Morente en Radical Mestizo, México DF

Ya hay videos de YouTube de Morente en la Plaza Santo Domingo. La calidad del audio pierde totalmente la potencia de aquella noche, pero se ve que son tomas desde celulares (la tribu del puglar).

 

Otro video más, con un  poquito mejor sonido, puede verse en la página del FIB

Goran Bregovic Mixteco y Enrique Morente cantando a Leonard Cohen en Df

Ayer fue la clausura del Festival de México en el Centro Histórico en la plaza Santo Domingo. El cierre correspondió a Radical Mestizo con Goran Bregovic tocando con una banda mixteca de Oaxaca. Una nota interesante sobre esta fusión pude verse en La Jornada.

Más información sobre Gorab en el Blog de Carlos Ramirez

 

El día anterior, sábado 26, tocó el turno a Enrique Morente con Omega, lo mejor que he visto en mi vida. guitarrasos con distorcionadores fondeando una voz abismal del cante jondo de Morente. Potencia total, mejor todavía que el disco original de Omega (1996) , que por cierto puede escucharse remasterizado y relanzado para su compra en la página del artista,que inclye un inverosimil track extra grabado en un concierto con Sonic Youth. 

Morente y detrás del cuñado de su hija Estrella Morente, Curro, que venía de personal manager A la derecha el ingeniero de sonido antes del concierto

En el camerino después del concierto, con  Paquete y Ángel Gabarre.

 

Morente tocó con “los mejores”, como lo dijo durante su conferencia en el centro Cultural de España:

Paquete, guitarra; Dvid Cerreduela, guitarra. Bandolero, percusión. Ángel Gabarre, coros y palmas. José Enrique Kiki (su hijo), coros y palmas. Pedro Gabarre “Popo”, coros, palmas y baile.

Durante la prueba de sonido

 

Lagartija Nick, el grupo punki granadino, estuvo conformado por los fundadores Antonio Arias (guitarra, voz y bajo) y Eric Jimenez (baterista original de la grabación origin al de Omega). Víctor Lapido, en la segunda guitarra eléctrica y Lorena Enjuto (esposa de Antonio) en el bajo.

Para notas periodísticas, véase La Jornada. La nota del Reforma también estuvo muy buena, escrita por María Eeugenia Sevilla, que sabe bastante de flamenco y ya conocía el disco de Omega desde antes, cosa rara para el DF. 

 Durante el concierto, foto de Eniac Martínez

Comida sin boda ni funeral

El domingo comimos con los “gorans”, charlamos de las dinámicas insospechables en que circula la información. De cómo Goran cambió la escena musical de México en 1995 con su disco Underground, a pesar de que no sonaba en la radio local pero sí en todas las fiestas en medio de un repertorio ya fuera electrónico o roquero, poniéndo a bailar a todos (¡bum bum bum!).

Épocas aquellas cuando Internet aún no rifaba como hoy, cuando la información circulaba subrepticiamente, incluso de maneras callejeras, como en el Tianguis del Chopo.Le relaté mi visita al Tianguis con Sinead o’Connor (que quizá contaré aquí alguna vez). Le hablé del son huasteco, del son jarocho, de la tambora sinaloense, de la música norteña y hasta de Nortec. En fin, de toda esa música que me sirvió para la investigación mediante la cual conceptualicé el taller con la banda de música mixe de Oaxaca desde hace varios años. Me pidió que le enviara copias a su país (vive entre París y Belgrado) o mp3 .

 

Hablamos también de  la situación turca respecto a la Comunidad Europea… De París y su cosmopolitismo ahora vuelto multiculturalidad. Comenté lo que alguna vez me dijo Manú Chao al respecto, es decir, de cómo el París cosmopolita de la primera mitad del siglo XX había desaparecido y lo que ahora imperaba era la multiculturalidad en los barrios bajos. De mi fascinación por las historias leídas sobre el Barrio Latino y cómo después de los ochenta los barrios interesantes son Barbés y Belleville. Sí, concluímos que ambas cosas, cosmopolitismo y multiculturalidad, son iguales pero completamente distintas, o sea, que ”cosmopolitismo es cuando tienes dinero, multiculturalidad cuando no”…

A la comida llegó Dobrina, una búlgara afincada en México desde su infancia. La conocí a nuestros 17, cuando apareció en una cena organizada por mi madre con sus alumnas de arte y quedé prendado de la misteriosa sonrisa búlgara, con quien ni siquiera hablé, y que así como llegó desapareció inevitablemente. Años después, en los noventa u ochenta, reapareció en la escena roquera, y nos hicimos amigos. Hoy casi nunca la veo, pero aquí la retraté con las coristas bulgaras de Goran, Ludmila Radkova -Trajkova y Daniela Radkova-Aleksandrova, con quienes se la pasó hablando búlgaro, lengua de un dulcísmo sonido(Dobrina es la del extremo izquierdo, obvio). Curiosamente también se comunicaba con los croatas en el mismo idioma, así que le pregunté y me dijo que eran muy parecidos.

El cantante y “baterista”  Alen Ademovic y el trompetista Bokan Stankovic de la banda para Bodas y Funerales.

Goran Bergovic en Radical Mestizo 08

Ayer fue la conferencia de prensa para el concierto de Goran Bregovic dentro de Radical Mestizo. Su trato es afable, sencillo. Reniega de la fama. Se siente afortunado de vender más de cinco millones de discos y que aún así nadie tenga un poster con su foto en la recamara. Desde muy jóven era famoso en su pais, pero siempre ha tenido que enseñar su gafete para entrar a sus conciertos, pues los guardias no lo reconocen. Es ciertamente una fama afortunada, sin el vértigo de las miradas y acosos callejeros.

Vino con la formación más pequeña. La Orquesta Para Bodas y Funerales, conformada esta vez por dos coristas bulgaras, un cantante percusionista y seis metales; mezclando sonidos indostánicos, del kwäli sufi, armonías vocales búlgaras y tradiciones croatas y gitanas, con sus sobrios pero asertivos rasgueos en la guitarra eléctrica. Echa mano de secuencias de tarolas, cencerros y algunas otras percusiones, aunque nunca pude ver cómo las disparaba, supongo que era el monitorista, ya se lo preguntaré.

Dijo que cuando jóven le gustaba tocar rock, conectarse, electrificarse, subir el volumen, ahora ya no. Hoy prefiere las cosas sencillas, tocar públicamente como si se tratara de un conceirto en la sala de su casa. Busca la intimidad.

Antes tocaba con familias, hoy ha conformado un grupo a su medida: “tocar con una famila también acarrea problemas, así que elegí diferentes músicos de diferentes familias para armar su banda”.

Ya no le interesa verse con Kustiruca. Pasó diez años con él y ambos han tenido suficiente del otro, dijo. Bromeó: “Incluso pasar diez años con Angelina Jolie puede ser demasiado”. Tampoco se considera un buen compositor para cine, sólo cree haber trabajado en algunas películas buenas: “Entré al cine por necesidad, al estar en París por la guerra tenía que trabajar, así entré a la industria del cine”. 

Se irá a Oaxaca a ensayar con la orquesta mixe de Instrumenta, una idea que hace cinco años le propuse a Nacho Toscano y que al fin concretamos: juntar música de metales balcánica con una banda local; lograrlo con Bergovic era casi una utopía. Sí, un viejo sueño para mí, a ver en qué concluye. Llegará el jueves a Oaxaca y el resultado se presentará el próximo domingo 27. De hecho el concierto de ayer comienza con sonoridades muy afines a las de esas bandas típicas oaxaqueñas.

Comentó que la música no debe ser dejada sólo a los músicos profesionales, que a él le gusta tocar con músicos amateurs. “La música es como la comida y el sexo, sería muy triste dejarla sólo para los profresionales”. En septiembre lanzára su disco Alcohol.

Goran es serbio croata, de un país lastimado “nos han mordido, lastimado, en el lugar equivocado”, comentó sobre la situación política y los resultados de la guerra. 

Dijo que en su país la música podía dividirse en dos, la que se compone para ser interpertada con alcohol y la que se hace para ser escuchada sobrios. De ahí el nombre de su formación, que apela a lo sencillo, a lo cotideano más que al espectáculo profesional, a la música no desvinculada de la vida cotidiana, a la música para bodas, funerales y alcohol, o sea, la fiesta. Actitud que recuerda a Rachid Taha.

Su conversación me recordó la crónica sobre mi viaje por Europa en el 93, un artículo de 1994 llamado De Memoria, donde relato que después de estar tocando en estadios y festivales masivos para cientos de miles de personas, de pronto me vi en un club diminuto de Ámsterdam escuchando a Painting Over Picasso como si se tratara de una fiesta íntima. Una sensación que quizá fue la misma que me llevó a salirme de la banda cuatro años más tarde:

“Una vez fuimos a De Kroeg, un mini bar donde tocaba el excelente grupo Painting Over Picasso, aún desconocido pero que comenzaba a levantar comentarios por toda la ciudad; resultó uno de los conciertos más divertidos que he visto. Fue como un reencuentro con nosotros mismos dentro de una gira que ya parecía eterna. El lugar tenía un escenario casi al ras del suelo, tan pequeño que el grupo se mezclaba con la audiencia provocando su incendio; parecía una fiesta entre conocidos, ¿cómo describirlo sin disminuir la emoción tan distinta de los conciertos masivos?… Painting Over Picasso reflejó lo que creíamos era el sentido de Maldita Vecindad: el gozo por el simple gusto de tocar. No es que en algún momento lo hubiéramos perdido, pero a esas alturas quizá se agradecía el poder recordarlo conscientemente.”

El concierto de anoche fue apabullante. Para 1300 personas pero íntimo. Todo el Teatro de la Ciudad terminó de pié bailando, como cuando presenté a Rachid Taha hace unos años, cuando él grabo un DVD que puede verse en su último disco, que incluye su concierto portentoso en el Zócalo, donde sale Ximena Ayala

El concierto de Goran Bergovic del 27 con la banda mixe será grabado, así que quizá de ese sí podré algún día poner un video. El Llanos sacó algunas fotos que posteó junto con sus locuaces comentarios (siempre jungando con que alguien dijo que dijo pero que él no dijo y al final sí dice). 

Por ahora, y para finalizar, aquí el video de Rachid Taha, en la versión corta de YouTube:

Podríamos decir que el concierto de Goran de anoche está a la altura de lo mejor de Radical Mestizo de otros años: Rachid, Diego el Cigala, Ojos de Brujo, Muss et Hakim…

Sobre rock indígena

Poco a poco, con avances y silencios sucediéndose en espiral, el rock indígena en el país cobra mayor visibilidad.

El tema me ha interesado estéticamente, sí, pero también culturalmente. Comencé a trabajarlo a finales de los ochenta documentando a grupos de jóvenes indigenas que formaban grupos de rock, ya fuera que cantaran en su lengua ancestral o en español.

Parte de estos trabajos los saqué en mi libro de 92 y más recientemente en el último artículo de nexos, Un País Invisible. También hay un acercamiento al tema en La Herencia de María Sabina, donde comento el  delicioso libro de Álvaro Estrada Huautla en Tiempos de los Hippies. Otro post donde he hablado de ello es en la ponencia Los Hijos del Campo.

Recuerdo que un día visité a Sergio Raúl Arroyo, entonces director del INAH, para proponerle realizar una investigación y documentación sonora de estos procesos de “hibridación” cultural. También lo mencioné cuando coincidí con Monsiváis durante la presentación de un libro en agosto del 2001 en el Tianguis del Chopo, y terminamos hablando sobre la megabiblioteca. No en vano estábamos en el epicentro de las melomanías subterráneas de la nación (y al pié del terreno donde se construiría el megaproyecto), así que “solememente” propuse ante la honorable concurrencia la creación de una fonoteca nacional en lugar de una segunda biblioteca nacional. Un año después Carlos Martinez Rentería recordó en su columna mi insistencia en la fonoteca, aunque omitió decir que mi interés se centraba más en la documentación de estos procesos ignorados que en la creación de una fonoteca convencional.

En fin, todo esto viene a cuento porque hace unos días salió en la sección cultural del diario REFORMA una nota de Jorge Ricardo del  sobre el rock indígena con referencias varias que mapean el proceso de su visibilización. Incluye, por lo demás, una entrevista que me hizo hace ya más de un mes:

“Tocan indígenas rock en su idioma”

JORGE RICARDO

Las culturas indígenas se preservan en rock, en metal, en blues, en la música de quienes se han apropiado de esos géneros para conformar una sociedad moderna menos excluyente.

Las bandas indígenas Hamac Caziim, Xamoneta, Súper Coraje, Noésis, Nu Boxte y Sak Tzevul, se apropiaron de géneros musicales antes considerados como expresión del imperialismo cultural estadounidense, y a partir de ellos preservan “el costumbre”, término antropológico que se refiere a distintas ceremonias vinculadas a una tradición mesoamericana.

“A través del metal y el rock estamos gritando que existimos, que no somos fantasmas”, dijo Israel Robles, baterista del grupo seri Hamac Casiim.

Hamac Caziim surgió en 1997 en Punta Chueca, Sonora, e interpreta cantos ancestrales en una versión antigua de la lengua seri. En 2007 puso a la venta un disco homónimo.

“Nosotros oímos música en inglés y en español. Sentíamos el peligro de que nuestros cantos se perdieran, así que los mezclamos con instrumentos electrónicos para que nuestros muchachos los aprendieran”, dijo Robles.

Robles es sobrino de Amalia Astorga, anciana nombrada “Guardiana de los tesoros del desierto” por el Museo del Desierto en Arizona. Mientras ella se acompaña de sonajas, Hamac Casiim intrepreta los mismos cantos con guitarras eléctricas.

“Ante la discriminación que sufre la cultura indígena, buscamos posicionarla y preservarla al mismo nivel que la cultura hispanohablante”, sostuvo por su parte Damián Guadalupe Martínez, fundador en 1996 de Sak Tzevul, una banda de Zinacantán, Chiapas, que toca rock o, como ellos dicen, “música tzotzil contemporánea”, influida por sonidos tradicionales y rezos, por Pink Floyd y Lacrimosa.

“La nuestra es una propuesta para decir que podemos incluir a la ‘modernidad’ sin perder nuestra identidad”, dijo Damián Martínez.

Autor del libro Rock Mexicano: Sonidos de la Calle, el músico e historiador José Luis Paredes “Pacho” consideró que estas agrupaciones reflejan los cambios provocados por la migración y la hibridación cultural, las contradicciones del discurso hegemónico de identidad nacional y cuestionan la supuesta “pureza” de la música.

En 1976, Carlos Monsiváis escribía acerca del Festival de rock de Avándaro: “Es una respuesta autónoma y original y es, también, un hecho colonial, no porque un festival de rock sea exclusivo de la cultura norteamericana sino por el reclamo básico: duplicar sin problemas una experiencia ajena; es decir, una vez más, ponernos al día gracias a la emulación servil”. (Amor perdido).

Para el sociólogo Gabriel Careaga, las ansias y las angustias de los jóvenes mexicanos estaban más cerca del bolero sentimental o de los mariachis que de las canciones de los Rolling Stones, según escribió en 1977 en Biografía de un joven de la clase media.

“Cuando empezamos decían ‘¿cómo va gustarle algo a la comunidad si sólo escuchan música ranchera?’ Pero la música ranchera tampoco es puramente indígena, fue impuesta desde la radio y la televisión”, dijo en entrevista el líder de Sak Tzevul.

Los integrantes de Hamac Caziim y Sak Tzevul no dudan en definirse como “movimiento musical”.

Aunque Hamac Caziim y Sak Tzevul son las dos bandas con más difusión, la existencia de agrupaciones como ellas tiene por lo menos 20 años. En 1992 José Luis Paredes ya mencionaba a bandas de punk otomí como Orines de Puerco y Batalla negativa, ésta última creada por José Guadalupe Robles en 1990 en San Cristóbal Huichochitlán, Toluca.

“Entre nosotros nos hablábamos en otomí y los chavos nos preguntaban por qué no hacíamos letras en esa lengua. Esa petición nos hizo entender que teníamos que rescatar lo que éramos como cultura”, dijo en entrevista.

Entonces cambiaron su nombre a Nu Boxte (Ayuda mutua), sacaron el cassette “Tiempos Difíciles”, con 500 copias y 17 canciones, seis en otomí, pero desapareció en 2003.

En 1998 se creó en Cardonal, Hidalgo, Súper Coraje, una banda otomí que interpretaba canciones tradicionales a ritmo de rock y cumbia con instrumentos construidos con botes de leche, acocotes y guitarras viejas.

“Queríamos tocar nuestra música pero no teníamos los instrumentos, así que nos pusimos Súper Coraje”, recuerda José Isidro Cruz, ex integrante de la banda desintegrada en 2007. El antiguo Instituto Nacional Indigenista incluyó tres canciones suyas en el disco “Del costumbre al rock”, grabado en 2000. José Isidro Cruz ya compró guitarras y teclados, pero dos de sus cuatro integrantes ya emigraron a Estados Unidos.

La reivindicación cultural que hacen este tipo de bandas siempre es consciente. Su simple existencia de por sí ya es un acto de reivindicación cultural.

“Falta ver si puede desarrollarse un movimiento musical. Creo que todavía es un fenómeno muy focalizado en algunos grupos étnicos, con poca relación incluso entre ellos mismos sin que esté mediada por las instituciones de gobierno”, señaló José Luis Paredes.

“Creo que hemos preparado el terreno para lo que queremos hacer”, finalizó Damián Flores.

Comida Pánica

En un barrio popular probamos bocadillos del siglo XVIII. Manchamanteles, chapulines con cacahuate, pipianes, moles y demás guisos autóctonos. Alejandro Jodorowski y sus hijos Brontis y ¿Adán? se fascinaron con los chapulines de receta insólita, ya que en ese lugar secreto sólo me la preparan a mí (supongo que el convidador me convocó precisamente porque sabe que ahí me consienten).

El ambigú poblano fue también un recuento de época. Brontis estudió en la misma primaria que yo en los años setenta. Alejandro invocaba personajes: Gurrola, Jaqueline (la mamá de Alisarín), Luis G. Basurto. También evocaba sus acciones performáticas de antaño y piezas como Así Hablaba Zaraatustra, El Topo y otras tantas de las que oí hablar a mí madre, así como otras llanamente por mí desconocidas. Se entusiasmó con probables performances futuros (quiere “lavar” la “sangre” de Tlatelolco con helicópteros, pero no voy a anticipar aquí la idea, que ni siquiera es mia).

Habló de tantos proyectos, acaso concebidos al vuelo de la conversación de sobremesa con Sergio Raúl Arroyo, Felipe, Lorena y José Wolffer. Recordó su paso por el teatro Fru Fru, y el Ángela Peralta, y le pregunté por el Teatro Blanquita (donde nunca actuó pero al que sí asistía). En algún momento recordó sus intentos de mezclar la vangaurdia o la contrcultura con la cultura popular (quiso que la Tigresa actuara en una de sus obras, pero no lo logró)…

Criticó al Dalai Lama por tener un Rolex obsequiado por Bush. El futbol le parece un juego homosexual donde lo que enrealidad se intenta patear son los “testículos” (por lo de las bolas) para lograr “penetrar” al adversario, mientras que el balón es, de acuerdo a la numerología, Jesús. Por su parte, los toros serían para él un ritual fálico.

Como se ve, es un cerebro random estableciendo sin cesar asociaciones aleatorias a partir de sus archivos sobrealimentados de lecturas bíblicas, esoterismo, literatura, dramaturgia, cultura de masas, psicoanálisis e intenciones contraculturales provocativas, ahora convertidas en afanes curativos.

Mañana regresan a París, hoy es su última función en el Teatro de la Ciudad. A Adán no lo conocía, es músico, quedó de enviarme el link de su MySpace. Es lo poco que pude saber de ellos, que no hablaron.

Imposible reproducir la charla delirante de Alejandro Jodorowski, su monólogo infranqueable. Se trata de una experiencia irreductible. No es lo que dice, sino cómo y quién lo dice. Un megalomaniático monumento conmemorativo de sí mismo. 

Es indudable que el tiempo ha pasado y lo escandaloso o provocador inevitablemente tiende a volverse inocente.

Yo llegé tarde a la comida, distraido. Apenas me senté hice un comentario inocuo: Jodorowsky se encabronó, me dijo que quería provocarlo. Juro por Dios que no hablé en clave sediciosa, pero de nada habría valido externar mi juramento; además yo sí soy ateo. Me asumí ausente mas no invisible, pues de vez en vez me dedicaba mirandas oblicuas. Poco después, tan pronto como la ingesta poblana satisfizo los estómagos, fui indultado. 

“Ya te perdonamos”, me dijo utilizando el plural con una dulce sonrisa en la mirada (el perdón consistió en que a partir de entonces me dejó intercalar algunos silencios).

Hace una década quizá que Braulio Pealta me mostró un comic psicomágico y me dijo “esto sí es contracultura”. A mí aquello me parecía ya más cercano a un new age churrigerseco.

Hay gustos para todo: Val, mi perspicaz gran amiga, opina que ser hoy fan de A.J. es ser un poser.

A mí, en persona, me pareció divertido.

Periódico de Poesía

En el Periódico de Poesía de la UNAM, pueden escucharse algunos audios de la edición 2007 de Poesía en Voz Alta .07

Muy recomendable es la sesión de Jazz Poetry que Quincy Troup dio en Casa del Lago.

La jazz poetry es un género que tuvo lugar a su manera en la época fundacional del centro cultural, según contó Gurrola en su conferencia en 2005, con lo que entonces se llamó Jazz Palabra.

Otro archivo de audio incluído en el Periódico de Poesía es el del trabajo del uruguayo Luis Bravo, de quien hablábamos en el post anterior, citando su investigación sobre la antigüedad multimediática y que también se presentó en 2007 con su poesía multimedática.

Hay un VIDEO de Juan Pablo Villa, a quien le tocó participar en Poesía en Voz Alta.06 con proyecciónes de gráfica realizada en tiempo real, pero cuyo trabajo normalmente cae más dentro del campo de la experimentación vocal.

Este periódico tambíen ofrece algunos tracks del disco de Urbe Probeta, del colectivo Motín Poeta, con Rocío Cerpon, Mónica Nepote y Cristina Faesler, quienes se presentaron igualmente en el festival internacional de Poesía en Voz Alta.06

Sinestesia y lectura a la deriva

Para seguir con el tema de los cambios en los soportes literarios y musicales de acuerdo al post sobre la Pédida del aura libresca, comienzo con la idea de que el spoken word ofrece mucha mala poesía y puede ser tomado también como una moda trivial, como la mediatización de la oralidad por el mercado. Pero ya Christopher Domínguez comentó que siempre ha habido mala literatura, incluso mucho antes de la aparición de las industrias culturales, o de la televisión o de la computadora..

En esto parece coincidir Luis Bravo en su Antigüedad multimedática:

>>A quienes acusan a esta expansión (el spoken word y la oralidad poetica) de una democratización libérrima, señalando la existencia de discursos de escaso nivel expresivo, lo que es cierto, hay que recordarles que también la publicación en libro está atiborrada de este tipo de textos. De lo que se trata es de elegir, de saber elegir, y de educar en el gusto estético y en la historicidad del arte a las nuevas generaciones que, sin duda, se formarán cada vez más en este medio (los multimedia).>>  

Así pues, los diversos soportes tecnológicos de texto a lo largo de la historia (el pergamino, el códice, el libro, la pantalla telematica) son determinantes de la experiencia de lectura, pero no constituyen tampoco una garantía de calidad. En palabras de Luis Bravo:

>>Es evidente, como lo han señalado algunos especialistas de la lectura y la cultura escrita –como Roger Chartier en “Cultura escrita, literatura e historia”– que la forma en que se imprimen y se leen los textos incide en la resonancia de su significación. Así el pasaje de los rollos de la antigüedad a un nuevo formato hacia el siglo IV d.c., con los códices, y luego a partir de 1450 a la impresión mecánica de la imprenta, y ahora del libro impreso a la estructura electrónica, lo confirman.>>  

Ya hablando específicamente sobre los textos en pantalla, la descripción de Bravo podría aplicarse a la de los Blogs, de acuerdo con aquella discusión que tuvimos sobre el tema con Alberto Chimal que reporté en Sobre los blogs y los textos digitales. Para Bravo:

>>En los textos leídos en pantalla no sólo varía la estructura sino que al suprimirse la presencia del objeto impreso el lector está frente a una “representación del texto”. Su actitud y modos de recepción son mixtos pues estamos ante un lector-espectador-escucha-operador de textos a su vez polivalentes (lo lingüístico, lo iconográfico, lo sonoro). La multinealidad es la característica esencial del operador cibernético. Éste realiza complejísimas operaciones en pocos segundos, adoptando una serie de estrategias de aproximación simultánea. Se puede optar por lo gráfico, lo escrito, lo sonoro, por las imágenes en movimiento y se puede accionar más de una de estas variantes al mismo tiempo, haciendo de la lectura un espectáculo sinestésico. A la vez los hipertextos y los vínculos o links amplían la deriva de la lectura a grado sumo.>>  

Poesía Sonora

Hugo Ball fue el inventor de la poesía fonética dadaísta.

La estupenda página www.ubu.com, es una fuente de archivos, comentarios y mp3 para acercarnos a esta poesía.

 

Aquí algunos links con poemas sonoros de Hugo Ball ya emblemáticos, interpretados por el Trio Exvoco (Hanna Aurbacher, Teophil Maier, Ewald Liska, del disco Futura Poesia Sonora, Cramps Records, Milan):

karawane

Los que siguen están geniales, chéquenlos:

 

Woken, Katzen und Pfauen, Totenklage, Gadji Beri Bimba, Seepferdchen und Flugfische.

Lo que sigue es una interpretación del primer poema Karawane que, según se aclara en el respectivo link, su historia es la siguiente: “Taken from a Ripley’s Believe It Or Not segment on sound poetry from the mid-80s. According to producer Jed Rasula, “Marie Osmond became co-host with Jack Palance. In the format of the show, little topic clusters (like “weird language”) were introduced by one of the hosts. In this case, the frame was Cabaret Voltaire. Marie was required to read Hugo Ball’s sound poem “Karawane” and a few script lines. Much to everybody’s astonishment, when they started filming she abruptly looked away from the cue cards directly into the camera and recited, by memory, “Karawane.” It blew everybody away, and I think they only needed that one take. A year or so after it was broadcast, Greil Marcus approached me, wanting to use Marie Osmond’s rendition of Hugo Ball for a cd produced in England as sonic companion to his book Lipstick Traces; so I was delighted to be able to arrange that.” 

Por cierto que Ricardo Castillo es un poeta de Guadalajara que se presenta a veces acompañado por músicos y que continúa tercamente esta tradición.