación Beat y del Black Surrealism. Siguió publicando poemarios que se distinguen por su hipersensibilidad, lo que lo coloca dentro de la tradición de poetas como Baudelaire, Nerval y Rimbaud. A los 22 años colaboró con otros jovenes poetas, como Matthieu Messagier, Jean-Jacques Faussot, Jacques Ferry, Patrick Geoffrois y Thierry Lamarre dentro del proyecto poético titulado Manifeste Électrique aux paupières de jupes, el cual fue publicado en 1971 por Le Soleil Noir. Fue un manifiesto literario que causó conmoción.

Ha publicado más de sesenta libros incluyendo poemarios, biografías de personajes relacionados con la generación beat y la escena avant-gard (James Dean, Allen Ginsberg, Andy Warhol, entre ellos), así como ensayos. Ha sido editor de Nouvelle Revue.
Motivado por el poeta Henri Michaux, Bulteau siguió adelante con su búsqueda como poeta rebelde. Como músico, fue el vocalista y bajista de Mahogany Brain, banda con la que buscó concretar su ideal de unir la poesía con el rock and roll. La agrupación interpretaba una oscura mezcla de funk, psicodelia y rock progresivo. La banda fue básicamente un grupo de estudio que editó dos álbumes: With (Junk-Saucepan) When (Spoon-Trigger) y Smooth Sick Lights, también interpretaron el soundtrack de Main Line, cortometraje de Bulteau. 
Michel Bulteau ha dirigido y participado en numerosas películas independientes tanto como director y actor. También interpretó un personaje en la novela Los Detectives Salvajes, de Roberto Bolaño. 
En México, Bulteau presentará un espectáculo basado en fragmentos de su película Leila’s Papers, y la lectura de algunos de sus poemas. Estará acompañado por el ex guitarrista Serge Teyssot-Gay, quien fuera integrante del grupo Noir Désir.

Serge Teyssot-Gay.Saint-Étienne, Francia, 16 de mayo de 1963. Fue guitarrista del grupo de rock francés Noir Désir hasta el 2010. Conoció al líder de dicha banda, Bertrand Cantat en la escuela en Burdeos en los 80’s. Además de Noir Désir, otros de sus proyectos han sido el trio Zone Libre, el dúo de guitarristas Interzone con Khaled AlJaramani. También cuenta en su haber dos discos solistas.

 

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Léeme

Posted by pachoj en noviembre 6, 2011

 

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Morocco

Posted by pachoj en octubre 17, 2011

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Morocco 2001

Manuel de J. Jiménez, Morocco, Tiene publicados los libros Los autos perdidos (Red de los Poetas Salvajes, 2009) y Trámites del muerto y el ausente (Honda Nómada ediciones, 2011), que forman parte de su obra Iuspoética. Fue director de la revista literaria Trifulca y actualmente es editor del proyecto 2.0.1.2. Ha realizado lecturas en México, Chile y Bolivia, además de participar en Poesía en Voz Alta y en el Festival de Poesía Subterráneo. Algunas publicaciones suyas aparecen en Punto de partida de la UNAM, Metrópolis, Literal, Cinosargo y Ruleta China.

Cachorro escandonativo que por vivir en un departamento con pasillo era ignorantemente feliz de su clase media fregadona y media. Obligado a convivir con burgueses clasemedieros y educado por lasallistas, creyó por unos años ser parte integral de ese todo hasta que entrada la adolescencia se alejó del buen camino y llevó sus pasos hasta el borde de la Literatura Underunderunderground. Caminando por la periferia de rola con sus melcochoros llenos de desamor y florituras rimaditas se topó con Alias el HACS, quien le dio unos patines en el * y unas mordiditas cariñosas en calva sea la parte que lo contagiaron de roña, blues y guacarrock. Desde esos andares subterráneos se ha dedicado a desaprender lo zambutido en la escuela hasta comprender que a la poesía no la hace la rima y es una especie de poetoide que busca arrancarle a la poesía la formalidad con que la visten los doctores de las letras. Así, casi por casualidad, se convirtió en miembro fundador del colectivo Poetoidesía Mexicana.

Ángel Ravelo, cantautor canario que se dio a la tarea de volver canciones un par de textos del Morocco: Hoy Todo Ha Salido Mal y En el Huerto de los Olvidos. De este modo ha logrado salir de su cómodo anonimato nacional, para volverse un perfecto desconocido en la escena cultural underunderground europea.

Ha sido locutor invitado en Radio Universidad Potosina en los programas 1, 2, 3 Trovando y Giraluna Magazine. También tuvo publicaciones en las revistas La Partera, Vendaval y Blasfemia, de la muy noble y leal ciudad de San Luis Potosí. Disfrazado de vagabundo hizo casting con varios jóvenes directores en ciernes y ha colaborado en sus proyectos como actor y guionista en algunos cortometrajes, sobresalen Hazmerreir y La Tortuga de Arena, este último fue exhibido en la muestra Expresión en Corto en Guanajuato en el 2009.
Tras un viaje de autoconocimiento conoció que no le gusta la vida en provincia y se volvió para su natal DeFectuoso para ser recibido con la imprenta abierta y la invitación a ser incluido en las antologías http://Poesiacero (2008, Café Literario y Generación Espontánea) y Cupido Internauta (2009, Generación Espontánea), tras lo cual se adhirió al movimiento Fusionista y sus poetaserpientes (mismos que han terminado por devorarse a sí mismos, como el mítico uróboro, así son los ofidios). También fue publicado en la revista Síncope, proyecto de difusión literaria de algunos estudiantes de la UNAM. A finales del 2009 su proyecto La Palabra Ladra fue seleccionado para el programa Redes del Desarrollo Cultural Comunitario de la Secretaría de Cultura de Chilangotlán de los Imecas, llevando sus palabrotas hasta oídos cachorros. Por las mismas fechas fue invitado para fingir (sic) como juez en el concurso “Musisensibilizate por la NO Violencia” organizado por el IPN.

Cotorreando la palabra ha unido su blablablería con la de Adolfo Ramírez y Emiliano Robles, armando el chou urbano y prosaico Poesía MalDezida y llevándolo a diversos antros dizque culturales del DeFiéndete. Recientemente resultó ganador del Slam Bicentenario organizado por la Casa del Lago en conjunto con el Laboratorio Arte Alameda, pero se debe sin duda al mal gusto de los jueces. 

Actualmente colabora con la Secretaría de Cultura de su natal Chilagotlán como promotor de la lectura a través de los programas de Letras en Guardia, Letras en Fuego y las Librerías Itinerantes.

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Simon Armitage

Posted by pachoj en octubre 16, 2011

Ayer salió en La Jornada una entrevsita con Simon Armitage que se presentó anoche en Casa del Lago con una lectura fenomenal. Fina, sutil, con una utilización dosificada de recursos sonoros.De lo mejor que he visto.

-El autor británico se presenta en el festival Poesía en Voz Alta, en Casa del Lago

La poesía siempre es valiosa y difícil de matar: Simon Armitage

-Es un oasis en un mundo cambiante, saturado de información y lleno de oportunidades para comunicarse, dice

-“Tener lectores legitima y permite seguir adelante con la escritura”

Ericka Montaño Garfias
 Periódico La Jornada
Sábado 15 de octubre de 2011, p. 3

La poesía parece ser algo difícil de matar. No es una sustancia sintética, manufacturada o comercial; es escrita por una persona que dice lo que realmente piensa y lo que tiene significado para él. Por eso siempre será valiosa, dice el escritor, ensayista y catedrático Simon Armitage, quien hoy se presenta en el festival Poesía en Voz Alta, con otra de sus facetas: la de poeta.

Armitage es uno de los poetas más reconocidos en Gran Bretaña y el año pasado recibió el grado de comendador de la Orden del Imperio Británico. Entre sus libros de poesía figuranTiranosaurius Rex contra el pequeño Corduroy Kid y Mirando las estrellas,volumen este último que leerá en la Casa del Lago a las 19 horas. También tiene una banda The Scaremongers, Los Alarmistas y su trabajo literario se ramifica hacia la televisión, el cine y el radio.

Esta es la segunda ocasión que el escritor británico visita nuestro país. La primera ocurrió hace 10 años. Vivo en un pueblo pequeño, de colinas, en West Yorkshire, por eso es casi imposible para mí comprender el tamaño de esta ciudad; es difícil entender cómo todo encaja, es muy emocionante. Este viernes me desperté muy temprano y estuve caminando, vi el amanecer, y fue maravilloso ver cómo la ciudad volvía a la vida. Pero parece ser infinita, dice en entrevista el autor de las novelas La cosa blanca y El pequeño hombre verde.

Descubrir algo poderoso e íntimo

En el caso de Armitage la poesía fue primero que la novela y los libros de no ficción. “La poesía fue lo que me interesó en la escuela. Fui un estudiante tímido, no estaba interesado en el mundo y éste no estaba interesado en mí. Descubrí la poesía y lo poderoso, íntimo e intenso que puede ser y supe que deseaba continuar leyéndola. No sabía necesariamente que quería escribirla. Se convirtió en una especie de pasatiempo, después una pasión, una satisfacción y eventualmente supongo que se podría decir: una profesión.

No sé si decir profesión sea correcto, es más bien una forma de vida, pero no se puede escribir poesía todos los días, es demasiado intenso, y a veces no estás en el humor correcto. Yo tenía la urgencia de trabajar con el lenguaje y eso me llevó a la prosa, la ficción, no ficción, teatro, trabajo en todos esos medios.

–El mundo no se interesaba en usted, pero ahora es al contrario.

–Es una idea interesante, pero sólo ocasionalmente cruza por mi mente. Te despiertas en un hotel de la ciudad de México y piensas, ¿cómo pasó esto?Yo escribo pequeños poemas, no llegan a los bordes de las páginas ni al final de la página, son pequeñas piezas de cosas, sueños despiertos, pero se convierte en pasaporte para mí, un vehículo para viajar.

Cuando escribes es importante mantenerte a ti mismo para ti mismo. Donde vivo en Inglaterra es parte de eso, está apartado de lo que ocurre en el resto del país, y necesitas recordar como poeta que es una cuestión de concentración, pasar tiempo con tus pensamientos, concentrarte en el trabajo y no distraerte con el puesto que ocupas en la lista mundial de los poetas o tu imagen.

En esta época de cambios y de información, de comunicación instantánea, la poesía es el lugar al que la gente va para tener un momento de contemplación. Siempre ha sido así, es algo fuera de lo cotidiano, es una alternativa. Ahora, como siempre, la poesía tiene una relevancia particular en estos días, vivimos en un mundo rápido y cambiante, incierto, lleno de información, lleno de oportunidades de comunicación, y hay más distracciones de las que podrías desear, y la poesía es una especie de oasis. Es tomarse tiempo fuera de ese ruido y creo que las personas todavía lo necesitan, lo quieren y lo buscan.

Siempre se es un aprendiz

–¿Eso se aplica para toda la literatura en general?

–Sí, es en general. Existen muchos tipos de literatura y algunos son parte de ese ruido que nos rodea todos los días, inclusive en la poesía. Hay algunas clases de este género que son parte del espectáculo que vivimos.

Traductor de poesía medieval –terminó de traducir un poema del siglo XIII acerca del rey Arturo, que se publicará este año– Armitage dice que le gusta la idea de que eres un poeta cuando otra persona dice que lo dice. Cualquiera puede ir por el mundo llamándose poeta, muchos lo hacen, es un título atractivo para escribir en tu pasaporte o en tu visa; las personas te toman interés, pero es cuando otros creen en ti y en tu trabajo: tener lectores de poesía te legitima y te permite seguir adelante con tu escritura.

Y la preocupación principal esseguir escribiendo. No darlo por hecho. Siempre tratar de recordar que nunca logras lo que quieres, que eres un aprendiz. Que siempre hay lugar para mejorar. Se siente a veces que tratas de escalar el monte Everest con un pedazo de cuerda y una escalera pequeña, pero creo que sabes que estás haciendo lo correcto cuando te sientas a escribir y sientes emoción. No es el producto, no es la publicación, no es el libro o las lecturas, sino la relación entre tú y el lenguaje cuando escribes un poema. Y con eso te das cuenta de que sigues vivo.

Después de la lectura de poesía de Simon Armitage, el festival de Poesía en Voz Alta proseguirá el jueves 20 con El sonido y la palabra/Silencio, con Juan Carlos Garvayo y Pedro María Sánchez, inspirado en la obra de John Cage y San Juan de la Cruz; y la poesía electrónica de Morten Sondergaard, el viernes 21, a las 19 horas.

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Simon Armitage en México

Posted by pachoj en octubre 15, 2011

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Lectura de Simon Armitage en 2011

 

SEEING STARS: A POETRY READING WITH SIMON ARMITAGE
SIMON ARMITAGE. Simon Armitage, Reino Unido, 1963. Ha publicado diez volúmenes de poesía incluyendo Poema Selectos, 2001 (Faber&Faber). Sus publicaciones más recientes son Tiranosaurios Rex Contra el pequeño Corduroy Kid y Mirando las estrellas, ambos publicados por la editorial Faber & Faber en el Reino Unido y la obra Knopf en los Estados Unidos. Ha recibido numerosos reconocimientos por su historia en la poesía, incluyendo el Sunday Times Author del año, uno de sus primeros lugares, y el Premio Lannan.
Escribe para la radio, la televisión y el cine. Es autor de cuatro obras incluyendo Mister Heracles, una versión de la obra de Eurípides La locura de Heracles. Su reciente dramatización fue La Odisea patrocinada por la BBC y trasmitida en Radio 4 en el 2004, y que está disponible por la red de la BBC. También fue publicada por Faber & Faber y por Norton en los EEUU. Recibió el premio Ivor Nobello por la letra de su canción en el canal 4 para la película Feltham Sings, con lo que también ganó el premio BAFTA. Su primera novela El pequeño hombre verde fue publicada en 2001 y su segunda novela La cosa blanca se publicó en 2004.
Ha impartido clases en la Universidad de Leeds y la Universidad de Iowa, para el Taller de Escritores, en los Estados Unidos. En la actualidad es profesor titular en la Universidad Metropolitana de Manchester. Con Robert Crawford ha editado La antología de poesía del pingüino de Gran Bretaña e Irlanda desde 1945. Otras antologías suyas incluyen 101 poemas muy cortos y una selección de la poesía de Ted Hughes, ambos publicados por Faber & Faber.
El grito, un libro con nuevos y seleccionados poemas fueron publicados en los Estados Unidos en abril de 2005 por la editorial Harcourt.
Sus raíces del norte y su lenguaje picaresco le han dado a su obra un concepto renovado y urbano, combinándolo con un sentido del humor, lo cual han hecho de Armitage un poeta auténticamente popular. En el año 2010 fue nombrado en el Palacio de Buckingham Comendador de la Orden del Imperio Británico.

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FRENTE.MX y Poesía en Voz Alta

Posted by pachoj en octubre 5, 2011

En el Número 27 del semanario FRENTE.MX (del 29 de septiembre al 5 de octubre de 2011, sección Letras,pp.34 y 35) , dirigido por mi amigo Rulo, se publica una entrevista que me hizo Diego Rabasa:

POESIA EN VOZ ALTA. ENTREVISTA CON PACHO PAREDES

“EL futuro de la poesía no estriba en los canales comerciales o en los espacios que las editoriales le puedan dar a este género, sino en la calidad de la producción poética”, afirma Pacho Paredes, organizador y cabeza del festival Poesía en Voz Alta, cuya séptima edición está por celebrarse en Casa del Lago. El festival se sitúa cada cada vez más como uno de los eventos poéticos de mayor relevancia en la ciudad. Aprovecha el inmanente vínculo con la música para proponer un programa que incluye lo mismo a nuevas voces que a figuras nacionales e internacionales en un formato ecléctico y profundo, pero entretenido y llamativo también. Presentamos una entrevista con Pacho Paredes que esperamos les genere la misma atracción y entusiasmo que a nosotros.

¿Te parece que el futuro de la poesía impresa depende de iniciativas como ésta que buscan combatir la falta de espacios en catálogos editoriales y en canales comerciales?

La buena poesía tiene futuro, sea escrita, oral, impresa o diseminada en nuevos soportes. Ahora bien, plataformas como Poesía en Voz Alta permiten acercar a más gente a la poesía, tanto a la escrita como a la oral y la experimental.

La gente suele desdeñar la poesía por solemne y aburrida, otros por lejana y complicada. Les parece rancia y cursi. Nada hip. A otros les puede dar curiosidad, pero temen no comprenderla. PVA ha roto con esos prejuicios.

Pero, sobre todo, PVA ha servido de lugar de encuentro para distintas tradiciones poéticas ya existentes, tanto locales como internacionales, que no eran visibles en un medio dominado por la paquiderma costumbre de quienes se consideran autoridad en poesía.

PVA le ha permitido a tradiciones atomizadas encontrarse con sus públicos. Esto demuestra quizá que la cerrazón de las editoriales y del mercado no es un problema de la poesía, sino de la industria. Lo mismo pasó con la música ante la crisis del disco.

Por otro lado, algunos “entendidos” sólo sabían resignarse ante la costumbre de no hallar audiencia para su poesía. Al principio alguien consideró “absurdo querer revitalizar Casa del Lago con la hija bastarda de la literatura: si la narrativa no vende, menos aún la poesía”, me decía. Hoy día hay quienes se asombran de ver llegar a toda esa gente tan disímbola a Casa del Lago. ¿Puede lograr eso la poesía sin complacencias?

¿Cuáles son las premisas en las que te basas para realizar el programa?

Poesía en Voz Alta es una plataforma que programa distintas disciplinas de la oralidad escénica, como una forma de expandir la noción de lo poético. Somos un escaparate para la poesía experimental.

Estas expresiones poseen una remota herencia histórica, por ejemplo la poesía campesina ágrafa como el repentismo o el son jarocho, o bien, desde la vertiente de la alta cultura, las vanguardias de principio de siglo XX.

Pero otras surgen de los cambios en los paradigmas culturales recientes (relativización del paradigma del libro impreso), o a partir de la generalización de las nuevas tecnologías como herramientas creativas (samplers y loops que facilitan la deconstrucción de la voz para su uso como textura sonora o para realizar permutaciones; o bien, la escritura en código de la poesía digital[1]).

Otros artistas de Poesía en Voz Alta provienen de tradiciones subculturales en ascenso y de la cultura pop, como el hip hop, spoken word, el jazz poetry, o en general, poesía de referentes callejeros. Al mismo tiempo, fuera del ámbito de la literatura establecida, en años recientes han proliferado colectivos poéticos articulados a partir de la producción y la difusión del propio trabajo, mantienen una actitud lúdica cercana a los colectivos roqueros que parece contestar al adocenamiento literario, buscando sus propios medios de diseminación para su producción.

También están las tradiciones artísticas que no habían sido consideradas afines a la experimentación poética, como la poesía indígena, que en PVA es presentada no sólo como cultura popular o folclor, sino como arte actual.

Aunque no celebramos la desaparición del libro en papel, creemos que “la experimentalidad tiene conciencia del soporte y lo pone en juego, sobre todo alterando sus modos usuales. Incluso puede utilizar el libro de manera experimental” (como dice Santiago Perednik).

Nos interesan las poesías populares tradicionales, por ejemplo las voces inuits y el canto cardenche. Para nosotros lo “antiguo” puede ser hipermoderno. En todo caso, creemos que es posible hacer convivir la tradición con la experimentación.

Partiendo de los formalistas rusos, exploramos el sonido como significación autónoma, además de subrayar la sonoridad del idioma original como valor en sí mismo dentro de la poesía.

 No hay traducción simultánea, para no interferir en el hecho escénico ni la experiencia sonora. Lo que hacemos es subtitular con proyecciones, como en la ópera.

Por último, somos una plataforma de estas confluencias sin jerarquías, con miras a romper el aislamiento de las diversas disciplinas, principalmente de la poesía ensimismada en la soledad del texto.

¿Cómo surge la idea de rescatar las lectura en voz alta que realizaba Juan José Arreola como insignia de este festival?

En 2005 nos apropiamos del nombre de Poesía en Voz Alta, hasta entonces referido a un grupo de teatro que a partir de 1959 estuvo identificado con la generación fundacional de la Casa del Lago. Se trato de un tributo, pero sobre todo de una provocación.

Sin nostalgia, reinterpretamos Poesía en Voz Alta como poesía escénica, experimentación y oralidad. Ahí cabía desde el teatro, la poesía ortodoxa, hasta la mini ópera, la canción, la microficción, el ensayo, la transdiciplinariedad, etcétera, a partir de la oralidad.

Pero no sólo resignificamos los antecedentes históricos de Casa del Lago, que fue “El foro alternativo” de los sesenta. También partimos de reinterpretar el presente: identificamos un interés generacional por explorar el lenguaje y la escritura en relación al sonido, el ritmo y las posibilidades escénicas directas; como ya se dijo, un interés propiciado en parte por la emergencia de las nuevas tecnologías.

Desde hace siete años sabíamos que al campo literario le sucedería lo mismo que a la música con Internet y con el surgimiento del iPod. Había que adelantarse a ello mediante la reflexión. Identificamos creadores que ya apuntaban hacia allá y, sobre todo, quisimos acelerar el proceso abriendo vasos comunicantes.

A siete años de su creación, ¿cuáles son las perspectivas del festival?

Demostrar que la poesía puede ser una experiencia colectiva. Que la buena poesía puede convocar públicos masivos. Es decir, más de los 300 o 600 asistentes que ya convocamos.

En el terreno de la ficción es claro que el quehacer narrativo ha respondido de manera clara a la realidad contemporánea de México, ¿se puede hablar de un fenómeno similar en la poesía?

Siempre que no entendamos por realidad el pintoresquismo mexicanista, ni el costumbrismo decimonónico. La realidad contemporánea de México ya es sobre todo contemporánea del planeta entero y, como tal, heredera de tradiciones múltiples. Luis Felipe Fabre, Julian Herbert, son un buen ejemplo de la vitalidad y el rigor de la poesía reciente, dialogan con la tradición culta, pero están abiertos a lo nuevo. También me parece muy interesante la iuspoética de Manuel J. de Jiménez, todavía más joven.

El programa tiene una orientación musicoliteraria muy notable y original. ¿A qué obedece esto?

La relación de la poesía y la música es intrínseca y como tal, muy frecuentada. En última instancia, lo oral apela a la sonoridad. Una buena letra es poética y un buen poema siempre tendrá ritmo. Pero no nos limitamos a esta mera relación. En realidad aspiramos a explorar la transdisciplina.

Queremos experimentar la poesía fuera de los campos disciplinarios preestablecidos. Aprender a oír y leer desde otro sitio. Descentrar nuestro punto de vista habitual como público. Identificar operaciones de desplazamiento creativo. Quizá por eso se han acercado artistas, atraídos por la plataforma, para proponernos proyectos que no entran en ningún otro foro. Por ejemplo, el bajista Alonso Arreola colaborando con Michel Houllebecq.

Oras veces hemos invitado a poetas que, al explicarles el contexto del festival como oralidad escénica y experimentalidad, de pronto deciden vincularse a la música. Me refiero a gente como Sandra Lorenzano, Francisco Segovia, o el melómano Juan Gelman, quien presentó en exclusiva una sesión de poesía tango acompañado por Cesar Strossio.

Por cierto, este año presentaremos teatro con una compañía francesa, un monólogo sórdido que invoca el origen teatral que tuvo Poesía en Voz Alta en los cincuenta.

¿Cuáles consideras que son los principales retos que debe enfrentar el festival en el futuro? ¿Y la poesía mexicana?

El Festival, su continuidad. En cuanto a la poesía mexicana, seguir abriendo nuevos vasos comunicantes, no solo con la tradición culta.


[1] cf. Loss Pequeño Glazier: Digital poetics: the making of E-poetries, Tuscaloosa, Alabama, The University of Alabama Press, 2002.

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POESIA EN VOZ ALTA EN LOS AÑOS CINCUENTA

Posted by pachoj en octubre 5, 2011

Según Josefina Brun, Poesía en Voz Alta fue un movimiento emblemático que se desarrolló entre 1956  y  1967.

Movimiento, concepto, o grupo. Plataforma podrìamos llamarla ahora. Se identificó con “una serie de representaciones teatrales de muy diversas obras, con una estética común”.

La premisa fue la innovación, la experimentación a partir de la experiencia de las vanguardias, de acuerdo a un texto que Josefina cita de Octavio Paz.

Esta autora divide el repertorio en tres grupos:

1-Teatro clásico español

2-Teatro universal de vanguardia

3-Dramaturgia mexicana

Josefina Brun relata así el inicio de Poesía en Voz Alta: “surgió en virtud de que la actríz Marilú Elízaga, propietaria del Teatro El Caballito, ofreció a las más altas autoridades de la Universidad que hicieran uso de su espacio para realizar actividades culturales un día a la semana, cuando ella descansaba. El asunto se comentó en un coctel que ofrecía Difusión Cultural de la UNAM en honor de Emilio Carballido, triunfador con La herba de oro de un concurso de dramaturgia convocado por dicha institución ¿Qué hacer con la generosa oferta de Marilú Elízaga? Carballido sugirió: ‘Hagan recitales de poesía’. Henrique González Casanova pensó de inmediato en Juan José Areola, que gustaba decir poemas en público; sabía de memoria muchísimos, siempre de gran calidad literaria. González Casanova recurrió a sus influencias en la UNAM para que Arreola fuera contratado como director del proyecto de recitales de poesía “.

Juan José Arreola trabajó con sus amigos lingüistas y filólogos Antonio Alatorre y Magrit Frenk, montaron tres piezas de teatro clásico. Además llamó a Juan Soriano, y Héctor Xavier para la escenografía y el vestuario, y a Héctor Mendoza para la dirección. Aquí cito a Josefina: “Mendoza aceptó con la idea de que se trataría de recitales de poesía. La idea básica de Juan JOsé Arreola al inventar ese espectácilo fue rodear los versos con una serie de elementos teatrales: vestuario, escenografía, iluminación, pero no era la idea hacer teatro”.

Muy cerca del proyecto desde el principio, estuvieron Octavio Paz, Leonora Carrington, el poeta español León Felipe, Jaime García Terrés, Carlos Fuentes, Juan García Ponce, Maria Luisa Mendoza, entre otros.

La autora afirma, siguiendo a Roni Unger, que para la primera presentación de Poesía en Voz Alta, Arreola escribió el siguiente texto:

“Sinceramente, señoras y señores, creemos que es posible ponernos de acuerdo, si ustedes renuncian a su habitual condición de expertos y ambiciosos espectadores y entran al juego con suficiente candor. Juntos podremos recobrar elperdido espíritu del teatro, que no es, a fin de cuentas, más que antigua, recóndita y divertida poesía: poesía en voz alta”

(Fuentes: Roni UNger, Poesía en Voz Alta, (traducción SIlvia Peláez revisada por Rodolfo Obregón), INBA-UNAM. 2006. Primera ediciñon en EEUU 1981.

Luz Emilia Aguilar Zinser, Voces de lo Efímero. La puesta en escena en los Teatros de la Universidad. UNAM, México, 2007.)

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Después de la conferencia de prensa de PVA.11

Posted by pachoj en octubre 5, 2011

Manuel de J.Jimenez, Víctor Ibarra, Pablo Boullosa, Jonathan Capdevielle, Sandra Lorenzano, Yaxkin, Miauricio Jimènez, Pacho, Leonore, en Casa del LagoManuel de J. Jiménez, Víctor Ibarra, Pablo Boullosa, Jonathan Capdevielle, Sandra Lorenzano, Yaxkin, Patrick,  Miauricio Jiménez, Morocco, Pacho, Leonore, en Casa del Lago.

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Solo para titiritero

Posted by pachoj en octubre 1, 2011

Solo para titiritero invita al espectador a confrontarse con la escritura poética

Nota en La Jornada, sábado 1 de octubre 2011

-Escenifican montaje con la actuación de Jonathan Capdeville, en la Casa del Lago

-La obra Jerk forma parte del programa de la séptima versión de Poesía en Voz Alta

-“Más que reflexionar acerca de la violencia, se explora lo que ocurre con los personajes involucrados”

Foto Guillermo Sologuren de La jornada

Ericka Montaño Garfias
Periódico La Jornada
Sábado 1º de octubre de 2011, p. 4

Basta teclear en YouTube DACM Jerk, para abrir un video de apenas cuatro minutos para ver el trabajo que Jonathan Capdeville y la compañía francesa DACM presentan desde este viernes y hasta el domingo en Casa del Lago, en el contexto de la séptima versión de Poesía en Voz Alta: Poesía escénica, Poesía Multimedia.

Jerk es un solo para titiritero basado en un texto del escritor estadunidense Dennis Cooper, en colaboración con la directora Gisèle Vienne, acerca de los crímenes cometidos por Dean Corll, quien asesinó a más de 20 niños en Texas en los años 70 del siglo pasado.

Ayudado por dos adolescentes, Capdeville interpreta a uno de ellos, David Brooks, quien ya en prisión reconstruye los asesinatos.

Este solo para titiritero se inserta en el encuentro de poesía en su carácter de poesía escénica y recupera un poco el sentido de cuando Poesía en Voz Alta se llamaba Teatro en Voz Alta.

Más allá del entretenimiento

“Diría que la poesía del texto de Jerk,los momentos más poéticos son aquéllos en los que el espectador lee. Porque durante el espectáculo el personaje de David Brooks invita al público a leer algunas partes de la historia, entonces éste se encuentra confrontado a la escritura de manera íntima, a la escritura poética”, señala Capdeville en entrevista, acompañado por Lèonor Boudouin, integrante de la compañía DACM.

En estas presentaciones vamos a intentar proponer un espectáculo al público más particular, menos accesible, más singular, que uno que tuviera como primer objetivo el entretenimiento, explica Capdeville.

Al respecto, Lèonor Boudouin precisa que Jerk es una pieza bastante particular dentro de la obra completa de Gisèle Vienne, porque es una obra muy teatral y pone al espectador en una posición tal que es provocado, no en el sentido de una rebelión sino que los coloca en un estado muy particular.

En Jerk al espectador se le invita a ser participante activo, añade Jonathan Capdeville. Se le integra en la dramaturgia del espectáculo, quizá esa sea la diferencia de éste en relación con otras propuestas. La distancia que puede tener un espectador generalmente frente a ciertas formas coreográficas y teatrales, no permanece aquí, pues la distancia entre el actor y el público se rompe muy rápidamente.

Desde su estreno en 2008 la obra ha cambiado y aunque habla de violencia el tema va más allá. “Es más complicado, más complejo. El personaje sí se pone en una situación de mea culpa”, agrega Capdeville, mientras Boudouin subraya que dentro de la obra se coloca al espectador en una situación de atracción hacia el personaje principal, y jugamos sobre la atracción y la repulsión en relación con el personaje. Hay un momento en el que el espectador resiente su situación de voyer en ciertas películas o las novelas, o en las notas rojas, en los noticiaros. En cierto modo todos tenemos ganas de leer la nota roja, decimos cómo es posible que esto esté pasando y al mismo tiempo es tan horrible que uno se pregunta por qué me gusta leer esto, por qué leo esto.

En Jerk hay muchas preguntas para el espectador y no se trata de una reflexión acerca de la violencia, sino de lo que ocurre dentro de los personajes involucrados, asevera Jonathan Capdeville.

Jerk tampoco es un performance en el sentido clásico; más bien es una puesta en escena tradicional “con un personaje, una narración, un espacio, un tiempo una relación directa con el público, es decir, no estamos en unperformance en cuanto a un momento único, in situ, sino dentro del espectáculo clásico, las marcas clásicas. Están los ingredientes de la representación clásica, aunque la experiencia para el espectador es singular y muy poco común”, puntualiza Lèonor Boudouin.

Jerk se presentó este viernes y continúa funciones sábado y domingo a las 19 horas en Casa del Lago Juan José Arreola (Bosque de Chapultepec, primera sección. Acceso por la puerta principal al zoológico).

Más información del programa de Poesía en Voz Alta en la página electrónicawww.casadellago.unam.mx

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JERK

Posted by pachoj en septiembre 30, 2011

Sube al escenario Poesía en Voz Alta

Como parte del festival, que concluye 21 de octubre, se llevará a cabo la Feria Poética del Libro

Oscar Cid de León, REFORMA

Ciudad de México (30 septiembre 2011).- La edición 2011 de Poesía en Voz Alta ya tiene un pie en el escenario. Esta noche arranca con el ingreso del teatro a la programación, género escénico que resultó medular en los orígenes del festival en que se inspira, el que encabezó con el mismo nombre y en la misma sede Juan José Arreola durante las décadas de 1950 y 1960.

Vuelve con Jerk, monólogo del francés Jonathan Capdevielle.

Se trata una puesta de títeres inspirada en un cuento que escribió Dennis Cooper en 1993, bajo la dirección escénica de Gisèle Vienne.

“Es la historia de un asesino en serie norteamericano (Dean Corll) de los años 70 que asesinó, torturó y violó a alrededor de 30 niños y adolescentes. Cooper la retomó de la nota roja proponiendo como personaje principal a uno de los dos chicos que ayudaron al asesino, quien cuenta durante una hora todo los eventos del sótano en donde sucedieron los hechos”, adelantó en conferencia de prensa Capdevielle.

El personaje está tras las rejas, y habla frente a una clase de alumnos de sicología freudiana.

“La complejidad de la obra residió en volver accesible, humano, a un personaje que protagonizó todas estas atrocidades”.

Al presentar el programa, José Luis Paredes “Pacho” destacó la diversidad de las propuestas. “Son distintas las aristas de Poesía en Voz Alta; son distintas las búsquedas en torno a la lectura, a la escritura, a la oralidad; distintas las posibilidades del quehacer poético”.

Hay desde spoken word, con Simón Armitage, de Inglaterra, hasta poesía tojolabal, con Rosalía Jiménez, o electrónica, con Bruno Bartra en compañía de Polka Madre y La Internacional Sonora Balkanera.

En la cartelera asoman otras dos propuestas francesas: Gilles del Pappas, con una lectura homenaje a Jean-Claude Izzo, y Michel Bulteau acompañado del guitarrista Serge Teyssot-Gay del grupo Noir Désir.

También se programa lírica performática y multimedia, con Manuel de J. Jiménez, Yaxkin Melchy y Víctor Ibarra Calavera, quienes presentan C0D33X IBM (El principio del factor).

Mario Santiago Papasquiaro o Raúl Zurita son retomados en este espectáculo, reescritos bajo un lenguaje “digital, pobre y performático”, añadió Melchy.

Participa en el festival además un “poetoide”: Mauricio Jiménez Morocco, que “básicamente es un vago profesional que se cree poeta y las hace a veces hasta de payaso”.

Acompañada por el cello de Jimena Giménez Cacho, se presenta también Sandra Lorenzano, además de José Paes de Lira, Francisco Hernández y Morten Sondergaard. Pablo Boullosa ofrecerá la conferencia “Oralidad y lectura”.

Como parte del festival, que concluye 21 de octubre, se llevará a cabo la Feria Poética del Libro.

NOTA del REFORMA

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Presentan el Festival Poesía en Voz Alta.11

Posted by pachoj en septiembre 28, 2011

La Casa del Lago será el lugar donde reconocidos poetas provenientes de ocho países se reunirán del 30 de septiembre al 21 de octubre

MÉXICO | Miércoles 28 de septiembre de 2011Notimex | El Universal http://www.eluniversal.com.mx/notas/797114.html

Con el fin de acercar al público a las distintas experiencias que ofrece la lectura, reconocidos poetas provenientes de ocho países se reunirán del 30 de septiembre al 21 de octubre se en la Casa del Lago “Juan José Arreola”, para participar en el Festival Poesía en Voz Alta.11.

En conferencia de prensa, el director de este espacio cultural, Juan Luis Paredes Pacho, aseguró que este encuentro contará con la participación del brasileño José Paes de Lira, los argentinos Jorge Fondebrider y Tomás Gubitsch, del británico Simon Armitage y los españoles Juan Carlos Garvayo y Pedro María Sánchez, así como de la compañía francesa DACM, entre otros.

Manuel de J. Jiménez, quien en colaboración de Víctor Ibarra Calavera y Yaxki Melchy crearon un colectivo exprofeso para la presentación de su poesía performance “Cod33x IBM”, detalló que este proyecto está orientado hacia la cuestión apocalíptica.

“Nuestra propuesta es un lectura delirante en donde mis compañeros y yo expondremos una poesía de inexistencia (…) de alguna manera es una reescritura de poetas como Enrique Verastegui y Mario Santiago, entre otros” explicó.

Al respecto Paredes Pacho dijo sentirse feliz de que los jóvenes talentos se involucren en este Festival que retoma el espíritu del movimiento que bajo el mismo nombre que se realizó en los años 50 y reunió a escritores de vanguardia de la época como Juan José Arreola, Hugo Gutiérrez VegaJuan José Gurrola y Octavio Paz, entre otros.

“Poesía en Voz Alta nos permite visibilizar estas búsquedas de los proyectos juveniles, ésta es la prueba de que es mentira que a la gente no le interesa la poesía” expresó.

Por su parte, el ganador del slam poetry de la edición pasada de este encuentro, Mauricio Jiménez Morocco apuntó que con el espectáculo “La palabra ladra”, que se presentará el jueves 13 de octubre, busca romper los paradigmas de la poesía.

“La idea es romper con el esquema preconcebido de lo que es la poesía, la idea de que tiene que ser solemne, que el poeta es un tipo con tirantes, saco y corbata de moño y que es para público igual que ellos, la gente se queda con esa idea y se aleja, queremos que eso termine”, explicó el autodenominado “poetoide”.

Sandra Lorenzo, quien participará con la chelista Jimena Giménez Cacho el sábado 8 de agosto, dijo que es necesaria la palabra literaria y poética para así crear espacios de identificación y reconocimiento con los otros y reconstruir los tejidos sociales. “Yo pienso que para que una sociedad pueda reconocerse es necesaria la poesía, por eso me parece que hay que favorecer esta clase de espacios que nos fortalecen”, mencionó.

Señaló que durante su presentación, tanto ella como Jimena Giménez, mostraran sus más recientes trabajos, “nadie acompaña a nadie, es una creación conjunta entre la música y la palabra, pues Jimena viene como compositora, será el público el que decidirá si nos merecemos un lugar en este encuentro”.

El francés Jonathan Capdevielle, quien participará en la poesía escénica “Jerk. Solo para titiritero”, recordó que esta propuesta teatral surgió a partir de contacto de su colega Giséle Vienne con el productor estadounidense Dennis Cooper, quien realizó la dramaturgia de este espectáculo.

Precisó que se trata de la historia de un asesino serial que en los años 70 mató y torturó 30 adolecentes “a partir de esta nota roja Dennis Cooper imaginó una historia que se cuenta a través de títeres, en la que el maestro de ceremonias toma varias voces pues es esquizofrénico”.

Por su parte, el promotor cultural Pablo Boullosa manifestó su beneplácito por aportar otro tipo de actividad al Festival Poesía en Voz Alta, con la conferencia magistral “Oralidad y lectura”, en la cual, abundó, reflexionará sobre la importancia de la palabra oral en un mundo globalizado en que la gente prefiere leer a solas y en voz baja, “me da gusto ser la parte seria de este festival tan divertido”.

Finalmente, Paredes Pacho extendió la invitación al público a acercarse a el Festival Poesía en Voz Alta.11, que de manera gratuita brindará una amplia oferta cultural.

 

rqm

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CARTOGRAFÍAS POÉTICAS

Posted by pachoj en julio 4, 2011

PODEMOS HALLAR  coincidencias entre Edward Soja e Ivo Mesquita respecto de su concepción del espacio y la cartografía, mismas que nos ahyudarían a trabajar con expresiones artísticas que no se hallan cabalmente establecidas dentro de ciertos circuitos culturales preconfigurados, como puede ser la poesía experimental, visual, multimedia y escénica.

Como sabemos, el texto introductorio al catálogo para la exposición Cartografías, de Ivo Mesquita[1], propone una sugerente visión del curador como descubridor-configurador de territorios, antes que como agente sancionador de una verdad preestablecida; pero también como método para acercarse a escenarios o temáticas novedosas para la investigación.

One is reminded of those traveling artists who accompanied the discoverers of new lands, and who bequeathed to posterity images, narrations, and maps that constitute the first visual identity of recently-discovered areas[2].

De acuerdo con Mesquita, el territorio cartografiado por el curador no es una invención gratuita, pero tampoco un descubrimiento de una realidad objetiva unívocamente preexistente. Su quehacer curatorial representa un vértice donde confluyen distintos “universos” en uno solo: desde el universo del artista y su creación (las obras) en diálogo con una tradición (o varias), hasta el de la propia investigación configurada por el curador, la cual incluiría una visión crítica del sistema de arte y la diversidad de sus agentes.

For the curator is, above all else, a drifter passing through studios, art galleries and museums, seeking out and investigating issues, polemicizing them so as to revel the marks, the qualities and the systmes of configuration invented in the process of making art.[3]

Al accionar, la investigación del curador propone (imagina) un posible territorio artístico, es decir, una realidad que sólo puede aprehenderse con la imaginación y que por lo tanto se reconfigura en el momento de imaginarse, contribuyendo así a expandir la tradición del arte contemporáneo. Dicho de otra forma, en la figuración-creación de un territorio mediante la curaduría, la realidad del sistema de arte contemporáneo parecería concentrarse en el nivel de la experiencia expositiva, acaso como una especie de tercer espacio sensible, según los términos del geógrafo Edward Soja.

El libro Thirdspace, Journeys to Los Angeles and Other Real -and-Imagined Places de Edward Soja (Malden Massachussets, Blackwell Publishers Inc., 1996), abrió puertas para una probable articulación espacio-socialidad-historia-imaginario. Recordemos que Soja parte de una relectura del concepto de Henry Lefebvre des espaces autres y lo reinterpreta como un tercer espacio. Para Soja, el primer espacio correspondería al de la existencia concreta de las formas materiales. El segundo al de la idea que se tiene sobre el espacio material, o sea, se asociaría a las representaciones mentales de la espacialidad humana. Estos dos espacios conforman un binomio inseparable. Mejor dicho, insuperable: el espacio real y el espacio imaginado.

Briefly told, the spatial story opens with the recognition that the mainstream spatial or geographical imagination has, for at least the past century, revolved primarly around a dual mode of thinking about space; one which I have described as a Firstspace perspective and epistemology, fixed mainly on the concrete materiality of spatial forms, on things that can be empirically mapped; and the second, as Secondspace, conceived in ideas about space, in thoughtful re-presentations of human spatiality in mental cognitive forms. These coincide more or less with Lefebvre’s perceived and conceived spaces, with the first often thought of as “real” and the second as “imagined[4].

En cambio, el tercer espacio sería el espacio vivido, experimentado, pero no en los términos de Lefebvre como una simple mezcla de espacio real y espacio imaginado, sino entendido como un espacio diferente que se conjuga a partir de los otros dos en un imaginario social y que por lo mismo se conciencia de una forma distinta, ya que logra superar el dualismo: es otra forma de conocimiento espacial que se asume como inseparable de la experiencia. Si parafraseamos los enunciados performativos o realizativos del filósofo del lenguaje John Langshaw, podríamos decir que es una dimensión espacial performativa –es decir, que se habita imaginándola. Volvamos a Soja:

In the late 1960s, in the midst of an urban or, looking back, a more generally spatial crisis spreading all over the world, an-Other form of spatial awarness began to emerge. I have chosen to call this new awarness Thirdspace and to initiate its evolving definition by describing it as a product of a “thirding” of the spatial imagination, the creation of another mode of thinking about space that draws upon the material and mental spaces of the traditional dualism but extends well beyond them in scope, substance, and meaning. Simultaneously real and imagined and more (both and also…), the exploration of Thirdspace can be described and inscribed in journeys to “real-and-imagined” (or perhaps “realandimagined”?) places[5].

Este tercer espacio permite repensar el “espacio” del arte y la cultura. El espacio del urbanismo y de la utopía (es decir, el de toda aquella figuración que se encarna como fin subjetivo de cualquier empresa humana: llegar a un lugar que no existe pero que se crea –configura- habitándolo).

Encuentro así coincidencias entre el tercer espacio de Soja y el concepto de curador-cartógrafo de Mesquita, y ambas caracterizaciones resultan sugerentes para acercarse a las expresiones artísticas que no se hallan cabalmente establecidas dentro de ciertos circuitos culturales preconfigurados.

La caracterización curatorial de la que se habla aquí permitiría acercarse a escenas transdisciplinarias no siempre fáciles de museografiar, como por ejemplo, la poesía visual y experimental en México.¿Cómo realizar una exposición de propuestas poéticas que incluyen desde la poesía visual, hasta la poesía acción, el performance, la videopoesía, la poesía digital y la edición de publicaciones? Ante ese panorama, parecería más factible realizar un documental o la edición de un libro, en lugar de llenar vitrinas con facsímiles de revistas, plaquetas y publicaciones que no pueden hojearse, proyectar videos en salas oscuras documentando las acciones y emplazar en las paredes fotos con poemas visuales o cuadros con fragmentos de textos. Sin embargo, cada formato ofrece limitaciones para contener la “multimedialidad” de estas expresiones. Quizá la idea del curador cartógrafo guiado por el azoro del explorador pueda encontrar formas más imaginativas para mostrar estos universos, ya que los cánones disciplinarios, como las fronteras geopolíticas, resultan ahora equívocos para explorar estas manifestaciones.

¿Cómo superar el predeterminismo unidimensional de la geografía (o la geopolítica) en el arte? Con Soja se logra una concepción espacial que supera la noción del espacio como un simple binomio, local-global, tan incómodo como incapaz de explicar la realidad. ¿Qué es lo local para un poeta que convive con sus pares literarios y escénicos de otros rincones del planeta? ¿El idioma? Si una parte importante de este tipo de poesía experimental es la calidad de lo visual y de lo sonoro más allá de su significado idiomático, la lengua ya no es tan determinante como en la literatura convencional (sin embargo, acaso la sonoridad del acento regional sí podría ser considerado como un rasgo irreductible de localidad). De cualquier suerte, más allá de la geopolítica, en estas expresiones también las fronteras entre géneros artísticos se han dilatado.

De hecho, no se trata de un solo campo artístico ni de una disciplina, sino de diferentes tradiciones que confluyen en la experimentación visual y en la oralidad escénica y que vuelven a expandir la noción de lo poético, más allá del canon derivado del soporte de lo textual[6]. Estas expresiones poseen una herencia histórica (vg, la poesía campesina iletrada –repentismo- o las vanguardias de principio de siglo XX y su legado actual), pero también surgen de los cambios en los paradigmas culturales recientes (relativización del paradigma del libro impreso), o a partir de la irrupción de las nuevas tecnologías como herramientas creativas (samplers y loops que facilitan la deconstrucción de la voz para su uso como textura sonora o la escritura en código de la poesía digital[7]), así como de tradiciones subculturales en ascenso (hip hop-spoken word).

El territorio a explorar relacionado con la poesía experimental debe abarcar la reflexión acerca de las nuevas tecnologías, las herencias históricas y la noción de un presente constante. Pero, seguramente, también acerca de las estrategias de diseminación. De acuerdo con Loss Pequeño Glazier:

Charting the production and circulation of poetry is germane to any study of this art, because poetry’s circulation has always been related to its making. The same was true of poetry in the twentieth century, when its means of production and distribution was crucial consideration of writing.

Indeed, the rise of the little magazine and small presses, from hand presses of the fifties through the mimeo, Xerox, and offset production of the following decades, exemplifies not only poetry’s engagement with making, its mode of production, but also its means of dissemination.[8]

El “mapeo” de las confluencias de estas áreas se corresponde muy bien con una reflexión espacial como probable punto de partida.  Esta reflexión espacial podría tomar en cuenta, por ejemplo, el surgimiento del café como espacio social para la literatura en Europa, el cual abrió la posibilidad de que se dieran cambios en los cánones literarios hacia la modernidad. De forma equivalente, ¿los actuales cambios en los paradigmas literarios podrían propiciar el surgimiento de otras formas de experimentar espacialmente la aventura poética?

En su libro Poética del Café, un espacio de la modernidad literaria europea (Anagrama, 2007), Antoni Martí Monterde registra el surgimiento de los coffehouses a finales del siglo XVII en Londres y su llegada a Francia en el XIX. Al café podía entrar todo mundo, no como en la Corte, la Iglesia, los salones y la Universidad; es decir, funcionó como un espacio contra “la hegemonía discursiva del poder de la nobleza, la aristocracia y la corte”[9]. Para Jürgen Habermas, estos hechos significaron “una transformación estructural en la vida pública que se desarrolla en los espacios creados por y para la nueva ciudadanía”[10].

Monterde afirma que la apertura de estos establecimientos transformó los hábitos de lectura de su época, pasando de ser un acto doméstico, solitario, a una forma pública que transformaba la realidad. De acuerdo con Wolfgang Schivelsbusch, cuando el café se vuelve un establecimiento público especializado “actúa como un potente modificador, como creador de una nueva realidad”[11].

Según Monterde, el café se convierte en “un epicentro de noticias”[12] a la vez que en un lugar dónde estar al corriente de todo cuanto acontece en la ciudad. En los cafés el acceso al conocimiento de los acontecimientos y su escritura resultan determinantes para la configuración misma de los locales, pero también para conformar la idea moderna del espacio público y de la información. Además, estos establecimientos serán determinantes para el surgimiento de la crítica cultural y, finalmente, para la misma definición de literatura a través de la reinvención de un género, el ensayo. La información y la lectura se transforman recíprocamente con el café, al grado que los establecimientos comienzan a editar sus propias publicaciones o a aparecer otras relacionadas con la vida del café como The Tatler (1709) o The Spectator (1711) en Londres[13].

Esta herencia pasaría a Francia en el siglo XIX, incluido el papel que tendrían las publicaciones relacionadas con noticias, la crítica cultural y la narrativa por entregas, que no sólo eran comentadas en los cafés, sino que además estaban abiertas a la publicación de cartas de los lectores que visitaban los cafés y no, como antes, solamente para los miembros de las élites relacionadas con las publicaciones. Me parece que estas dinámicas pueden considerarse hoy día como antecedente de la lectura en la Web, desde los blogs hasta la publicación en línea de los mismos diarios tradicionales que ahora permite “postear” comentarios de los lectores en una interacción directa, ahora mucho más inmediata.

En otras palabras, si para Monterde, la aparición de un espacio público singular como el Café contribuyó a configurar los cánones letrados de los últimos siglos, acaso hoy el espacio virtual y su pantalla pueda ser visto como un equivalente del café, al menos en cuanto a la expansión de lo público, ahora como un espacio simplemente más rápido y a mayor escala. Si los actuales internautas equivalen a los parroquianos del café decimonónico, aún no podemos saber a dónde nos conducirán estos cambios.

De cualquier forma, quizá con Soja y Mesquita podamos trazar una topografía de los imaginarios poéticos relacionados con la visualidad, la oralidad escénica y la experimentación. Esta topografía del imaginario nos permitiría integrar diversas variables que entran en juego en la poesía experimental, más allá de la biografía unidimensional del performer, la formalidad de sus textos, la fugacidad de su escenificación o la sonoridad de sus verbalizaciones.

Regresemos a Mesquita. Si bien el texto sobre la exposición Cartografías pretende “debatir el rol del curador de arte contemporáneo, de cara a su institucionalización, como una marca de conocimiento y poder dentro del circuito contemporáneo del arte visual”, esta concepción del curador como cartógrafo permite flexibilizar igualmente las formas de acercarse a estas expresiones transdiciplinarias.

Although the exhibition’s title suggests maps, it does not refer to making of maps for crossing the geographical home territories of its artists. Nor does it propose to exhibit maps made by artists. It refers, in fact, to imaginary maps, based on the relationships and circuits that were established so that Cartographies might take place and that, in many ways, broke with the limits imposed by geopolitics and institutionalized relationships.[14]

¿Cómo explorar o cartografiar curatorialmente el reciente interés de ciertos creadores hacia la vinculación entre palabra e imagen, así como hacia la oralidad escénica y la ciberpoesía o poesía multimedia,  la poesía acción, el performance, la poesía sonora, la poesía visual, la polipoesía, la postpoesía, el spoken word, la poesía multimedia, etcétera?

Como ya se dijo, en muchas ocasiones, estos universos están relacionados de alguna forma con las nuevas tecnologías y con la exploración de distintos soportes emergentes en el cambio de los paradigmas literarios; cambios que abren la puerta a lo transversal. A su vez la reciente y progresiva relativización del paradigma del soporte del texto en la literatura ha abierto la puerta al retorno de la experimentación. Como dice Jorge Santiago Perednik, “la experimentalidad tiene conciencia del soporte y lo pone en juego, sobre todo alterando sus modos usuales. Incluso puede utilizar el libro de manera experimental[15]”.

Y si la experimentación transgrede géneros y disciplinas, una exposición que trate de estos temas podría acaso concebirse como una cartografía de territorios mentales, más que físicos, en palabras de Mesquita (“based on the relationships and circuits that were established”). Se buscaría representar aquellos territorios tradicionalmente separados pero que conforman trayectorias o recorridos por terrenos vinculados mental y artísticamente, aunque no institucionalmente, ni por circuitos de mercado preconfigurados (“broke with the limits imponed by geogpolitics and institutionalized relationship”). ¿“Mapas virtuales”?

Cartographies also refers to maps of the imaginary, for it sees the artists’ works as projections of their minds, concretizations of desire – a drive that is primal and previous to any form. The mind, in this case, is conceived as a vast prairie, from which the works emerge as landmarks of a territory under constant transformation[16].

Un mapa como el propuesto por Mesquita, podría servir de guía para atender ciertas características formales, como podrían ser el ruidismo, collage, onomatopeyas, simultaneísmo, optofonetismo.

Pero sobre todo, el mapa registraría la forma en que en la mayoría de las disciplinas artísticas se ha dado un acercamiento a la palabra y a la poesía. Deberá mostrar la tendencia a la transdisciplina, pero sobre todo deberá registrar cómo los poetas ven hacia la música, mientras que los artistas visuales miran hacia la literatura. Es decir, si los artistas son exploradores en territorios diversos, se deberá rastrear la forma en que estos exploradores miran hacia el otro lado de su “pradera”:

Today the curator accepts the non-existence of boundaries among the issues discussed by art production, and has transformed herself into a transnational citizen, responsible for a cartography of the dissolution of cultural frontiers[17].

Los campos culturales o disciplinarios se forman históricamente, pero el curador cartógrafo deberá transgredir esas fronteras partiendo del presente.

Dentro del campo formal de la literatura, tanto como dentro de las artes visuales, la música, el teatro, etcétera, se ha incursionado en la poesía experimental. Visto así, las trayectorias por cada territorio son estables, aunque cada vez menos. Dentro del primero, por ejemplo, se suele ubicar el inicio de la poesía experimental iberoamericana con Ramón Gómez de la Serna en 1909, a partir del esbozo de sus ideas vanguardistas con la conferencia “El concepto de la nueva literatura”, dictada en el Ateneo de Madrid. También se considera como punto de partida la traducción que el mismo Gómez de la Serna realizó del Manifiesto Futurista de Filippo Tommaso Marinetti, el cual dio pie al surgimiento del Ultraísmo como reacción al Modernismo.  Paralelamente, y también dentro del campo de la literatura, en México puede hallarse un antecedente de la tradición vanguardista de principio del siglo XX en la poesía visual de Juan José Tablada. En años recientes se ha reconocido por parte de la crítica convencional, es decir, incluso dentro del campo la literatura iberoamericana establecida, el trabajo de poetas menores de cuarenta años que dialogan solventemente con la tradición canónica, pero que parecen ofrecer una sensibilidad distinta, como son Julián Herbert y José Eugenio Sánchez, quienes igual publican libros que realizan videopoemas. Así como Luis Felipe Fabre, quién en 2010 escenificó coralmente, a la manera de un auto sacramental, su poema La sodomía en la Nueva España, que sería editado en 2011.

A su vez, la experimentación poética no sólo se ha dado desde el campo formal de la literatura, ya que algunos músicos han abordado la poesía sonora desde el campo de la música electroacústica, como por ejemplo Julio Estrada (vg, su obra HUM , 1999-2002), Víctor Manuel Dávalos, y Manuel Rocha. Así mismo, la poesía sonora ha sido trabajada mediante el camino inverso, es decir, desde el campo de la poesía que mira hacia lo sonoro, con Rocío Cerón, Carla Faesler, el poeta estridentista Luis Quintanilla con su poema IIIIUUUUU (1923) del libro “Radio. Poema Inalámbrico en Trece Mensajes” en donde el ruido del giro del dial del radio se reproduce onomatopéyicamente. Se trata de un poema inspirado en las noticias radiales transmitidas en la época. Por su parte, dentro de la tradición de la poesía fonética que cultiva la onomatopeya, cuasi dadaista, debe mencionarse el trabajo del poeta jalisciense Ricardo Castillo y quizá el trabajo vocal de Juan Pablo Villa (quien proviene más bien de la exploración sonora).

En las artes visuales, un antecedente lo encontramos en la poesía concreta de Mathias Goeritz en los años cincuenta  (vg, Pocos Cocodrilos Locos, realizado como mural de concreto en un edificio de la zona rosa desaparecido a causa del temblor de 1985). En los setenta Felipe Ehremberg exploró la poesía conceptual con Maneje con Precaución, donde describe los letreros que va encontrando en la calle. También en los setenta, el artista y poeta Ulises Carrión realizó poemas visuales y obras sonoras. Acaso también podríamos considerar el trabajo de Vicente Rojo con Octavio Paz en sus Discos Visuales (ediciones Era, 1968), y como parte de la tradición literaria, los Topoemas de Octavio Paz (ediciones Era, 1971). También debe reconocerse durante la investigación el trabajo de poesía experimental y visual presentado durante varios lustros en torno a las bienales de poesía organizadas por Cesar Espinosa, entre otros.

Por otro lado, en años recientes, fuera de la tradición de la literatura establecida, ha habido una proliferación de colectivos poéticos articulados no en torno a un manifiesto reivindicativo como en la época de las vanguardias de principio de siglo XX, sino a partir de la producción y la difusión colectivas del propio trabajo individual o colectivo con una actitud lúdica cercana a los colectivos roqueros, pero que parece contestar al establishment literario, buscando sus propios medios de diseminación de su producción.

No es aquí el lugar para glosar los extensísimos antecedentes históricos de la poesía experimental. Por ahora es suficiente recordar que parte de su característica es difuminar la estabilidad de las fronteras de los campos artísticos.

Hasta aquí vemos confluir a creadores de diversos campos artísticos, aunque relacionados con la llamada alta cultura. Pero también este mapa deberá contemplar las expresiones provenientes de las subculturas y de la cultura pop, así como a las expresiones populares, tanto urbanas como campesinas, por ejemplo, las tradiciones poéticas populares de origen rural como el son jarocho y el repentismo caribeño, o bien, el valor sonoro de la lengua original de la poesía indígena, que tendría que ser abordada no sólo como cultura popular o folclor, sino como arte actual.

Es decir, esta curaduría deberá juntar mundos no sólo de las tradiciones artísticas provenientes del universo culto, sino incluso otras que no habían sido consideradas afines a la experimentación poética[18]. Pero además, para superar una visión compartimentada, la cartografía deberá quizá buscar relacionar a las obras más allá de su campo original. Probablemente en ello radique la potencialidad del curador como descubridor-configurador de territorios o nuevos mundos:

She [the curator] is a professional collecting pieces, fragments of new worlds, parts of private worlds that make up artistic production. She points out sensibilities and conceptions, organizing groups of disordered signifiers and establishing directions and landmarks for a mapping of contemporary art[19].

Siguiendo a Mesquita, el mapeo de estos mundos deberá explorar las relaciones e interconexiones entre diversos territorios y praderas, tradiciones que el curador-cartógrafo deberá investigar para poder demarcar, registrar.

Pero si seguimos aun más a Mesquita, esta curaduría deberá permitir sobre todo al público trazar sus propios recorridos y construir su propio territorio desde el cual mirar y oír:

The exhibition therefore requires of the visitor the traveller’s disposition: a being with history and identity, guided by the senses through the territories he traverses and discovers. It proposes that each visitor transform himself into a cartographer and invents his own territory. For, by extension, it also intends to make explicit an attitude towards life: to be a traveller means to seek an almost permanent existence in the present, in constant displacement and in the condition of the eternal foreigner, with roots not in nationality but in those territories under the rule of desire, sensibility and knowledge. After all, it is of life we speak when we think about art[20].

El martes 30 de junio de 2009 el diario Reforma publicó una entrevista con Bob Stein, director  del Instituto para el Futuro del Libro, donde analizaba al libro como soporte y, en consecuencia, reflexionaba sobre el futuro del acto mismo de leer. Para Stein la idealización del libro como objeto de conocimiento durante tantos años, llevó también a sobrevalorar el acto de leer en solitario. Para él, en cambio, el ascenso de las nuevas tecnologías llevará a la humanidad a un tiempo cercano al de la invención de la imprenta: “Actualmente un libro representa el lugar en el cual se reúnen los lectores”. Stein agrega que “La lectura y el escritor van a convertirse en experiencias sociales. La lectura personal, en solitario, va a desaparecer. La lectura siempre fue una experiencia social”.

Si bien es evidente que Stein exagera, ya que difícilmente la lectura en solitario va a desaparecer, sí es posible prever que será complementada, cada vez más, por acercamientos colectivos. ¿Puede una curaduría cartográfica lograr convertir a la sala de exhibición en un equivalente multimedial, postdisciplinario, del café decimonónico, donde confluyan los lectores, los escuchas y los mirones?


[1] Mesquita Ivo, Cartographies, 1993

[2] Subrayado mío. Mesquita Ivo, Cartographies, 1993

[3] Mesquita Ivo, Cartographies, 1993

[4] Soja, Edward: Thirdspace, Journeys to Los Angeles and Other Real -and-Imagined Places, Malden Massachusetts, Blackwell Publishers Inc, 1996; p.10.

[5] Soja, Edward: Thirdspace, Journeys to Los Angeles and Other Real -and-Imagined Places, Malden Massachusetts, Blackwell Publishers Inc, 1996; p 11.

[6] Recordemos el misoneísmo inteligente de Christopher Domínguez Michael: “Entre mis defectos (neofobia, misoneísmo) está el aburrirme con lo que, pudiendo decirse en letra impresa, se dice de otra manera […] lo escrito inscrito está, letra tras letra, en blanco y negro, leído en silencio”. Aunque los rápidos procesos actuales han llevado a que este autor ya relativice sus propias fobias: “[…]lo cual no quiere decir que me atreva a declarar que esto o aquello ‘no es poesía’”, cf “Juguete viejo” en El Ángel, suplemento cultural del diario Reforma. Domingo 10 de julio del 2011, México DF; p.2.

[7] cf. Loss Pequeño Glazier: Digital poetics: the making of E-poetries, Tuscaloosa, Alabama, The University of Alabama Press, 2002.

[8] Loss Pequeño Glazier: Digital poetics: the making of E-poetries, Tuscaloosa, Alabama, The University of Alabama Press, 2002; p.2

[9] Martí Monterde, Antoni: Poética del Café, un espacio de la modernidad literaria europea, Barcelona, Anagrama, 2007; p48.

[10] Habermas, Jürgen: Historia y crítica de la opinión pública La transformación estructural de la vida pública, (Barcelona, Gustavo Gili, 1981; p 79) en Martí Monterde, Antoni,Poética del Café, un espacio de la modernidad literaria europea. Anagrama, 2007. p.48.

[11] Schivelbusch, Wolfgang, Historia de los estimulantes (Barcelona, Anagrama, p.88), en Martí Monterde, Antoni,Poética del Café, un espacio de la modernidad literaria europea. Anagrama, 2007. p.43.

[12] Martí Monterde, Antoni,Poética del Café, un espacio de la modernidad literaria europea. Anagrama, 2007. p.43.

[13] “En el Lloyd’s Coffehouse el precio de una taza de café otorgaba el derecho a conversar con cualquier otra persona que estuviese en el local […], pero hay que insistir en que este cruce de información se acentuó con la costumbre de leer en sus mesas el Lloyd’s News, el periódico de la compañía, la primera publicación estable de una coffehouse londinense, precedente directo de los primeros opúsculos y publicaciones más o menos estables que solían editar los grandes Cafés europeos, y, sobre todo, de la costumbre de leer la prensa en los Cafés, que pronto ocuparía anaqueles junto a la barra, a disposición del público.” Martí Monterde, Antoni: Poética del Café, un espacio de la modernidad literaria europea, Barcelona, Anagrama, 2007; p.44.

[14] Subrayado mío. Mesquita Ivo, Cartographies, 1993

[15] Perednik, Jorge Santiago: Entrevistas. Poesía, filosofía, sociedad, Argentina Tres Haches, 2009.

[16] Mesquita Ivo, Cartographies, 1993

[17] Mesquita Ivo, Cartographies, 1993

[18] “[…] the curator does not follow any sort of set protocol or any a priori definition, for his work is born from the observation of transformations he perceives in the territories he traverses. What he seeks is to place himself in the adjacency of these transformations, a position that will allow him to participate in the dynamic nature of the production of knowledge”, Mesquita Ivo, Cartographies, 1993.

[19] Mesquita Ivo, Cartographies, 1993

[20]Subrayado mío.  Mesquita Ivo, Cartographies, 1993

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Colectivos Poéticos en DF

Posted by pachoj en marzo 22, 2011

Platicando con Daniel Malpica, me entero de la existencia de los siguientes poetas que pertenecen a diversos colectivos poéticos en la Ciudad de México:

Armando Ayala
Iván Cruz Osorio (Los disidentes)
Iván Ortega-López (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)
José Manuel Serrano (Devrayativa)
Luis Paniagua (Los disidentes)
Samuel González (Devrayativa)
Aurelio Meza (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)
Eduardo de Gortari (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)
Eliud Delgado (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)
Inti García
Rafael Mondragón (Los disidentes)
Luis Arce (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)
Karina Falcón
Carlos Ricarte
Alberto Trejo (Los disidentes)
Yaxkin Melchy (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)
Alí Cuevas +
Manuel Serrano Rojas (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)
Luis Téllez (Los disidentes)
Anaís Abreu (Las poetas del megáfono)
Manuel de J. Jiménez (Red de los poetas salvajes)
Oscar Cid de León
Manuel Menéndez
Yaxkin Melchy (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)
Angélica González
Thália García (Red de los poetas salvajes)
Leopoldo Lezama (Los disidentes)
Roberto Cruz Arzábal
Sandino
Jorge Zúñiga
Nicole Delgado (Las poetas del megáfono)
Víctor Ibarra (Red de los poetas salvajes / Mancha)
Roberto Banda (Devrayativa / Red de los poetas salvajes)

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¿Iuspoética?: la poesía como ley cosmogónica

Posted by pachoj en diciembre 1, 2009

Presenté a Manuel de J. Jimenez en 2009, miembro de La Red de los Poetas Salvajes. Él llama a su trabajo como iuspoética (hibridación de la jurisprudencia y la poesía),

Para Manuel, la iuspoética es poesía del “delirio institucional” o “la rama del derecho que estudia la poesía como ley cosmogónica”, o en su caso, “el derecho de incorporar en la poesía formas jurídicas”.

Su trabajo consistió en piezas sonoras, piezas audiovisuales y lectura tanto presencial como en voz en off de sus poemas. Él se presenta vestido de abogado o de funcionario público: pantalón negro, camisa blanca, corbata y garete: bsuca generar una atmósfera mecanizada, burocrática y de oficina, con sonidos propios de una oficina mezclados con el viaje delirante del poema.

Durante la sesión, Manuel “redacta una demanda” en una maquina de escribir (la intención de la atmósfera también era crear una imagen retro). A su vez, el autor entregó al público parte de las “pruebas” de esa demanda (hojas con un fragmento de la demanda/poema). El autor trabajo con la colaboración de la artista visual, egresada de la ENAP, Dyana Llamas Galicia (Ciudad de México, 1986).

Manuel de J. Jiménez (México D.F., 1986) Estudió Derecho en la UNAM, trabajó en la editorial de la Facultad de Derecho de la UNAM y en CEID ediciones. Ha participado en los festivales de poesía Ecos III y Subterráneo. Es director de la revista de literatura Trifulca. Publicó el poemario Los autos perdidos: expediente previo (Red de los poetas salvajes, 2008). Poemas suyos han aparecido en Metrópoli, Punto en Línea de la UNAM, Ruleta China, entre otras revistas. Pertenece a la Red de los poetas salvajes, un muestrario de nuevos poetas mexicanos que pretende proyectar la poesía a diferentes ámbitos.

Otros miembros del La Red de los Poetas Salvajes, es Yaxkin Melchy,con su poesía-performance.

Otros colectivos que programé en 2009 fueron Las Poetas del Megáfono (con un Carnaval Poético), así como el colectivo Devrayativa (donde milita Daniel Malpica) y el colectivo Motín Poeta, que presentó un diálogo visual y sonoro con composiciones corporales.

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PocosCocodrilosLocos

Posted by pachoj en diciembre 1, 2009

Como parte de la tradición de la poesía sonora-arte sonoro, presenté a Manuel Rocha en 2009. Aquí una muestra de su intervención al poema visual de Mathias Goeritz POCOS COCODRILOS LOCOS. Manuel no se presentó arriba del escenario, sino en medio del foro, entre los asientos del público, manipulando su computadora dentro de una sonorización especializada en 360 grados.

 

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Confabulario intervenido

Posted by pachoj en noviembre 30, 2009

En 2009 encargué al músico Alonso Arreola que realizara una pieza en homenaje a su abuelo Juan José Arreola, utilizando sus acervo familiar de archivos sonoros, visuales y textuales originales de su abuelo. El resultado fue visita transgeneracional al trabajo de Juan José Arreola, con un Confabulario Musical con invitados especiales como Nicolás Alvarado, Jaime López y Fernando Rivera Calderón a partir de secuencias y samplers.

La pieza utilizó grabaciones originales de Juan José Arreola editadas por la UNAM en su colección Voz Viva de México, lo mismo que con otras de Editart registradas en estudio al lado del poeta Eduardo Lizalde, y en vivo desde la Casa Lamm.

Alonso utilizó también rarezas nunca antes escuchadas, entre las que se cuentan fragmentos de una partida de ajedrez entre Arreola y amigos como Homero Aridjis y Enrique Rocha, encuentros de ping pong, momentos familiares y una conversación inédita con el escritor argentino Jorge Luis Borges. Además, se sumaron algunos materiales fílmicos

Acompañado en la batería por su hermano José María Arreola, en las guitarras y teclados por Alejandro Otaola y Gerardo Rosado, en el saxofón por Daniel Zlotnik, y cobijado por la participación de amigos músicos y escritores como Jaime López, Fernando Rivera Calderón y Nicolás Alvarado, Alonso exploró la obra de su abuelo con improvisaciones y piezas compuestas para la ocasión.

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La muerte del periódico impreso

Posted by pachoj en julio 16, 2009

Desde hace cuatro años por lo menos se especula sobre la muerte de los diarios impresos y hoy existe en la Web una página dedicada a monitoriar este progresivo declive llamada Newspaper Death Watch, Crhonicling the Decline of Newspaper and the rebirth of Journalism

La página es ditada por Paul Gilling, quien lleva más de 25 años en el periodismo, 17 de ellos dentro del periodismo tradicional pero desde 1999 en el digital. Se declara amante del periodismo impreso, aunque asume la crisis actual que padece y se acelera. Por ello, escribe:

“Ultimately, this painful decline will give birth to a new model of journalism built upon aggregation and reader-generated content. I’m an optimist, and I think the new journalism will be better in many ways than what preceded it. It’s just that getting there is going to hurt a lot.”

Paul Gilling tiene dos libros pulicados, uno de ellos llamado The New Influencers, que es sobre los cambios dentro del mercado inducidos por el auge del blog y el podcast.

Una síntesis de su pensamiento puede hallarse en su artículo the new kind of journalism that will emerge online . Publicado en noviembre de 2007, lo que escribe parece ya evidente para todos nosotros, pero sigue siendo un interesante documento histórico:

“Journalism changed forever starting in early 2004. At that time, there were about a million people worldwide writing the online personal diaries called blogs.  There was no MySpace, no Facebook, no Digg and no YouTube. Apple’s iPod had sold less than a half-million units. The Internet was emerging from a two-year hangover.  Few people saw the explosive changes that were about to take place.

Three years later, the online world is a very different place. More than 100 million people have created blogs, and a third of them update their blogs regularly. MySpace is so embedded in the psyche of America’s teens that nearly everyone under the age of 18 has an account. More than 65,000 videos are uploaded to YouTube every day. New services like Twitter and Jaiku allow ordinary citizens to publish information globally using cell phones. In the summer of 2007, prominent blogger Robert Scoble wrote of learning about an earthquake in Mexico on Twitter an hour before it was reported in the news media.

The media has called this phenomenon Web 2.0, but it’s basically a revolution in personal publishing. For the first time in history, ordinary citizens have the means to publish to a global audience cheaply and easily. Journalism will never be the same.”

En relación con el paradigma de las publicaciones de revistas y periódicos relacionadas con la vida del Café, mencionados en el post anterior, Gilling comenta:

“If the published story contains an error, there is little that can be done about it. A letter to the editor or a correction may show up several days later, by which time most readers have forgotten the original story anyway.  If the story is picked up by a wire service, the error is picked up as well.”

En contraste, agrega,las posibilidades de Internet han llevado a superar las limitaciones de la prensa unilateral:

“However, many of the structural limitations of traditional media are now gone. Information is plentiful, the tools of online publishing are cheap and the networks to deliver information are fast and reliable. There is simply no reason to continue doing things the way we have done them.”

Finalmente, Gilling matiza su entusiasmo acerca de la horizontalidad potencial de la prensa en Internet:

“Some people refer to this new approach to newsgathering as citizen journalism.  This concept has drawn skepticism and even derision from the mainstream media, who argue that ordinary citizens lack the skills needed to produce well-structured, impartial accounts.  They’re right, but they miss the point. Citizen journalism is not about replacing reporters with ordinary citizens; it’s about supplementing the work of professional journalists with the newly accessible observations and insights of interested people. The result of this interaction is a new brand of journalism that is more comprehensive, accurate and reflective of the varied needs of the readership than the model that was constrained by the limitations of print and broadcast media”.

Su entusiasmo debe relativizarse aún. Por ejemplo, los recientes acontecimientos en China e Irán han hecho más que evidente para todos los peligros, manifiestos y potenciales, que Internet representa en cuanto a la censura desde los gobiernos y las corporaciones.

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Leer en un Café

Posted by pachoj en julio 16, 2009

Antoni Martí Monterde revisa en su Poética del Café, un espacio de la modernidad lietararia europea (Anagrama, 2007) cómo el surgimiento de los Coffehouses a finales del siglo XVII en Londres transformó las formas de leer, pasando de ser un acto doméstico, solitario, a una forma pública que transforma la realidad. Cuando el Café se vuelve un establecimiento público especializado “actúa como un potente modificador, como creador de una nueva realidad”.

Para Monterde el Café se convierte en “un epicentro de noticias” a la vez que en un lugar donde estar al corriente de todo cuanto acontece en la ciudad. En los Cafés el acceso al conocimiento de los acontecimientos y su escritura resultan determinantes para la configuración misma de los locales, pero también para conformar la idea moderna del espacio público y de la información. Además, estos establecimientos serán determinantes para el surgimiento de la crítica cultural y, finalmente, para la misma definición de literatura a través de la reinvención de un género: el ensayo.

La información y la lectura se transforman recíprocamente con el Café, al grado que los establecimientos comienzan a editar sus propias publicaciones o a aparecer otras relacionadas con la vida del Café como The Tatler (1709) o The Spectator (1711) en Londres:

“En el Lloyd’s Coffehouse el precio de una taza de café otorgaba el derecho a conversar con cualquier otra persona que estuviese en el local …, pero hay que insitir en que este cruce de información se acentuó con la costumbre de leer en sus mesas el Lloyd’s News, el periódico de la compañía, la primera publicación estable de una coffehouse londinense, precedente directo de los primeros opúsculos y publicaciones más o menos estables que solían editar los grandes Cafés europeos, y, sobre todo, de la costumbre de leer la prensa en los Cafés, que pronto ocuparía anaqueles junto a la barra, a disposición del público.”

A partir de entonces los Cafés se multiplicarían en Londres, con su significado “democrtizador” en cuanto a que podía entrar cualquier persona, hasta ser opacados por el auge de los pubs, los clubes (donde no puede entrar cualquiera, sólo sus miembros) y la implantación de la costumbre de la hora del té a mitad del siglo XVIII. Sin embargo, esta herencia pasaría a Francia en el siglo XIX, incluído el papel que tendrían las publicaciones relacionadas con noticias, la crítica cultural y la narrativa por entregas, que no sólo eran comentadas en los Cafés, sino que además estaban abiertas a la públicación de cartas de los lectores en general, al menos los que visitaban los Cafés, y no solamente para los miembros de las élites relacionadas con las publicaciones anteriores (para Jürgen Hebermas, un cambio estructural en contra de “la hegemonía discursiva del poder de la nobleza, la aristocracia y la corte”).

Monterde agrega: “todo ello determina que la escritura gestada en esta estratificación de la vida del Café se convierta en un barómetro de su alma ciudadana y exprese sus múltiples facetas”.

Aquellas publicaciones vinculadas con la vida en el Café (donde además eran comentadas, provocando una gran resonancia que llegaba incluso hasta los propios editories), dinamizaron la lectura como una plaza pública en sí misma, en contraste con las publicaciones cerradas de la Corte, la Iglesia y la Universidad.

Acaso estas dinámicas fueron el antecedente histórico del rol que actualmente tiene la lectura en la Web, desde los blogs hasta la publicación en línea de los mismos diarios tradicionales que ahora permite postear comentarios de los lectores en una interacción directa, ahora mucho más inmediata.

Esto debería cambiar el ánimo de los apocalípticos y denostradores de las nuevas tecnologías, en relación a la lectura como un acto solitario. Nada nuevo bajo el sol, más bien se trataría de un cambio de paradigma que podría aparecer como un regreso, simplemente más rápido y a mayor escala.

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Café de Nadie

Posted by pachoj en julio 14, 2009

Me encnotré con esta anécdota célebre en el libro de Germán List Arzubide El movimiento estridentista:

“Una noche lamida por la llovizna, Maples Arce salió en recurso de un lugar cordial para su pensamiento; iba por la avenida Jalisco, cuando al pasar por una puerta sintió la soledad de un establecimiento que lo invitaba a pasar; penetró, saludó seguro de que no había ninguno que le respondiera y se sentó a la mesa; luego fué a la pieza siguiente donde en una cafetera hervía el zumo de las noches sin rumbo y se sirvió una taza; regresó a su mesa y bebió en el tiempo su café. Al concluir, regresó la taza a su sitio, puso en el contador el precio que solicitaba la tarifa y  se marchó. Había descubierto el Café de Nadie.”

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La lectura como acto social

Posted by pachoj en julio 1, 2009

El martes 30 de junio el diario Reforma consigna las declaraciones de Bob Stein, director delInstituto para el Futuro del Libro, donde expresa sus perspectivas acerca de lo que le depara al libro como soporte, pero también al acto de leer.

Relativiza la idealizción que durante tantos años ha sufrido el libro como objeto de conocimiento y en consecuencia el encumbramiento del acto solitario de leer. Como hemos reiterado aquí tantas veces, afirma que el ascenso de las nuevas tecnologías llevará a la humanidad a un tiempo cercano al de la invención de la imprenta:

“La lectura y elescritor van a convertirse en experiencias sociales, la lectura personal, en solitario, va a desaparecer. La lectura siempre fue una experiencia social. En el siglo 16 los libros eran caros y si querías comprar un libro mandabas a tu escribano a copiar una obra y nunca la copiaba igual y ahora han regresado estas ideas”.

Yo no creo que el acto solitario de leer desaparezca, simplemente se verá complementado con el ejercicio colectivo.

Bob Stein revisó también la lectura actual como acto en varios niveles que mezlcan el video, las fotos, el sonido y el texto.Temas que hemos explorado en varias entradas de este blog bajo la categoría de “literatura”.

“Actualmente un libro representa el lugar en el cual se reúnen los lectores”, escribe Stein, y recuerda que antiguamente los libros tenían ámplios márgenes y ello permitía escribir notas en ellos.Algo así como la posibilidad de hacer comentarios a los textos que uno lee en blogs o publicaciones en el Internet.

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Nueva Poesía

Posted by pachoj en mayo 17, 2009

Hoy aparece la segunda parte del reportaje sobre poesía de jóvenes en La Jornada, nota firmada por Erika Montaño Garfias: “Nueva Poesía en México.Seis poetas jóvenes demuestran que no existe sequía creativa”

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Consignan a poetas que se rpesentaron en Casa del Lago el mes pasado: Anäis Abreu de 27 años, perteneciente a los poetas del megáfono, a Daniel Malpica, que es un descubrimiento de Casa del Lago hace tres años, Manuel de J. Jimenez, de 23 años, Ivan Cruz Osorio, Christian Peña, Oscar de Cid León.

Nuevamente no hablan del peso que tiene en ellos el acto performático, como si su trabajo fuera exclusivamente textual.

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Reportaje sobre poesía

Posted by pachoj en mayo 12, 2009

Hoy aparece un reportaje sobre la poesía emergente acutal en La Jornada, batante bueno: “Alentadora irrupción de nueva estirpe de poetas.Es un fenómeno vigoroso, pleno de ímpetus, dicen expertos”

Mencionan a Casa del Lago y sus ciclos Poesía en Voz Alta, así como el de ECOS que presentamos anualmente. Sólo nos refieren como actividades cercanas a las nuevas generaciones, pero no como espacios transdisciplinarios ni experimentales:

Otra persona que ha estado muy cerca de este cambio generacional es José Luis Paredes, director de la Casa del Lago, donde se realizan, por ejemplo, los encuentros Poesía en Voz Alta y Ecos.

Al respecto, destaca: Veo gran coraje, un gran ímpetu que justamente los lleva a buscar, explorar, visitar terrenos, elementos o recursos no muy frecuentes en el territorio literario establecido. No necesariamente apelan a recursos nuevos en términos de la poesía experimental, puesto que las vanguardias, la experimentación en Hispanoamérica fue muy diversa, muchas cosas que hoy buscan los chavos no necesariamente son nuevas, pero sí creo que llegan ahí por sus propios caminos.”

El reportaje es muy bueno, pero distante de lo que pretende enunciar, canónico, su visión es desde el establishment lietarario. Acaso por eso alguno de los entrevistados como Ricardo Yañez considere que impera la confusión. Tampoco hablan de oralidad o poesía escénica y las nuevas tecnologías aparecen sólo como sustitutas de las viejas estrategias editoriales, no cmo herramientas expresivas.

Incluye varios links que vale la pena visitar, como el blog de poetica arbitraria, así com textos Christian Peña o Camila Krauss

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El canto cardenche y la tradición de las vanguardias

Posted by pachoj en diciembre 2, 2008

Juan Pablo Villa proviene de la tradición del canto experimental.Además de trabajar su mediante técnicas contemporáneas de canto, él ha incorporado técnicas tradicionales del canto cardenche de la zona de La Laguna del norte de México. Un canto que está a punto de desaparecer.

Lo programé en 2007 como parte de la poesía sonora y la experimentación vocal, ya que lo considero inserto, en cierta forma, dentro de la tradición experimental de las vanguardias de principio del siglo veinte.Volví a programarlo en 2008.

El siguiente video es de su participación en PVA en el año 2007, con la ayuda de un proyector de cuerpos opacos.

Juan Pablo Villa

Cantante y compositor que, desde hace 10 años y sobre todo los últimos tres, se ha dedicado a la investigación y exploración vocal por medio de la improvisación libre, técnicas vocales contemporáneas poco convencionales. Es, sin duda, un referente en México de lo que a exploración y expresión vocal se refiere. Ofrece conciertos en los que, con la voz como instrumento pilar, un procesador multipistas y diversos objetos, va creando un caleidoscopio de posibilidades vocales que generan un paisaje sonoro irresistible y sorprendente.

Como compositor ha trabajado con Apoc Apoc, compañía de danza dirigida por Jaime Camarena, en la creación y grabación de la música para la coreografía La fiesta de los bárbaros (2008); en la creación y grabación de la cortinilla de entrada de la serie De raíz Luna, creado y conducido por Mardonio Carballo para Canal 22 (nominada como mejor música original en Pantalla de Cristal, 2008).

Se ha presentado en diversos festivales nacionales e internacionales, entre los que destacan, Poesía en Voz Alta (2007 y 2008), Festival Ollin Tlalpan Jazz (2007 y 2008), FAOT (2008), Festival Internacional de Puebla (2008), Feria de San Marcos (2007); los festivales GREC y LEM (2008) de Barcelona, CROMA (2008) de Villadecans, Cataluña; así como en los museos MUAC (2008) y El Eco (2007 y 2008) de la Ciudad de México.

Ha tomado cursos de improvisación y exploración vocal con Fred Frith, Jöelle Leandre, David Moss, Shelley Hirsch, Joan LaBarbara, Nicholas Isherwood, Hebe Rosell, Alejandro Campero, Gilberto Ávalos y en el Roy Hart Theatre.

Ha participado con artistas de la talla de Shelley Hirsch, Germán Bringas, Mario de Vega, Hernán Hecht, Iraida Noriega, Vientos y Lugares, Cabezas de Cera, Raúl Fernández “Refree”, Fernando Vigueras, Muna Zul, Mardonio Carballo, Alejandro Ramírez Corona, Agustín Meza, San Pascualito Rey, Fratta, Monocordio, Tareke Ortiz y Eugenia León.

Actualmente ofrece conciertos del proyecto La gruta de baba (improvisación libre y canciones cardenches) en los que con la voz como instrumento eje, objetos y un procesador multipistas, va creando un caleidoscopio de posibilidades vocales que, en su sutil sucesión, generan un paisaje sonoro.

Las sesiones de PVA.07 incluyeron la presentación de los siguientes poetas: Luis Bravo (Uruguay), Juan Gelman y César Strocio (Argentina), Gwenaëlle Stubbe (Bélgica), Arnaldo Antunes (Brasil), Harryette Mullen (E.U.), Shigeru Matsui (Japón), Shamshad Khan (Gran Bretaña), Logan Phillips y Moisés Regla (E. U y México), Mardonio Carballo, Sociedad Acústica de Capital Variable, Carlos Tachisavi (México), entre otros.

Las asesiones poéticas se llevaron a cabo a las 19:00 horas, los días jueves 27 de septiembre, 4 y 11 de octubre, y sábados 29 de septiembre, 6 y 13 de octubre (día de la clausura). Incluyeron conferencias magistrales, mesas de debate y una sesión especial de slam poetry.

 

 

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e-books en la Feria de Francfort

Posted by pachoj en octubre 18, 2008

De acuerdo a una nota del 15 de octubre de la agencia DPA, en la versión 60 de la Feria del Libro de Francfort ha predominado el libro electrónico (e-books).

“Entre ellos figuran Kindle, del gigante Amazon, y Reader, de Sony. El fabricante japonés anunció hoy en Francfort que su primer dispositivo de lectura digital saldrá a la venta en Alemania, en la primavera de 2009. Desde hoy y hasta el domingo se congregan allí 7 mil 373 expositores de 100 países y más de un millar de autores, entre los que destacan los premios Nobel Günter Grass y Orhan Pamuk. Sin embargo, todo queda eclipsado por el libro electrónico.

En los años recientes, Francfort se convirtió en una amplia plataforma en la que ya no se comercializan sólo títulos, licencias y traducciones del sector editorial convencional, sino que incluye guiones cinematográficos, tiras cómicas, software para aprendizaje de lenguas, y fonolibros.

Los expertos manifestaron hoy su acuerdo en que el avance digital es imparable y en los próximos años la nueva generación de libros electrónicos trastocará totalmente el mercado. Así, en 2009 podrán adquirirse en el mercado desde clásicos de la marca iRex hasta un minúsculo dispositivo móvil, el Readius, de Polymer Vision. Este último pesa sólo unos 100 gramos y permite elegir entre diferentes pantallas para visualizar el texto. A él se suman las nuevas generaciones del i-Phone de Apple, que ya tiene incluido el software para el e-book.

Todos esos aparatos tienen pros y contras. Kindle permite descargar contenidos de manera directa mediante un módulo celular; sin embargo, el software del libro sólo puede comprarse en Amazon y leerse con Kindle.

Otros fabricantes, como Sony, han optado por un “formato abierto”: todos los libros electrónicos funcionan en todos los aparatos.

Además de los detalles técnicos, en lo que respecta a los e-books quedan muchas otras cuestiones por cerrar, como la forma de los dispositivos y la rigidez de la seguridad anticopia.

El experto Christoph Bl’si, de la Universidad alemana de Erlangen-Nuremberg confía en la ‘coexistencia pacífica’ de ambos formatos”.

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Oralidad multimediática

Posted by pachoj en mayo 11, 2008

Juan Villoro establece una analogía entre las tradiciones premodernas africanas y las formas narrativas en la Web 2.0. Sin extenderse en el tema, insinúa conocer los ejercicios internáuticos de narrativa colectiva, descubriendo analogías entre prácticas antigüas y modernas, muy en el sentido de aquél oximoron de la antigüedad multimediática.

Todo esto a partir de un mal entendido, según cuenta en su columna en el diario Reforma del 9 de mayo pasado.Con su buen humor acostumbrado, Villoro se pregunta:

>>¿Hasta dónde lo atávico coexiste con lo nuevo? Ciertos malentendidos aclaran la realidad y uno de ellos me permitió un acercamiento insólito a internet. Me presentaron a un escritor negro que hablaba francés y había errado por varios países en busca de refugio. Como mi francés es deficiente la conversación progresó entre lagunas de incomprensión. Creí entender que era un “autor de chat”. Me pareció interesante que las nuevas tecnologías determinaran la forma de su escritura. Me habló de la oralidad y el sentido tribal de la narración, la polifonía de voces que se mezclaban en la página. Pensé que, en efecto, los usuarios conectados en la red representan una comunidad que reclama un testimonio múltiple. La red como fogata virtual donde los peregrinos cuentan sus historias.>>  

El mal entendido de Villoro disparó su imaginación y articuló analogías deliciosas entre las tradiciones “premodernas” de África (vease la tradición oral afroamericana) y el ciberespacio:

>>El escritor (africano)  habló de la polifonía y las tradiciones de su país, que privilegian el relato colectivo. Puesto que internet es un espacio deslocalizado, que reúne a gente dispersa, le pregunté si registraba testimonios francófonos ajenos al dominio africano. Entonces me vio como si yo fuera un marciano y volvió a explicar todo desde el principio: ¡no era un autor de chat sino de Chad! La oralidad a la que se refería no era resultado de una nueva tecnología sino de una arraigada tradición.>>

Chad, el miserable país africano, donde la tradición oral es un referente cotidiano. Versus, el chat, donde los canones escriturales se ven pervertidos en relación a diferentes niveles de discurso, el visual de las fotos, el auditivo de los archivos de audio, los audiovisuales por los videos, etc.

Por todo esto, podemos decir que la oralidad vuelve, vinculada a la experiencias escénica y a los recursos multimediáticos, generando Lecturas a la deriva, y Poesía en voz alta, parecido a lo que hicieron los dadaístas con su poesía sonora, o como se puede ver hoy en los actuales archivos del Periódico de Poesía.

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Linthon Kwesi Johnson

Posted by pachoj en mayo 3, 2008

Linthon Kwesi Johnson se presentó con su dub poetry en Poesía en Voz Alta.06. Incluso dio una conferencia muy interesante. Aquí un video de su trabajo en un club de NYC:

A su vez, los programas de POESIA EN VOZ ALTA están en los archivos de la página oficial de la CASA DEL LAGO: P.V.A.05, P.V.A.06, P.V.A.07

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Pantalla vs pantalla: el iTunes vs DVDs físicos

Posted by pachoj en mayo 3, 2008

Y ahora, el turno para las pelis. ¿El soporte físico en dvd pasará a la historia?. iTunes sigue rigiendo este proceso tal como lo hizo en la música a principio de siglo con la invención del iPod, presentado públicamente  el 23 de octubre de 2001, pocos días después del atentado a las torres gemelas (para información sobre la invención del iPod, puede verse este delicioso libro The Perfect Thing: How the iPod Shuffles Comerce, Culture, and Coolnes, de Steven Levy, que ya se ofrece en Amzaon en su versión para Kindle).

Así, el kindle en la literatura y el iTunes para el cine, comienzan a acelerar el proceso que ya sufrió la música respecto de la generalización del uso de soportes alternos para su consumo. Un proceso que en el caso concreto del iPod ha transformado nuestra manera de escuchar la música, como bien documenta el libro de marras.

Apenas hace cinco años comenzó la venta de canciones por iTunes. Ahora, de acuerdo con el diario El País:

“El soporte físico de las películas corre serio peligro tras el anuncio hecho por Apple el jueves. El gigante informático y 11 grandes estudios sellaron un pacto para que las películas salgan a la venta al mismo tiempo en DVD y en el servicio de venta de contenidos culturales de Apple, iTunes. Las implicaciones de algo así son enormes. Están en juego el futuro del negocio del cine, cómo consumiremos las películas (y por tanto la pervivencia de las salas) y también la misma existencia de los videoclubes”

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Papel v.s. pantalla

Posted by pachoj en mayo 1, 2008

En El País aparece el artículo “Penguin lanza seis novelas digitales concebidas para la Red”. La industria editorial sigue desvelándose para hallar la manera de aprovechar la Red y “superar” el soporte físico en papel para sus productos:

>>”Ha sido un reto interesante y complicado, porque los escritores no estaban muy familiarizados con el lenguaje de los videojuegos. El objetivo era relatar las historias de forma que pudieran funcionar exclusivamente en Internet, que no pudieran existir en papel. Por ello, el equipo de diseñadores y programadores trabajó con los autores desde el principio y durante todo el proceso. No se trataba de coger un relato y adaptarlo para Internet, sino de crear obras totalmente inéditas, escritas para un medio interactivo”, explica Adrian Hon, director artístico del proyecto, responsable de la “arquitectura de la historia”, diferente para cada obra.>>

 Al parecer, los resultados son aún erráticos:

 

 >>El difícil reto de trasladar el libro a la pantalla

La editorial británica Penguin realiza un nuevo intento de trasladar la experiencia de lectura en papel al ordenador. Hasta ahora las vías han sido fundamentalnente dos: crear el soporte (el libro de papel convertirdo en una especie de PDA, como es el caso de e-Reader y el reciente Kindle de Amazon) o crear obra original para el soporte electrónico (la escritura directamente en la máquina). Es el caso de los libros de Penguin en la web o el ya lejano -y fracasado- del escritor Stephen King de crear un novela en Internet (Montando la bala, 2001) que se escribía a medida que el lector iba pagando por sus capítulos. Ninguna de las dos estrategias ha convencido, de momento, al lector.>>

 Si el Kindle no evoluciona hacia un soporte más amigable, como comentamos ya en Misoneísmos y la pérdida del aura libresca, no lograrán superararse las múltiples contradicciones de este proceso.

Hoy en la comida José Emilio Pacheco señalaba cómo resulta fatigoso leer novelas largas en la pantalla, a la vez que es imposible imprimirlas por lo caro del papel bond y la tinta de una impresora doméstica, además de lo poco compacto y funcional que resulta archivar copias tamaño carta en comparación con el libro, “uno de los inventos tecnológicos para almacenar información más sofisticados en la historia”, solía insistir José Emilio cuando me daba clases.

Así, tanto los ativistas como las editoriales corporativas buscan, por un lado, conciliar las posibilidades multisemánticas de la Red con un supuesto “nuevo canon escritural”. Es decir, quieren lograr la convivencia (o hasta la complementaridad interactiva) entre los diversos niveles de lectura que permite el medio electrónico: el video, el audio, la imagen y los hipertexos. Algunas personas incluso hablan ya de una potencial sinestesia, que para mi gusto aún es una figuración de ciencia ficción; una fantasía que las nuevas tecnologías han potenciado. Recuerdo aquella emblématica revista de la contracultura digital o ciberpunki de los noventa, afincada en la post-beatnik bahía de San Francisco, llamada Mondo 2000 , la cual celebraba siempre las potencialidades sinestésicas dentro de los nuevos medios y que, como su nombre anticipaba, era la única revista que tenía fecha de caducidad: dejó de salir en el año 2000.

Así pues, hoy día ya es posible articular en los blogs los archivos de audio, los videos, las fotos, el texto y los comentarios de los lectores. No así en las novelas. Insisto: ¿qué habría pasado si Juan Vicente Melo hubiera escrito La Obediencia Nocturna, con sus partituras, en la época de Internet? Seguramente nada distinto, precisamente porque aún no se ha logrado fusionar los diferentes niveles de lectura, si es que ésto llegara a ser posible algún día.

Por otro lado, los técnicos buscan diseñar un soporte para la literatura equivalente al iPod para la música, que permita leer novelas clásicas sin que resulte agotador leer en pantalla o que se añore el libro.

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Comida Pánica

Posted by pachoj en abril 17, 2008

En un restaurante de Observatorio, un barrio popular, probamos bocadillos del siglo XVIII. Manchamanteles, chalupas, totopostles, huaxmole, chapulines con cacahuate (justo la receta que me hacen sólo a mí por ser viejo parroqiuiano), pepianes, moles y demás guisos autóctonos. Alejandro Jodorowski junto con sus hijos Brontis y el promisorio Adán se fascinaron con los chapulines de receta insólita (ya que, como dije, era una receta especial).

El ambigú poblano fue también un recuento de época. Brontis estudió en la misma primaria que yo en los años setenta y las invocaciones de su padre Alejandro aludían a personajes de antaño: a Gurrola, a Jaqueline (la mamá de Alisarín), a Luis G. Basurto. También evocó sus acciones performáticas del siglo pasado, Así Hablaba Zaraatustra, El Topo y tantas de las que oí hablar a mí madre, o bien, otras llanamente por mí desconocidas. Se entusiasmó con probables performances futuros (dijo querer “lavar” la “sangre” de Tlatelolco con helicópteros, pero no voy a anticipar aquí una idea tan chabacana).

Habló de tantos proyectos, en realidad concebidos al vuelo de la conversación de sobremesa. Estabamos Sergio Raúl Arroyo, Felipe, Lorena y José Wolffer. Recordó su paso por el teatro Fru Frú, y el Ángela Peralta. Le pregunté por el Teatro Blanquita, pero indiferente contestó que nunca llegó a actuar en ese sitio. En algún momento recordó sus intentos de mezclar la vangaurdia (0 la contrcultura) con lo que llamó cultura popular, pues, dijo, quiso hacer que la Tigresa actuara en una de sus obras. No lo logró…

Criticó al Dalai Lama por tener un Rolex obsequiado por Bush. El futbol le parece un juego homosexual donde todos intentan patear un balón que para él representa los “testículos” (por las bolas, huevón), con la intención de “penetrar” al adversario. A su vez, explicó,  el balón significa Jesús, de acuerdo a la numerología. Mientras que los toros serían para él un ritual fálico.

Como se ve, es un cerebro random estableciendo sin cesar asociaciones aleatorias a partir de sus archivos sobrealimentados de lecturas bíblicas, esoterismo, literatura, dramaturgia, cultura de masas, psicoanálisis e intenciones contraculturales provocativas, ahora convertidas en afanes curativos.

Mañana regresan a París, hoy es su última función en el Teatro de la Ciudad. A Adán no lo conocía, es músico, quedó de enviarme el link de su MySpace, posteriormente se llamaría Adanoswky, supongo que para enfatizar el vínculo filial. Es lo poco que pude saber de ellos, que no hablaron.

Imposible reproducir la charla delirante de Alejandro Jodorowski, su monólogo infranqueable. Se trata de una experiencia irreductible. No es lo que dice, sino cómo y quién lo dice. Un megalomaniático monumento conmemorativo de sí mismo.

Es indudable que el tiempo ha pasado y lo escandaloso o provocador inevitablemente tiende a volverse inocente.

Yo llegé tarde a la comida, distraido. Apenas me senté hice un comentario inocuo: Jodorowsky se encabronó, me dijo que lo único que yo quería era provocarlo y me ignoró el resto de la tertulia. Juro por Dios que no hablé en clave sediciosa, pero de nada habría valido externar mi juramento; además yo sí soy ateo. Me asumí ausente mas no invisible, pues de vez en vez me dedicaba mirandas oblicuas. Poco después, tan pronto como la ingesta poblana satisfizo los estómagos, fui indultado.

“Ya te perdonamos”, me dijo utilizando el plural con una dulce sonrisa en la mirada (el perdón consistió en que a partir de entonces me dejó intercalar algunos silencios).

Hace una década quizá que Braulio Pealta me mostró un comic psicomágico y me dijo “esto sí es contracultura”. A mí aquello me parecía ya más cercano a un new age churrigerseco.

Hay gustos para todo: Val, mi perspicaz gran amiga, opina que ser hoy fan de A.J. es ser un poser.

A mí, en persona, me pareció divertido.

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Periódico de Poesía

Posted by pachoj en abril 13, 2008

En el Periódico de Poesía de la UNAM, pueden escucharse algunos audios de la edición 2007 de Poesía en Voz Alta .07

Muy recomendable es la sesión de Jazz Poetry que Quincy Troup dio en Casa del Lago.

La jazz poetry es un género que tuvo lugar a su manera en la época fundacional del centro cultural, según contó Gurrola en su conferencia en 2005, con lo que entonces se llamó Jazz Palabra.

Otro archivo de audio incluído en el Periódico de Poesía es el del trabajo del uruguayo Luis Bravo, de quien hablábamos en el post anterior, citando su investigación sobre la antigüedad multimediática y que también se presentó en 2007 con su poesía multimedática.

Hay un VIDEO de Juan Pablo Villa, a quien le tocó participar en Poesía en Voz Alta.06 con proyecciónes de gráfica realizada en tiempo real, pero cuyo trabajo normalmente cae más dentro del campo de la experimentación vocal.

Este periódico tambíen ofrece algunos tracks del disco de Urbe Probeta, del colectivo Motín Poeta, con Rocío Cerón, Mónica Nepote y Carla Faesler, quienes se presentaron igualmente en el festival internacional de Poesía en Voz Alta.06

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Sinestesia y lectura a la deriva

Posted by pachoj en abril 6, 2008

Para seguir con el tema de los cambios en los soportes literarios y musicales de acuerdo al post sobre la Pédida del aura libresca, comienzo con la idea de que el spoken word ofrece mucha mala poesía y puede ser tomado también como una moda trivial, como la mediatización de la oralidad por el mercado. Pero ya Christopher Domínguez comentó que siempre ha habido mala literatura, incluso mucho antes de la aparición de las industrias culturales, o de la televisión o de la computadora..

En esto parece coincidir Luis Bravo en su Antigüedad multimedática:

>>A quienes acusan a esta expansión (el spoken word y la oralidad poetica) de una democratización libérrima, señalando la existencia de discursos de escaso nivel expresivo, lo que es cierto, hay que recordarles que también la publicación en libro está atiborrada de este tipo de textos. De lo que se trata es de elegir, de saber elegir, y de educar en el gusto estético y en la historicidad del arte a las nuevas generaciones que, sin duda, se formarán cada vez más en este medio (los multimedia).>>  

Así pues, los diversos soportes tecnológicos de texto a lo largo de la historia (el pergamino, el códice, el libro, la pantalla telematica) son determinantes de la experiencia de lectura, pero no constituyen tampoco una garantía de calidad. En palabras de Luis Bravo:

>>Es evidente, como lo han señalado algunos especialistas de la lectura y la cultura escrita –como Roger Chartier en “Cultura escrita, literatura e historia”– que la forma en que se imprimen y se leen los textos incide en la resonancia de su significación. Así el pasaje de los rollos de la antigüedad a un nuevo formato hacia el siglo IV d.c., con los códices, y luego a partir de 1450 a la impresión mecánica de la imprenta, y ahora del libro impreso a la estructura electrónica, lo confirman.>>  

Ya hablando específicamente sobre los textos en pantalla, la descripción de Bravo podría aplicarse a la de los Blogs, de acuerdo con aquella discusión que tuvimos sobre el tema con Alberto Chimal que reporté en Sobre los blogs y los textos digitales. Para Bravo:

>>En los textos leídos en pantalla no sólo varía la estructura sino que al suprimirse la presencia del objeto impreso el lector está frente a una “representación del texto”. Su actitud y modos de recepción son mixtos pues estamos ante un lector-espectador-escucha-operador de textos a su vez polivalentes (lo lingüístico, lo iconográfico, lo sonoro). La multinealidad es la característica esencial del operador cibernético. Éste realiza complejísimas operaciones en pocos segundos, adoptando una serie de estrategias de aproximación simultánea. Se puede optar por lo gráfico, lo escrito, lo sonoro, por las imágenes en movimiento y se puede accionar más de una de estas variantes al mismo tiempo, haciendo de la lectura un espectáculo sinestésico. A la vez los hipertextos y los vínculos o links amplían la deriva de la lectura a grado sumo.>>  

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