latribudelpulgar (antes ruidos de la calle)

Escribir ficción es hacer suposiciones acerca de la naturaleza de lo real

La lectura como acto social

Publicado por pachoj en Julio 1, 2009

El martes 30 de junio el diario Reforma consigna las declaraciones de Bob Stein, director delInstituto para el Futuro del Libro, donde expresa sus perspectivas acerca de lo que le depara al libro como soporte, pero también al acto de leer.

Relativiza la idealizción que durante tantos años ha sufrido el libro como objeto de conocimiento y en consecuencia el encumbramiento del acto solitario de leer. Como hemos reiterado aquí tantas veces, afirma que el ascenso de las nuevas tecnologías, llevará a la humanidad a un tiempo cercano al de la invención de la imprenta:

“La lectura y elescritor van a convertirse en experiencias sociales, la lectura personal, en solitario, va a desaparecer. La lectura siempre fue una experiencia social. En el siglo 16 los libros eran caros y si querías comprar un libro mandabas a tu escribano a copiar una obra y nunca la copiaba igual y ahora han regresado estas ideas”.

Yo no creo que el acto solitario de leer desaparezca, simplemente se verá complementado con el ejercicio colectivo.

Bob Stein revisó también la lectura actual como acto en varios niveles que mezlcan el video, las fotos, el sonido y el texto.Temas que hemos explorado en varias entradas de este blog bajo la categoría de “literatura”.

“Actualmente un libro representa el lugar en el cual se reúnen los lectores”, escribe Stein, y recuerda que antiguamente los libros tenían ámplios márgenes y ello permitía escribir notas en ellos.Algo así como la posibilidad de hacer comentarios a los textos que uno lee en blogs o publicaciones en el Internet.

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Nueva Poesía

Publicado por pachoj en Mayo 17, 2009

Hoy aparece la segunda parte del reportaje sobre poesía de jóvenes en La Jornada, nota firmada por Erika Montaño Garfias: “Nueva Poesía en México.Seis poetas jóvenes demuestran que no existe sequía creativa”

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Consignan a poetas que se rpesentaron en Casa del LAgo el mes pasado: Anäis Abreu de 27 años, perteneciente a los poetas del megáfono, a Daniel Malpica, que es und escubrimiento de Casa del Lago hace tres años, Manuel de J. Jimenez, de 23 años, Ivan Cruz Osorio, Christian Peña, Oscar de Cid León.

Nuevamente no hablan del peso que tiene en ellos el acto performático, como si su trabajo fuera exclusivamente textual.

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Reportaje sobre poesía

Publicado por pachoj en Mayo 12, 2009

Hoy aparece un reportaje sobre la poesía emergente acutal en La Jornada, batante bueno: “Alentadora irrupción de nueva estirpe de poetas.Es un fenómeno vigoroso, pleno de ímpetus, dicen expertos”

Mencionan a Casa del Lago y sus ciclos Poesía en Voz Alta, así como el de ECOS que presentamos anualmente. Sólo nos refieren como actividades cercanas a las nuevas generaciones, pero no como espacios transdisciplinarios ni experimentales:

Otra persona que ha estado muy cerca de este cambio generacional es José Luis Paredes, director de la Casa del Lago, donde se realizan, por ejemplo, los encuentros Poesía en Voz Alta y Ecos.

Al respecto, destaca: Veo gran coraje, un gran ímpetu que justamente los lleva a buscar, explorar, visitar terrenos, elementos o recursos no muy frecuentes en el territorio literario establecido. No necesariamente apelan a recursos nuevos en términos de la poesía experimental, puesto que las vanguardias, la experimentación en Hispanoamérica fue muy diversa, muchas cosas que hoy buscan los chavos no necesariamente son nuevas, pero sí creo que llegan ahí por sus propios caminos.”

El reportaje es muy bueno, pero distante de lo que pretende enunciar, canónico, su visión es desde el establishment lietarario. Acaso por eso alguno de los entrevistados como Ricardo Yañez considere que impera la confusión. Tampoco hablan de oralidad o poesía escénica y las nuevas tecnologías aparecen sólo como sustitutas de las viejas estrategias editoriales, no cmo herramientas expresivas.

Incluye varios links que vale la pena visitar, como el blog de poetica arbitraria, así com textos Christian Peña o Camila Krauss

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¡En la meme!

Publicado por pachoj en Mayo 10, 2009

La memética  es un asunto paradigmático de la cultura cibernética desde los noventa que concibe las ideas como un virus.

El autor del término meme es Richard Dawkins. En su libro The selfish gene explica que un virus no se puede replicar a sí mismo sino que necesita ‘piratear’ el DNA de una bacteria para ordenarle su múltiple y mutante reproducción. En la infección puede haber un cambio relativo (tu virus de la gripa no es igual que el mío y al contagiarlo es ya otro virus, pero sigue siendo el de la gripa). Dawkins utliza este simil para afirmar que también una idea puede ‘parasitar’ tu mente y alterar tu comportamiento con la misma mecánica del ‘teléfono desompuesto’. Es decir, la memética es una especie de explicación de la cultura a partir de la teoría viral.

En consecuencia, podemos decir que la epidemia AH1N1 y su fase 5 también nos infectó de varios virus mentales, ya sean memes o metamemes: desde el pánico, las noticias alarmistas, las interpretaciónes amarillistas, hasta las teorías del complot de diverso signo, las dudas y certezas sobre la eficacia del tapaboca o los cambios en nuestra actitud ante la higiene. Y si no, ¡ahora estás ya contagiado con el virus de este post que terminará dando vueltas dentro de tu mente especulativa y fantasiosa!

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Volviendo a la normalidad

Publicado por pachoj en Mayo 7, 2009

Volviendo a la normalidad: a la inseguridad, el tráfico, la contaminación, el calentamiento global, los ajusticiamientos del narcotráfico, la corrupción, el despotismo de la policía, la ineficacia del gobierno, los grupos de poder, la plutocracia, el desprecio de las empresas hacia sus clientes, la falla en los servicios públicos, el descaro de los diputados en campaña, las colas de los bancos que cada vez tratan peor a sus usuarios,la indiferencia de los funcionarios hacia las quejas cotidianas, el gigantismo impersonal de los corporativos que prestan servicios, el burocratismo cínico, los cobros excesivos de luz sin justificación, los peseros asesinos en sus bólidos sin que nadie les diga nada, al imperio de los valets parkings, en fin…

No es que todo esto haya dejado de existir durante la epidemia, pero como no podíamos salir de casa, pudimos olvidarlo un breve tiempo.

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Cofre de Perote

Publicado por pachoj en Abril 30, 2009

Después de leer los posts anteriores, El Gato, viejo amigo de principio de los ochenta en la ENAH, me mandó este LINK con el comentario siguiente:”Pachito, la cosa se había denunciado desde hace ya casi un mes, pero ya ves como es la prensa oprtunista, sólo cuando ya se requete habla del asunto ahí sí nos informan. Saludos. gato”

La nota de su link está fechada el 6 de abril de este año. Esto quizá no es suficiente para probar causalidad alguna y nadie necesita más temperamentos alarmistas, pero  no está de más poner en orden estos focos de infección, aunque no sean el orígen del A H1N1. Algunos párrafos:

“Zapateando, Jalapa, Ver., 5 de abril.- Brote de males respiratorios. Acusan a Granjas Carroll. Reportan deceso de tres menores; lugareños responsabilizan a empresa. La Secretaría de Salud estableció un cerco epidemiológico en el poblado La Gloria, municipio de Perote, debido a que a sus habitantes los está afectando un extraño brote de infecciones respiratorias agudas, las que en algunos pequeños se convirtieron en bronconeumonía.

Aunque los lugareños aseguran que tres niños menores de dos años fallecieron y 60 por ciento de los 3 mil habitantes se encuentran infectados de las vías respiratorias, las autoridades del sector salud afirman que no hay elementos para ligar directamente la muerte los infantes con este brote epidémico en las faldas del Cofre de Perote. Los pobladores atribuyen la aparición de las infecciones a la contaminación generada por los criaderos de cerdos de la trasnacional Granjas Carroll.

Esta empresa ha provocado la contaminación en los cuerpos de agua y la atmósfera desde hace varios años en el sur del valle de Perote, dicen. Algunos aseguran que personal de la compañía realiza recorridos para difundir la versión de que la afección “es simple gripe”. Desde febrero pasado, la agente municipal Bertha Crisóstomo solicitó apoyo a las autoridades sanitarias, pues decenas de familias se enfermaron súbitamente de las vías respiratorias…”

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La Condesa de antaño, hogaño.

Publicado por pachoj en Abril 30, 2009

“La eternidad de la infancia es breve, pero él no lo sabe todavía;

el paisaje desfila antes sus ojos”

Michel Houellebecq

 

A las 9 pm salí a buscar algunas pelis pa rentar. Todo casi vacío. La Colonia Condesa parece la de mi adolescencia, cuando sólo existían el restaurante alemán Sep’s y el Xelha y era apenas una colonia residencial de artistas bohemios bastante tranquila con cierta vida ingenua al aire libre, peatonal. Los reventones eran en las casas y los departamentos. Si queríamos salir, debíamos irnos a los antros cutres del Centro, que todavía no se le llamaba Histórico. Existían ya el Farolito y el Tizoncito que nos daban cobijo al salir de las pachangas postsicodélicas. Y, claro, la cantina El Centenario. Poco más.

Hoy la Condesa se parece a la de antaño.

Salvo por los tapabocas de los transeuntes.

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En La Gloria

Publicado por pachoj en Abril 30, 2009

Aquí la foto de Benedict Desrus relacionada con el post anterior, con su nota de pie de foto.

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Swine Flu in Mexico
29 april 2009 – La Gloria, Mexico – The Granjas Carroll pig farm module that is nearest to La Gloria. The tank of pig waste emits a fetid odour. La Gloria, villlage in the southern Mexican state of Veracruz, where the new strain of swine flu was first detected. Local people have blamed the contamination by pig waste spread into the air and water from nearby industrial pig farms, known as Granjas Carroll and owned by the Virginia-based multinational company Smithfield Foods. A Smithfield spokeswoman says the company has found no clinical signs or symptoms of the flu in its swine herd or its employees in Mexico. Residents of La Gloria say about half the town’s residents work in Mexico City and could easily have spread the virus. Photo credit: Benedicte Desrus / Sipa Press

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El olor pica los pulmones

Publicado por pachoj en Abril 30, 2009

REFORMA en línea publicó hoy una nota preocupante sobre una granja porcina industrial en La Gloria, complemento de otra publicada ayer en la versión impresa que daba cuenta de la movilización hace ya meses de una comunidad contra de las granjas industriales porcinas y de cómo esta comunidad supuestamente fue intimidada por las autoridades locales y los dueños de la granja industrial.

Por cierto que en aquella nota de ayer los directivos de la industria negaban estar intimidando a nadie, pero resulta que la fotográfa Benedicte Desrus fue al lugar a investigar y declara haber sido perseguida por los de seguirdad de una de las granjas.

Ella dice que el mal olor se percibe a un kilometro de distancia de cada granja y que meintras más cerca, el hedor “pica los pulmones”.

Todo esto coincide con el hecho de que en esa zona está el pueblo donde se dió el primer brote confirmado del Virus H1N1 A, en un niño que se curó.

En el mismo tenor, ayer el diario La Jornada publicó una artículo de opinión, firmado por el solvente investigador Mike Davis, autor del extraordinario libro Ciudad de Cuarzo, Arqueología del futuro en Los Ángeles (1990) editado en españa por Lengua de Trapo (2003)

Reproduzco aqui algunas partes de la nota de hoy del REFORMA, que puede consultarse en esta dirección:

Detectan en Perote foco de gripe porcina
Estima científico que violencia puede obstaculizar sistemas de notificación de casos

Margarita Vega y Adriana Alatorre

Ciudad de México (27 abril 2009).- Una consultora estadounidense dedicada a biovigilancia, Veratect Corporation, identificó el inicio del brote del nuevo virus de influenza en una comunidad de Perote, Veracruz, en donde la mayor parte de la población presentó síntomas relacionados con esta enfermedad.

En el portal de la empresa, el científico James Wilson afirma que la compañía reportó que desde el 6 de abril se declaró una alerta en la comunidad de La Gloria, en Perote, en donde se registraron 400 casos de una infección respiratoria atípica e incluso afirma que ya se implementó un cordón sanitario.

Según el científico, los pobladores de esa comunidad responsabilizan a las granjas de cerdos locales de la situación y aseguran que contaminaron el ambiente y los cuerpos de agua.

“Oficiales de salud indicaron que el 60 por ciento de la población del pueblo (aproximadamente mil 800 casos) ha sido afectada.

No precisa el tiempo en que ocurrieron, pero fuentes reportan que un oficial local había estado buscando asistencia sanitaria para el pueblo desde febrero“, destaca el reporte de Wilson.

Dicha información, asegura, fue colocada desde entonces en el portal de la empresa, accesible para todos sus clientes, incluyendo a los Centros de Control y Prevención de Enfermedades (CDC) de Estados Unidos.

Para el 20 de abril, continúa, la empresa fue cuestionada por “clientes en la comunidad pública de salud de Estados Unidos”, quienes decían haber recibido solicitudes de apoyo de las autoridades de Canadá y México.

“Veratect contactó al centro de operaciones de emergencia del CDC para sensibilizarlos acerca de la situación en México y el CDC indicó que ya estaba trabajando en los casos recientemente detectados de H1N1 de influenza porcina en California y posiblemente en Texas”.

En el recuento también incluye la declaratoria de alerta establecida por las autoridades mexicanas, así como el reconocimiento oficial de 20 muertos por la presencia de un nuevo virus de influenza, asociada a los puercos.

[...] Veratect cuenta con dos centros de operaciones en Estados Unidos que proporcionan información sobre la detección de casos infecciosos a nivel mundial. Además, 14 organizaciones colaboran con ellos en 238 países para rastrear los datos.

‘Advertimos de un problema potencial’

James Wilson, jefe científico de la empresa Veratect Corporation, aseguró que desde el 2 de abril se lanzó una alerta por los casos sospechosos de influenza porcina en México.

En entrevista telefónica desde Washington, aseguró que su organización fue la primera en el mundo en reportar dichos casos a la Organización Panamericana de la Salud, quien a su vez informó a las autoridades mexicanas.

“Nosotros compartimos esta información con la Organización Mundial de la Salud y ellos son quienes pueden hacer los enlaces correspondientes con el Gobierno de México, pero nosotros lo supimos desde el 2 de abril”, afirmó.

[...] El jefe científico de la empresa encargada de advertir posibles brotes de enfermedades a través del personal que labora para ellos en 283 países, indicó que desde los primeros días de abril informaron a funcionarios locales de salud del brote de una enfermedad respiratoria en la localidad La Gloria, municipio de Perote, Veracruz.

Sus fuentes caracterizaron el caso como un “extraño” brote de infección respiratoria aguda, lo que condujo a la neumonía bronquial.

“Los funcionarios de salud registraron 400 casos que buscaron tratamiento médico en la última semana en La Gloria, que tiene una población de 3 mil. Los funcionarios indicaron que el 60 por ciento de la ciudad se ha visto afectada”, informó el especialista que ha colaborado con la OMS en casos del ébola en África.

Wilson explicó que su trabajo consiste en reunir la información y compartirla para advertir de un posible problema, y subrayó que no publican o pasan información que no sea confirmada por una autoridad de la salud.

“Notamos esto como inusual, ciertamente, porque está fuera de temporada, así también porque tiene que ver por la localidad y forma de contagio. Juntando estas referencias, encontramos que es información preocupante y en la manera que tratamos esta información hasta que no se confirme sólo es un rumor que puede agravar el problema”, sostuvo.

Como justificación, el científico externó que su información no sirve para “enfadar” al Gobierno mexicano, sino para alertarlo.

“Usando la analogía de los meteorólogos que tratan de informar a la población sobre el clima (como tormentas). Nosotros hacemos eso mismo, pero con las enfermedades”, sostuvo.

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Radical Mestizo clausura el Festival No. 25 en el Zócalo

Publicado por pachoj en Abril 6, 2009

El 29 de marzo se clausuró en el Zócalo la edición 25 del FESTIVAL DE MEXICO EN EL CENTRO HISTORICO, con el programa de RADICAL MESTIZO, que incluyó a EL HIJO DE LA CUMBIA, un dj argentino que reelabora la cumbia villera de los barrios bajos argentinos, influidos por el sonidismo mexicano. Todo un descubrimiento o, mejor dicho, una recomendación que me hizo mi gran amigo Leonardo Tarifeño desde Buenos Aires. (Fotos : Benedicte Desrus / Festival de México.)

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También estuvieron Balkan Beat Box, que se llevó la noche, además de que todos ellos resultaron muy buena onda, nobles, abiertos y curiosos.

Cerró la sesión Asian Dub Fundation, que prendieron un poco menos que BBB, alvo las tres últimas rolas.
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La logistica del Zócalo siempre absorve, así que acabé hasta bronceado por las largas horas bajo el sol

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Los calculos de asisencia oscilaron entre los 45 y los 55 mil asistentes.

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Aquí con José Wolffer, director del Festival, y con Inti Muñoz.
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RADICAL MESTIZO, BALKAN BEAT BOX

Publicado por pachoj en Abril 5, 2009

Este año, el octavo de RADICAL MESTIZO dentro del FESTIVAL DE MEXICO EN EL CENTRO HISTORICO, presentó a BALKAN BEAT BOX y a ASIAN DUB FUNDATION.

Balkan tocó en el vergonzante foro Indianilla, sin buena acústica, sin aire acondicionado suficiente y sin acceso a bebidas, ni siquiera agua o refrescos, además de que la seguridad no daba permiso de meter ni siquiera agua comprada en algún Oxxo a la redonda. Aún así, el concierto fue bastante bueno, aunque no tanto como el de dos días después en el Zócalo.

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Cosmopolitismo de barriada

Publicado por pachoj en Marzo 3, 2009

El viernes 27 de febrero se estrenó en México el documental de Henry Chalfant “From Mambo to Hip hop” (2006), el cual reconstruye la historia de la salsa y del hip hop en el barrio del Bronx. Chalfant es considerado la primera persona en documentar el surgimiento del graffiti, aunque él insiste modestamente en decir que fue el segundo. Él fue invitado a México por el colectivo Graffitearte. Posteo aquí las palabras que leí después de la presentación en el cine al aire libre de Casa del Lago:

“Del Mambo al Hip Hop” de Henry Chalfant es un documental con excelentes imágenes de campo y de archivo que, mediante entrevistas y anécdotas puntuales, así como una voz en off que contextualiza la narración, registra el relevo de dos universos culturales en un mismo espacio, es decir, el de la salsa y el del hip hop, dentro del barrio neoyorquino del Bronx. Uno de los barrios más pobres de la Unión Americana.

¿Se trata de la historia de la salsa o la historia del hip hop? Me parece que de ninguno de ellos, sino del barrio a través del imaginario de sus habitantes. La música es el tejido que enhebra la figuración y la experiencia del barrio. Más que el sonudtrack del vecindadio, aquí la música es la forma en que suena el imaginario colectivo. Porque la historia de un barrio no puede contarla el topógrafo, el geómetra, el arquitecto ni el urbanista, ya que habitar un espacio no es simplemente ocupar inmuebles, sino configurarlo, recrearlo, olerlo, saborearlo, caminarlo, oirlo, vivirlo. Imaginarlo.

Ahora bien, el razonamiento inverso es igualmente válido: la historia de un género musical popular no puede contarse sin relacionarlo con la vida diaria de las comunidades que lo crean y, por lo tanto, con el espacio cotidiano donde lo experimentan. Esto suena evidente, pero con frecuencia se olvida, ya que la mayoría de los críticos musicales reconstruyen sus reflexiones a partir de la historia de los grandes nombres, las grandes estrellas y celebridades que despuntan por encima de los demás, como si el significado principal de estas músicas lo otorgaran las industrias del espectáculo y no las comunidades de donde surge y a quienes va dirigida cada música. Más aún en las músicas que tienen un fuerte componente de resistencia cultural en su origen, como es el caso del hip hop y de la salsa.

Por eso me parece importantísimo que en el documental de Chalfant sea el barrio el protagonista de la historia, porque eso le permite dilucidar la relación y significación intima e irreductible que tienen las estrellas de estos géneros con el espacio y la gente que les hizo posible, es decir, la comunidad de músicos donde se formaron, pero también con el público y los bailarines que les escuchaban desde su despegue. Es decir, la gente del barrio en general donde todo fue concebido, figurado, ensayado, construido.

En esta película lo importante no acontece en el escenario sino en la pista de baile, una pista de baile que puede ser la de un salón o galerón, pero también un cuartucho vacío dentro de un edificio abandonado, o el parque, la plaza, el solar baldío y la calle. Sí: el Barrio. Dicho de otra forma, lo que sucede en el escenario está en función de la pista de baile donde el protagonista es la gente común del vecindario. La pista como metáfora del barrio y vértice entre la vida diaria de una comunidad junto con los músicos y, en un determinado momento, las estrellas.

¿De qué otra forma podríamos documentar y transmitir el valor último de la música sino aludiendo al peso que ésta tiene en la vida diaria de los hombres que la hacen y la escuchan?

El gran error de la mayoría de los críticos musicales es que suelen enfocarse en las acciones de las grandes estrellas, olvidando que la mayoría de la música popular tiene un origen de raíz, comunitario, aunque después se vuelva un sonido casi autorreferencial y transgeográfico. Y como decía al comenzar mi comentario, todo ésto es más evidente aún cuando hablamos de músicas que tienen un origen contracultural, es decir, popular-de resistencia. Los videoclips, los discos de oro, los premios grammys, el glamour, las cadenas de oro, las joyas y la estética blink tan característicos de algunos raperos, los grandes coches, las celebridades, la mediación de las industrias culturales y la fama vienen después (pero entonces, si la fama llega y olvidamos su origen, es fácil distorsionar su significado sustantivo de una música).

Así pues, el protagonista aquí es el barrio. Incluso en este documental de Chaflant los testimonios recurren a varias metáforas topográficas, por ejemplo, cuando registra que el Bronx es la puerta de entrada al continente para toda la gente que ha migrado a la región de NY desde las islas, Cuba, Puerto Rico y el mismo Manhattan.

El documental compara las dinámicas sociales y los significados comunitarios de dos universos. En el primer universo sonoro, el de la salsa, los músicos de barrio se juntaban en los pequeñisimos bares a tocar y bailar, así como en los salones de baile de barrio, las escuelas públicas y los parques. La música estaba en todas partes. Más que en la radio y en los discos, en la vida diaria, o sea, en la experiencia en vivo: ya fuera en una esquina con un par de palos golpeados o un  peine sirviendo de clave.

Al Bronx el son cubano llegó de fuera, con los migrantes del caribe pero, al arraigar en este espacio urbano-continetnal, sufrió transformaciones estilísticas: se ubranizó y se volvió salsa. Recuerdo cuando yo era chico que me criticaban si utilizaba el nombre de salsa, porque lo políticamente correcto entre la izquierda de entonces era referirse a esta música son cubano, pues consideraban a la primera como un producto comercial de los que habían salido de Cuba con la Revolución. Eran los prejuicios de la izquierda de entonces, tal como en los setenta la izquierda consideraba imperialista al rock y como hoy todavía algunos creen que el hip hop es mala poesía, desecho de la industria MTV.

Evoco aquí la memoria de mi  amigo Gurrola, que un días se atrevió a decir algo así en una conferencia dentro del festival Poesía en Voz Alta celebrado aquí en Casa del Lago cada año. Un festival que convoca a poetas de diversas tradiciones, desde Juan Gelman hasta hiphoperos. De inmediato fue interpelado por los asistentes quienes le dijeron que no podía juzgar al hip hop sólo por lo que sonaba en los medios comerciales. Y en efecto, ello sería como juzgar a toda la literatura por el trabajo de Corín Tellado que pulican revistas del corazón como Vanidades.

En cambio, Chalfant restituye a la salsa su significado sustantivo: la salsa es el nombre que se la da a la música de origen cubano al volverse neoyorquina, urbana, de barrio (aún si a México ésta llegó a través de la radio comercial). Es decir, consiste en un nombre que engloba a una diversidad de comunidades raciales y sonoras al transformarse y adquirir valores urbanos. Valores que son a la vez de resistencia y cosmopolitas. Una música que al volverse neoyorquina se vuelve actitud, imaginario, visión de vida. Como documenta Chalfant al registrar el pelo largo, los gestos modernos, cierta forma de andar, de mover las caderas al caminar, de mover la cabeza, de hablar con modismos, de alzar la mirada con firmeza, es decir, de adquirir un valor que en el documental llaman el “ser hipster”. O sea, alguien que marca tendencias.

Pero aquí se trata de ser hipster por generar tendencias para el mercado, sino como una forma de resistencia de barrio. Chalfant documenta cómo un puertoriqueño del campo, un guajiro, al llegar a Nueva York cambia, se transforma, aprende a sobrevivir con gestos en la selva de concreto: se urbaniza. Tal como sucede también en México, según lo ha documentado el fotógrafo Federico Gama respecto de los jóvenes inmigrantes indígenas de primera generación que al llegar al DF comienzan a variar sus vestimentas como una forma de defenderse de la violencia callejera, introduciendo elementos del punk, del gótico y de otras subculturas indígenas, pero de una manera muy sutil, y buscando sitios propios donde reunirse a convivir entre ellos.

Ahora bien, este aplomo para la sobrevivencia en el barrio, este ser neoyorquino convertido en actitud y estilo, también se convierte en un sonido distinto, singular, único. Así, el son caribeño, según documenta Chalfant, de pronto incrementa el sonido grave de los tambores, pone al frente del escenario los timbales (como fue el caso de Tito Puente), y esos pequeños cambios generan un universo completamente insólito, nuevo, potente, a la postre universal: el mambo, el latin soul, el bugalú, es decir, nuevos bailes que son resistencia, que son identidad, que son fiesta, que son incluso una revolución sexual y de reivindicación racial, según se ve cuando Chalfant recuerda el significado social cuando Macho y sus afrocubans reivindicaran con su nombre, expresamente, su origen negro.Y aquí es donde podemos establecer un primer link con el hip hop, una  música que reividndica lo urbano, la herencia africana, y le preeminencia del tambor y el bajo para potenciar el baile. Y potenciar el baile significa darle el protagonismo a la audiencia, más que al escenario. Insisto, rasgo insoslayable cuando estamos hablando de una cultura comunitaria.

El proceso se desarrolla en el tiempo: la cultura de la salsa que surge en el espacio de los pequeñitos bares de barrio y en las esquinas, de pronto crece y pasa a tomar espacios mayores como los salones de baile y las escuelas publicas, hasta llegar a tomar un Estadio y juntar a 40 mil personas. Es el clímax de la historia de la salsa.

A partir de ahí viene su declive. No de la música, sino como fractura dentro del tejijdo social que conforma al barrio.

Son consideradas como causas de este declive del barrio el white flight, el abandono de los pripietarios, una política social basada en la acumulación de riqueza en lugar del fomento laboral (lo cual propició el auge de las drogas y el pandillerismo), así como, principalmente, la construcción del Cross Bronx Expressway, terminada por Moses en 1964, con la cual se daba prioridad al coche por encima de la gente (situación que padeceríamos los capitalinos con los ejes viales desde Hank Gonzalez). Y este declive se manifestaría durante todos los años 70 y 80.

Diez años duró la construcción de la autopista, que sifgnificó la devastación de un barrio habitado por 60 mil personas de clase obrera o media baja, en su mayoría judios, pero con muchos italianos, irlandeses, hispanos y negros entremezclados, que serían expulsados de sus hogares, como se ve en la película. Entonces comienza la migración de las familias de clase media y media baja, y la disgregación de una comunidad multirracial compuesta por negros, hispanos, italianos y judíos. Dando lugar a los incendios provocados para que los propietarios pudieran cobrar los seguros.

Así, sólo quedó un barrio en ruinas, devastado entre baldíos cubiertos de basura. Pero de ahí surgiría una nueva generación cultural que retomaría la actitud de barriada, es decir, la vida comunitaria en resistencia, apropiándose de ese espacio vacío para reconfigurarlo de acuerdo a nuevos sonidos, bailables, fachas, hablas, miradas, gestos, olores y sensaciones para reconstruirlo simbólicamente. Para ocuparlo y significarlo. Otra vez los hipsters, o sea, el cosmopolitismo desde abajo. Entonces ya no había salones de bailes, tampoco serían los bares los sitios que albergarían las reuniones festivas, sino las esquinas derruidas, los parques, los edificios abandonados. Otra vez la calle convertida a la vez en escenario y en pista de baile. Es decir, en espacio público libre, plural, que convoca e incluye.

A partir de entonces el documental de Chalfant registra cómo se fueron creando los valores del hip hop, distintos pero equivalentes a los del universo de la salsa: la música está en todas partes una vez más, por ejemplo, en los parques donde puede entrar todo mundo, inclusive los menores de edad. Aparece el scrash, un nuevo sonido que se volvería emblemático y universal, pervirtiendo el uso para el cual había sido diseñado el plato del tornamesa. Porque esta es otra de las enseñanzas de la cultura que surge de la calle, y es la apropiación de la tecnología mediante la transformación de las funciones para las cuales ha sido diseñada verticalmente, propiciando la confrontación entre consumismo (o consumo pasivo) y el consumo inventivo. Los corporativos crea nuevos productos tecnológicos propiciando el consumismo, pero en su afán de vender cada vez más abaratando sus productos, llegan a cada vez más sectores de la población donde se adaptan a nuevas necesidades, se pervierten. Así, tal como un chico de barrio coge la escoba de su  mamá, le quita la paja para volverla un bat de béisbol y otro chico utiliza un peine para hacer sonar la clave, a alguien se le ocurre que un tornamesa puede hacerse girar hacia atrás. Y así se inaugura una nueva cultura. Tal como en México los sonideros surgen de aquella moda de Luz y Sonido de los setenta, cuando se cerraban las calles, se ponía un tocadiscos, unos focos y la bocinas se fabricaban con latas de manteca vacías.

Otro de los valores del hip hop que documenta Chalfant está en la incorporación de la competencia dentro de la fiesta, ya sea en el baile de los Bboys o los Djs emplazados en cada extremo de un parque para ver quién jalaba más gente, o las competencia de rimas entre los Mcs. En esto se parecen a nuestros músicos y bailarines jarochos. Otro valor común entre la salsa y el hip hop es la invención de nuevos pasos de baile (y como señala Chaflan, también en el mambo se tiraban al piso).

La aparicion de Cool Herc ys sus sesiones callejeras. La reconfiguracion de los edificios abandonadaos que serían una especie de Estudioo 54 para los del barrio. La incorporación de los latinos a la cultura como testimonia Charlie Chasse al bautizarse a sí mismo con un nombre cidificado. Es decir, al igual que la salsa, el hip hop represente un cruce entre culturas. Un encuentro interracial.

Y finlamente, la fusion de sonidos, como se ve al niño haciendo beat box acompañando un adulto tocando la clave cubana.

Quiero terminar evocando a Danny Hoch, un hip hopero que se presento aquí en Casa del Lago hace tres años. Él es judío del Bronx que ilustra claramente el caracgter multirracial en el origen del hip hop, pues habla perfectamente español. Así, él relata que en los viajes que realiza por el mundo para promover el hip hop, una vez llegó a Marruecos y un mercader lo metió a su tienda de baratijas, queriendo venderle de todo, para lo cual le ofreció incluso un vaso de té de menta. Danny no quería comprar nada, pero cuando el mercader se fue a su trastienda a prepararlo, Danny vio sobre la mesa un caset de hip hop en árabe, ¿cómo era eso posible? Danny reflexionó entonces en las condiciones que han permitido que el hip hop se disemine por todo el planeta y arraigue en rincones como ese, en el norte de África, acaso porque lo que sucedió en el Bronx durante los setenta, como hemos visto, producto de la urbanización de la vida actual, con políticas que depauperizan a las comunidades urbanas originales en nombre de la industrialización y la modernización, tal como documenta puntualmente Henry Chalfant. Así, cuando el mercader vuelve con el vaso de te de menta, Danny le pregunta por el caset “Oiga usted, ¿qué es esto?” Entonces el mercader se avalanza contra Danny, le arrebata el caset y le dice “¿Esto? Esto, no se vende”

Muchas gracias

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Un País Invisible: Autogestión y Cultura Alternativa

Publicado por pachoj en Enero 27, 2009

El domingo pasado el suplemento El Angel, del diario Reforma, dedicó su portada al tema de la economía cultural en tiempos de crísis “Cultura en tiempos difíciles. Reinvención contra la Crisis”, donde me publicaron un artículo llamado: “Un País Invisible: Autogestión y Cultura Alternativa”

Un País Invisible: Autogestión y Cultura Alternativa

Pacho
Si pensamos que las escenas independientes han generado lo más importante del arte y la cultura en las últimas décadas, para ellas quizá sea poco lo que va a empeorar con la actual crisis:
El rock mexicano despegó en los 80 a pesar de la censura y las prohibiciones del Estado desde 1971, hasta lograr que la gran industria se interesara por él (vg: muchos grupos programados en el Vive Latino de Ocesa surgieron en el Foro Alicia). Espacios como Zona, Temistocles 44, la Panadería, La Quiñonera, surgieron porque sus artistas no hallaban lugar en los espacios oficiales y se convirtieron en plataforma de despegue para muchos artistas que hoy son valorados internacionalmente. Las editoriales independientes han formado y dado a conocer a escritores que no interesaban a las grandes compañías (vg: los primeros libros de Fadanelli fueron autoeditados). El Tianguis Cultural del Chopo, nacido hace más de 20 años como el primer tianguis callejero independiente en el País (por lo cual fue perseguido en su origen), sigue siendo el lugar más importante de distribución de las ideas relacionadas con el el rock (videos, revistas, fanzines, discos, ropa, etcétera).
Esta fuerza de las escenas independientes viene desde 1985, por lo menos; desde entonces se han desarrollando sin apoyo del Estado ni el patrocinio del capital privado, así que es poco lo que va a cambiar ahora para ellas: tendrán que seguir desarrollando sus proyectos artísticos mediante la autogestión y el autofinanciamiento, buscando la sustentabilidad que siempre les ha caracterizado.
Para los creadores, las alternativas inmediatas pasan por fortalecer estas tendencias de gestión directa, dignificando la pequeña economía y la economía social; robusteciendo formas económicas basadas en los  colectivos, las cooperativas y las micro, pequeña y mediana empresas. Nada nuevo, sólo que ahora deberán hacerlo con mayor conciencia y de manera ya no fatalista sino reivindicativa, con miras a que el Estado tome medidas en beneficio de estas formas económicas (que siguen lógicas muy distintas a las grandes industrias culturales), y con el objetivo de que el Estado libere sus políticas públicas en beneficio de los proyectos que surgen desde abajo.
En otras palabras, se trata de generar condiciones para que las escenas subterráneas dejen la economía informal y puedan aspirar a profesionalizarse mediante la creación de una infraestructura cultural “indie” (inmensas redes de pequeños enclaves).


La necesidad de políticas públicas

La coyuntura actual debería ser aprovechada para que las políticas culturales y las políticas públicas rectifiquen su enfoque plutocrático y volteen los ojos hacia las micro y mediana economías. Si se parte de esta lógica, las medidas posibles son muchas, aquí sólo algunos ejemplos:
Desde siempre, las políticas culturales suelen ser neutralizadas por las políticas públicas, ya que mientras las primeras fomentan, becan y premian (a través de la mediación directa de las instituciones culturales), las segundas anulan toda posibilidad de desarrollo de las iniciativas independientes (i.e. no mediadas por el gran capital o por las instituciones culturales del Estado). Por lo tanto, es necesario desarrollar políticas públicas también en relación con el arte y la cultura que surge de la sociedad.
En segundo lugar, estas políticas públicas deben estar dirigidas a liberar de restricciones legales los proyectos independientes de micro, pequeña y mediana economía, generando condiciones que fomenten e incentiven su desarrollo, en lugar de privilegiar a las grandes industrias culturales.
Como medidas fiscales, se deben generar condiciones para que las fundaciones y las empresas se inclinen a patrocinar y financiar también a estos proyectos independientes.
Por su parte, mediante mecanismos transparentes y equilibrados, el Estado debe fomentar y financiar sobre todo los proyectos independientes de micro y pequeña economía (para ello existen diversos mecanismos ya probados en otros países), en lugar de beneficiar sólo a los grandes corporativos del entretenimiento y la cultura.
La radio pública debe dar espacio a la promoción de los proyectos culturales independientes sin costo alguno.
Las frecuencias radiofónicas tienen que abrirse para ampliar la radio comunitaria-ciudadana.
Debe revisarse la Ley de Establecimientos Mercantiles y la Ley de Fomento Cultural para dar cabida a la figura de Espacio Cultural Independiente Alternativo, así como revisarse el Código Financiero y el Código Fiscal, facilitando la obtención de donativos y patrocinios; también debe revisarse el Código de Buen Gobierno de la Capital, para que se reglamente sin criminalizar el volanteo y la pega de carteles para estos espacios (¿dónde más se van a anunciar los artistas independientes si la televisión, la radio, los espectaculares y cualquier otro sitio convencional cuesta mucho dinero?).
Debe impulsarse la discusión sobre formas de derecho de autor alternativas y licencias libres (que no beneficien a los intermediarios); por ejemplo, las figuras de Creative Commons y CopyLeft han sido ampliamente discutidas en países como España y Brasil, incluso con el apoyo del Estado.
Deben diseñarse políticas de turismo cultural que beneficien no sólo a la industria turística organizada, sino también al turismo alternativo, entendido como aquel que NO busca el RESORT sino “lo auténtico local” y que no consume en grandes cadenas, sino en loncherías y mercados. Etc…

Crear riqueza desde la cultura
Lo “idóneo” sería asumir que tanto en la cultura, como en la economía en general, no son los grandes corporativos los únicos imprescindibles para el País, por lo que es necesario diseñar políticas culturales y públicas de acuerdo con ello. Se debe entender que no es lo mismo Hard Rock Café que el Foro Alicia, ni el sello BMG/ Sony Music que discos Mandorla, ni Editorial Diana que Ediciones Sin Nombre. Debe comprenderse que beneficiar los proyectos independientes no es altruismo sino inversión; significa crear economía, generar fuentes de empleo, crear audiencias y ciudadanía, generar tejido social, humanizar los espacios públicos, propiciar el consumo de insumos y de productos artísticos, fomentar el turismo cultural, crear profesionales, generar divisas, etcétera.
Las producciones independientes, ya sean de autor o de micro, pequeña o mediana empresa, así como de colectivos y cooperativas, crean riqueza también y son muchas veces más productivas en términos relativos que los grandes consorcios (”small is beautiful”). Estamos hablando de un sector del País muy dinámico, aunque invisible para las políticas de Estado, ya que estas experiencias ni siquiera se toman en cuenta en las estadísticas oficiales. Por ello, urge realizar también estudios cuantitativos al respecto.

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Las salas de música en vivo

Publicado por pachoj en Enero 10, 2009

El 12 de diembre publicó el diario español El País una noticia sobre los problemas que afrontan  los espacios culturales de concierto en Madrid, bajo el titulo de Las salas de música en vivo plantan la cara al Ayuntamiento, 45 locales madrileños inician una acción conjunta contra los cierres

La nota describe una situación que se ha agavado con la llegada del conservador Partido Popular a la alcaldía de Madrid y que recuerda, por desgracia lo que documenté para la Ciudad de México en mi tesis “El Derecho a la Fiesta” y en el texto “Un País Invisible” referido en el post anterior.

Si bien la diversidad de salas de música en vivo que hay en España resulta envidiable y ejemplar para nosotros, la situación en ese país tampoco es suficientemente buena, como lo muestra la clausura años atras de En Danza, en Sevilla, y de Les Nauss en Barcelona. Leamos lo que dice El País:

Las 45 salas de música en directo de Madrid se han plantado con un lema al frente: “¡¡Somos cultura!!”. El cierre consecutivo de ocho locales de ocio de Madrid por parte del Ayuntamiento, tras el asesinato de un joven en la discoteca Balcón de Rosales el pasado 15 de noviembre, reunió ayer a los máximos representantes de la Asociación de Salas de Música en Vivo para mostrar su desesperación ante la “falta de apoyo de las administraciones” para desarrollar su actividad y el aumento de cortapisas: “En los últimos meses ha habido un incremento de inspecciones, han aumentado los expedientes de una manera brutal”, decía Javier Muñiz, el presidente de la asociación en Madrid, y propietario de La Boca del Lobo.

“Primero fue el Bogui Jazz, después La Riviera y ahora amenazan con cerrar la sala Caracol”, titulaban su comunicado. El día 21 de octubre, y en pleno Festival Internacional de Jazz patrocinado por el propio Ayuntamiento, fue el Bogui; justo un mes después, La Riviera, But, Macumba y Moma. Randal, Top Ghat y Colonial Norte han sido las últimas, pero, según Muñiz, la sala Caracol podría estar también en la cuerda floja, algo que ayer no confirmaron en el consistorio.

“El Ayuntamiento ha iniciado una caza de brujas, revisando las licencias que ellos mismos dificultan… Es más que probable que esto no pare aquí, las repercusiones que tienen estos cierres son incalculables en lo humano, en lo musical y en lo empresarial. La ciudad se empobrece más”, dice el texto que hicieron público ayer y en el que ya anuncian futuras acciones de resistencia como una columna musical que iría desde el Bogui hasta la Junta Municipal de Centro, en la plaza Mayor.

El Ayuntamiento ha llegado a reconocer en las pasadas semanas, a través de su concejal de Urbanismo, Pilar Martínez, que se había puesto en marcha una “campaña de inspecciones”. Por su parte, desde el Área de Las Artes insisten en darle su apoyo: “Nosotros podemos hacer y hemos hecho de interlocutores con otras concejalías, estamos trabajando con Medio Ambiente y Urbanismo, intentando ver si hay alguna manera de solucionar los problemas que están surgiendo con algunas salas, pero una cosa es la actividad cultural que apoyamos y otra las licencias y los permisos”, explicaban.

La dualidad del Ayuntamiento está volviendo locos a los empresarios madrileños, que reclaman con urgencia “el desarrollo de la Ley de Espectáculos y, en concreto, de una ordenanza municipal especial para las salas de música en vivo”. Algo que les permita saber a qué atenerse y les saque del limbo y la indefinición en la que se encuentran.

“El 1 de enero se pondrá en marcha un nuevo modelo de tramitación de las licencias y a lo largo del año 2009 se aprobará y se gestionará la contratación de las empresas certificadoras que desarrollaran estos trámites a partir de 2010″, explicaban ayer fuentes del área de Hacienda, que dirige Juan Bravo.

Los portavoces de la asociación de las salas de música en vivo exigieron ayer también que se mantenga la moratoria para sus locales y se levanten los precintos de las tres salas afectadas, además de que se dignifique su trabajo y que se reconozca la actividad cultural de sus espacios.

En la mesa reunida ayer estuvieron también el presidente de la Asociación Coordinadora Estatal de Salas de Música en directo (ACCES), David Novaes; la presidenta de la Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo (ARTE), Carmen Peire (junto a Jorge Pardo); el periodista Diego A. Manrique y el dueño del Bogui Jazz, Richard Angstadt (Dick), entre otros. Novaes hizo hincapié en “el retraso de España frente a otros países” y lamentó la “falta total de sensibilidad y de criterios culturales en la Administración de Madrid”, una opinión a la que se ha sumado la artista Carmen Paris, que aseguró que su empresa tenía que estar dada de alta como una empresa de desratización porque no existía una categoría.

La guinda final la puso Manrique, que quiso promover el espíritu de combate: “No olvidéis la inmoralidad de un enemigo capaz de utilizar una muerte para aterrar a los empresarios de la cultura”.

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Un País Invisible

Publicado por pachoj en Enero 5, 2009

En noviembre del año pasado se publicó el libro colectivo Cultura Mexicana, Revisión y Prospectiva, coordinado por Francisco Toledo, Enrique Florescano y José Woldenberg, bajo la editorial Taurus; con loaboraciones de Lourdes Arizpe, Lucina Jimenez, Erneso Piedras y Carlos Monsiváis, entre otros.

9786071100214

Yo participo con el texto “Un País Invisible. Escenarios independientes: Autoegestión, Colectivos, Cooperativas, Microempresas y Cultura Alternativa”

El libro es resultado de un coloquio que se celebró más de un año antes en Oaxaca y puede adruirirse por la web en la pagina de la librearía virtual de El Fondo de Cultura Económica

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Nuevas estrategias de las grandes discográficas

Publicado por pachoj en Diciembre 30, 2008

El 29 de diciembre de 2008 apareció en El País una columna de mi amigo Diego Manrique fustigando a Bruce Springsteen por editar un Greatest hits que sólo se venderá en EE UU a través de los almacenes Wal-Mart, donde describe las nuevas estrategias de distribucón de las grandes discográficas:

“Ocurre que Wal-Mart es un beligerante bastión del Partido Republicano (aunque, por cubrir las apariencias, haya contado con Hillary Clinton en su junta directiva). Se ha ganado una pésima reputación por su política laboral, evidenciada en sucesivas condenas por abusar de sus trabajadores, que suelen tener empleos temporales y escasa cobertura médica. Estamos hablando de un gigante que cuenta con 2.100.000 empleados (”asociados”, prefieren denominarlos) en todo el mundo. Por el contrario, Springsteen siempre alardeó de posturas sindicalistas y de simpatía por esas pequeñas tiendas agobiadas por los precios de las grandes cadenas”.

Como Srpingsteen, varios otros lo habían hecho antes: “Desde que el vaquero Garth Brooks, hasta grupos teóricamente tan indómitos como Guns N’Roses o AC / DC han firmado acuerdos similares con Wal-Mart o Best Buy; Starbucks y Barnes & Nobles también han pactado con solistas que consideran adecuados para su clientela”.

Para Manrique, las razones son evidentes: “Bajo el punto de vista mercadotécnico, beneficia a las cadenas: atraen a un público que quizá nunca les visitaría y que posiblemente no se limite a comprar ese título codiciado. A su vez, artistas y disqueras se benefician del colosal poder publicitario de Wal-Mart y similares, gorilas que se golpean en el pecho para anunciar sus ofertas”.

Entonces Manrique describe los daños a la “ecología de la economía cultural” de este tipo de medidas:

“A la larga, se trata de un disparate: esas concesiones son un clavo más en el ataúd de las pequeñas tiendas de discos, que cumplen una función indispensable en la ecología de la industria, al dar salida a nuevas propuestas estéticas (y a artistas que posiblemente luego serán objetivo de las “multis”). Al contrario de los grandes almacenes, los minoristas de discos son focos activos de cultura musical; cualquier cosa que no sea proteger a los puntos de venta independientes equivale a dispararse en el propio pie. Pero las disqueras llevan mucho tiempo apretando el gatillo sin mirar. ¿Y las superestrellas? Tengan por seguro que hace miles de años que no entran en una tienda de discos: sus problemas de supervivencia les sonarán a chino mandarín. Desde sus alturas, la solidaridad con los peces chicos del negocio musical debe resultar una extravagancia inconcebible”.

Este último análisis enriquece lo escrito en el texto “Un País Invisible, escenarios independientes: autogestión, colectivos, cooperativas, microempresas y cultura alternativa”, pulicado en el libro Cultura Mexicana, Revisión y Prospectiva, bajo el sello de la editorial Taurus.

Este artículo también se relaciona con lo que manrique publicó en ese mismo diario el 19 de diciembre , aludiendo a la contracción del mercado del disco en soporte convencional, bajo el titulo de La hazaña de Atlantic Records:

“…la contracción del mercado ha resultado fatal para tiendas grandes y pequeñas, lo que dificulta la supervivencia del llamado negocio de “cola larga”, que apuesta por vender pequeñas cantidades de muchos títulos. Se trata de referencias que tienen poca cabida en los grandes almacenes -Wal Mart, Best Buy-, que son los canales favoritos de las multinacionales. Gigantes que se pueden permitir exigir ediciones censuradas de determinados lanzamientos.En 2011 la música digital alcanzará el 50% de las ventas totales”

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Vanguardia del Pacífico

Publicado por pachoj en Noviembre 28, 2008

Tanto el del tololoche como el de la tarola son magistrales:

Aquí con violín y guitara, en clave de son:

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Despedida de Radio UNAM

Publicado por pachoj en Noviembre 28, 2008

Hoy terminó mi programa Ruidos de la Calle en radio UNAM, duró todo este mes. Aquí la lista de piezas programadas hoy viernes. El último día tuve como invitado al gran Rulo programando rolas, la parte de su play list después la subo porque la lista se la llevó él. También tuve a Plaqueta de invitada en tres emisiones, sus rolas también los subiré después porque fuimos poniendo una rola cada quien, dialogando en gustos, así que necesito que ella me de su play list; lo mismo con Oscar Necoechea, otro de mis invitados, que puso rolas de blues electrónico.

Budub, Puzzle Punks.

Blood In Transit (After Dinner Mints), Fun-Da-Mental

Repent, Fun-Da-Mental Erotic

Canon, Satoru Wono, del disco Sonata for Sine Wave and White Noise.

Staràlfur, Sigur Rós.

Rehome, Takagi Masakatsu.

1., Takehisa Kosugi, del disco Violin Solo 1980 N.Y.C

Gardening#2, Teiji Furuhashi / Toru Yamanaka.

Breath Of The Air,  Tsuki No Wa.

モンダギュー・ヴェローナ Tsuki No Wa.

45.000$ (Guapa Pasea) [Afrodisiac Soundsystem Remix], Gecko Turner. (N.B. Aquí anuncié otra canción de Takagi Masakatsu pero, como el programa es grabado y yo dejo un CD con mis canciones, el productor se equivocó y puso la de Gecko Turner).

Catalina Fernandez La Lotera,  Elena Andujar.

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Play lists de Ruidos de la Calle en Radio UNAM

Publicado por pachoj en Noviembre 19, 2008

Aparentemente subirán los programas de Ruidos de la Calle a la sección de DESCARGAS de la página web de Radio UNAM, incluyendo en el que estuvo Plaqueta de invitada. SI no, pues peuden escribibirles a ellos pidiendo que lo hagan, porque ello ya no depende de mí.

Mientras tanto, pongo aquí el resto de los play lists de los programas de Ruidos de la Calle en Radio UNAM:

Jueves 13 de noviembre, día 7, dedicado a un poco más de salsa africana:

Der Bauch,  Mc Sultan.
jumpin jack flash, Ananda shankar
the calling, Pressure drop.
guantanamo(outlandish Bhangra, Outlandish.
jogi (main),   Panjabi MC.
panjab in da club / dr sonat, Panjabi MC.
strong culture,  Asian dub fundation.
collective mode, Asian dub fundation.
Body Machine, Transglobal Underground.
Dub Mentality, Asian Dub Foundation.
Sunday School, Fun-Da-Mental, There Shall Be Love!

Viernes 14 de noviembre, día 8, invitado especial, Fernando LLanos:

It 5, Architecture In Helsinki,    In Case We Die (Advance)

Knowles, Jamie Mildren, Sam Perry, Tara Shackell, and Kellie Sutherland among its rank.
Atardecerenelpejevial, El trio trote (que según Llanos es una de sus ex bandas, con lo peor que he opido en mi vida, no sé cómo se atreve Llanos a radiarlo y decir que es él).
bdr-soltaofrango,  Bonde Do Role.
Heartbeats, Jose González,   Veneer.
La Cumbia Metalera, Los Querubines Negros del Molocotongo.
little bit,  lykke li.
Mala Reputación,  Georges Brassens    Canto Libertario
Lovers Who Uncover, The Little Ones    SingSong EP
Your English is Good, Tokyo Police Club    Demo
I Will Never Love You,  Soko    Unreleased

Lunes 16 de noviembre, día 9, dedicado a Poesía en Voz Alta:

Gibraltar, Abd Al Malik, Label Compil’ – La Bande Son De La Nouvelle Scène Française.
este no es un poemade amor.mp3,  accidents polipoetics.
el obrero.mp3,  accidents polipoetics.
Atenção,  Arnaldo Antunes    Paradeiro.
Les Entrailles Du Monde,  Anouch & Zuga, del disco Les Nubians Presents: Echos Chapter One: Nubian Voyager.
todo lo que ves es un conejo.mp3,   accidents polipoetics.
la razon.mp3,    accidents polipoetics.
El Gallo, Albert Plá,    En Directo.
Dope, Amiri Baraka    Every Tone A Testimony
I Wonder Where My Brother Gone, Annie Grace Horn Dodson, Every Tone A Testimony.
For Brian Buczak, Anne Tardos, del disco Spoken Music Concert at Paula Cooper Gallery.
Bars Fight, Arna Bontemps, del disco Every Tone A Testimony.
Los Ojos, Albert Plá    En Directo.
I’m Going Up North, Children Of East York School, del disco Every Tone A Testimony.
Heaven, Chuma & Fisiwe    Les Nubians Presents: Echos Chapter One: Nubian Voyager.
Winds Of Change,  Byron Wallen

Martes 17 de noviembre, día 10, dedicado a versiones de rolas clásicas:

Like A Rolling Stone,    Jimi Hendrix    Jimi Plays Monterey
chan chan, Macaco
When a Man Loves a Woman,  Otis Reading.
come una pietra scalciata, Articolo 31.
La bien paga (directo), Elbicho    El Bicho
Pinar Boys/Chan-Chan,  Barrio Cubano    Rap De Cuba.
Hasta Siempre,  Barrio Cubano.
por qué te vas,  Los Super Elegantes.
This boots are made for walking,  Jessica Simpson.
Sex Machine,  Pucho.
El Puente,   Nilo MC    Guajira Del Asfalto.

Miércoles 18 de novembre, día 11, invitada especial, Plaqueta:

eagle fly free, Helloween.
where the wild roses grew, Nick cave.
Los caminos de la vida, Los Angeles Azules.
solitary shell,  Dream theater.
unga unga time, Emir kusturica
besos por teléfono, Cesar costa
growing on me, The Darkness

Jueves 19 de noviembre, día 12, dedicado a covers, versiones de piezas clásicas:

oye como va, Profesor angel dust.

Suzanne, Alain Bashung, Bleu Pétrole.

Walk On The Wild Side (El Lado Más Bestia de la Vida), Albert Plá, del disco Supone Fonollosa.

I will survive, Cake Rock.

Gloria, Patti Smith.

La Abuela, Pernett, del disco Cumbia Galactica.

Oye Cómo Va, 3canal & La Cote.

Gato, Los Fulanos Feat. Peret Achilifunk, del disco Gipsy Soul 1969-1979

Gur Nalon Ish Mitha (Remix), Bollywood Brass Band, del disco Bollywood Brass Band Funkadelica – Dancing To A Different Drum Bollywood

Easy (Cooler Version), Faith No More.

Light My Fire, Shirley Basey, del disco Mojo Club: Dancefloor Jazz Vol. 4

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Ruidos de la Calle en Radio UNAM

Publicado por pachoj en Noviembre 19, 2008

Este mes me pidieron hacer un programa de radio en Radio UNAM. Se llama Ruidos de la Calle, como se llamó el programa de radio que tuve en la emisora web del diario Reforma hace ya más de un lustro.

El programa pasa todos los días de noviembre a las 20 hrs en Radio UNAM, FM. Se puede oir en línea,yendo a esta dirección, y ahí hay que picar la selección de FM (y si tienes iTunes, debes aceptar el sistema WINAP). Normalmente se oye muy bien, pero el lunes y ayer martes se colapsó el sistema de tantos escuchas.

Básicamente le he dado un perfil musical, sin mucho rollo y revisando una gran variedad de géneros, asunto que evidentemente implica que habrá días que no guste a unos y a otros sí.

Esta semana empecé invitando gente para que ponga música y cuente sobre sus trabajos. Ya estuvieron Fernando Llanos y Plaqueta. Por cierto, los comentarios que le dejaron a Plaqueta en la entrada de su blog sobre el programa de radio son violentos pero graciosos, se ve que tiene seguidores bastante obsesivos y de gustos musicales unidimensionales.

De cualqueir suerte, buscaré subir los programas de radio a mi sitio  web para los intresados (incluido el de Plaqueta).

Mientras tanto, para los que me han escrito preguntándome por las rolas, aquí los play list de los primeros programas hasta, más adelante iré poniendo las demás:

Lunes 3 de noviembre, día 1, dedicado al tango en el mundo:

“Sur”, Andrés Calamaro, disco Tinta roja.
“Alloy”, Salle Gaveau, disco Alloy.
“Mujeres” (Poema),  Juan Gelman Y César Stroscio, disco Ruiseñores De Nuevo.
“Amurado”,  Juan Gelman Y César Stroscio, disco Ruiseñores De Nuevo.
“A Evaristo Carriego”, Triocontempo, disco Angeles Y Demonios.
“Balbon”, Tango Crash, disco Otra Sanata.
“Yo Tambien Escribo Cuentos” (Poema), Juan Gelman Y César Stroscio, disco Ruiseñores De Nuevo.
“Recuerdos De Bohemia”,  Juan Gelman Y César Stroscio, disco Ruiseñores De Nuevo.
“Mano a mano”, Andrés Calamaro, disco Tinta roja.
“Tangos De La Repompa”, Las Migas, disco Unas Voces.
“Otra Sanata”, Tango Crash, disco Otra Sanata
“Parade”, Salle Gaveau, disco Alloy
“El sonido de la milonga”, Bajofondo Tango Club
“Santa Maria” [Tom Middleton Cosmos Remix], Gotan Project.

Martes 4 d noviembre, día 2, dedicado a la rumba catalana, con algo de rai y salsa:

“La Cançó Del Lladre”, La Troba De Kung-Fú, Primera Entrega
“Alabina”, Alabina, Futuro Flamenco Vol.2
“H Rabti”, Cheb mami    DJ floro flamenco, womex  2003.
“Gitana”, Willie Colón, Futuro Flamenco Vol.2
“Ventilaor R-80″, Ojos De Brujo, Futuro Flamenco Vol.2
“Papo”, Cosmic Rocker, Futuro Flamenco Vol.2
“Anana Hip”, Dolores Vargas, Achilifunk – Gipsy Soul 1969-1979.
“Te Estoy Amando Locamente”, Las Grecas.
“¿Por qué te Vas?”,  Carles mestre y la sinfonica de gavá, Rumba Y Delincuencia.
“Chaví”, Peret, Achilifunk – Gipsy Soul 1969-1979.
“El Gorrotín”, Smash!!,  Achilifunk – Gipsy Soul 1969-1979.
“Tiene Sabor”, Gato Perez    Achilifunk – Gipsy Soul 1969-1979.


Miércoles 5 de noviembre, día 3, algo de bugalú, electrosalsa, soul y afrobeat:

“Apewalk”, Al Escobar, Explosivos: Deep Soul From The Latin Heart.
“Almendra”, The Alegre All Stars, Pala Luna.
“Do the Funky Boogaloo (Pt I)”, Barry Jones, Funk Drops 3

“These Boots Are Made For Walking”, Diana Ross & The Supremes    Soul Legends 2

“Latin soul drive is here”, Chollo Rivera and The Latin Soul Drives, Explosivos: Deep Soul From The Latin Heart.
“Viva Tirado”, Fania All-Stars, The Rough Guide To Boogaloo
“Mi Cuba”, P18    Radical Mestizo (Disc 1)
“San Fransisco Tiene Su Propio Son” (The Son Et Lumiere Remix), Patato, del disco Electros & Latinos.
“Jibaro”, Elkin & Nelson, Spanish Grooves
“Shenshema”, Fela Kuti    The Wire: 20 Years 1982-2002 Audio Issue (Disc 1).
“Bang Bang”, Joe Cuba Sextet    Boogaloo (IK)


jueves 6 de noviembre, día 4, algo de múscica árabe:

“Nebda Benbi Sousia”, Abdeljalil Kodssi, Barcelona Raval Sessions [Disc 2]
“Zwit Rwit”, Idir, A Vava Inouva
“Berka Ya Mami”, Abdeljalil Kodssi,    Compilacion ventilador
“Said, Abdeljalil Kodssi” (col.omar sosa), Compilacion ventilador
“Halt ayam”, Ait menguellet.
“Yiyi”,  Aïwa, del disco Aiwa.
“Zina”, Cheb aziz, Barcelona Raval Sessions [Disc 2]
“Qué pasa contigo”, Cheb Balowski, del compilado Barcelona Raval Sessions [Disc 1]
“Istanbul”, DJ Awal, Just One Night.
“Golden Seal”,  Glen Velez.
“A sheeba”, Hamid bouchnak.
“La France Des Couleurs”, Idir, La France Des Couleurs…
“Marche Sur Jérusalem”, Idir Feat. Akhenaton, La France Des Couleurs…
“Didi”, Cheb Khaled, Khaled.
“Civilise”, Orchestre National de Barbès, Alik.
“Azger”, Idir, A Vava Inouva.


Viernes 7 de noviembre, día 5, dedicado nuevamente a la salsa africana y el afrobeat:

“Beng beng beng”, Femi Kuti remix da lata.

“Silence, On Reve”, Tatouades, del disco Africa Remix.

“Coupe Bibamba”, Awilo Longomba, del disco Africa Remix.

“Fanya Tena”, Juliani, Johny-Boy, K-Swiss & Agano, del disco Africa Remix.

“Mreimida”, Malouma, Africa Remix.

“Lahl Umlenze”, Thandiswa Mazwai, Africa RemiX.

“Bulugwe Lami”, The Cool Crooners Of Bulawayo, Blue Sky.

“I Cherry Ze’ Sport”, The Cool Crooners Of Bulawayo, Blue SkY.

“Pata Pata”, Miriam Makeba, Sock It To ‘Em Soul

“Evil ways”, Cal tjader & Carmen Mcrae.

“Rapada”, Toure kunda.

“Songa Mbele / Moving On”, Zawose & Brook Assembly


Lunes 10 de noviembre, día 6, algo de salsa africana:

“C’Est Party”, Sael
“Tchiko te”, Ze Manel
“Kamaro”, The Cool Crooners Of Bulawayo,  Blue Sky
“Manicero”,  Tintino
“Faty”, MANGWANA
“Limbo negro”, Menelik
“Jingo”, Candido
“Boom tigiding”, Kss
“A buena vista”, Soneros de verdad
“El Cascabel”, Batata Y Su Rumba Palenquera    Radio Bakongo
“Amsa bopp”,  Super cayor de dakar.


Martes 11 de noviembre, día 7, dedicado al productor canadiense Michel Brook:

“Kuna Kunguni / The Bedbugs Bite”, Zawose & Brook, disco Assembly
“Ntambalize Lijenje / Pumpkin Life”, Zawose & Brook
“Chilumi Kigumu / Tricky Voices”, Zawose & Brook
“Haliko Chijende / Let’s Walk”, Zawose & Brook
“Sina Raha / No Joy”,   Zawose & Brook
“Mbeleje / Sweet Deceiver”,  Zawose & Brook
“Chilumi Cha Kwetu / Voices From Home”, Zawose & Brook
“Awuno Mganga Ndeje / Cry Of The Bush Bird”, Zawose & Brook
“Nothing Without You (Tery Bina)”, Nusrat Fateh Ali Khan, Mustt Mustt
“Mustt Mustt”, Nusrat Fateh Ali Khan, Mustt Mustt

Miércoles 12 de noviembre, día 8, algo de múscia del Indostán:

“Der Bauch”,  Mc Sultan.
“Jumpin jack flash”, Ananda shankar.
“The calling”, Pressure drop.
“Guantanamo” (outlandish Bhangra),  Outlandish.
“Jogi” (main), Panjabi MC.
“Panjab in da club / dr sonat”, Panjabi MC.
“Strong culture”, Asian dub fundation.
“Collective mode”, Asian dub fundation.
“Body Machine”, Transglobal Underground.
“Dub Mentality”, Asian Dub Foundation.
“Sunday School”, Fun-Da-Mental, There Shall Be Love!

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e-books en la Feria de Francfort

Publicado por pachoj en Octubre 18, 2008

De acuerdo a una nota del 15 de octubre de la agencia DPA, en la versión 60 de la Feria del Libro de Francfort ha predominado el libro electrónico (e-books).

“Entre ellos figuran Kindle, del gigante Amazon, y Reader, de Sony. El fabricante japonés anunció hoy en Francfort que su primer dispositivo de lectura digital saldrá a la venta en Alemania, en la primavera de 2009. Desde hoy y hasta el domingo se congregan allí 7 mil 373 expositores de 100 países y más de un millar de autores, entre los que destacan los premios Nobel Günter Grass y Orhan Pamuk. Sin embargo, todo queda eclipsado por el libro electrónico.

En los años recientes, Francfort se convirtió en una amplia plataforma en la que ya no se comercializan sólo títulos, licencias y traducciones del sector editorial convencional, sino que incluye guiones cinematográficos, tiras cómicas, software para aprendizaje de lenguas, y fonolibros.

Los expertos manifestaron hoy su acuerdo en que el avance digital es imparable y en los próximos años la nueva generación de libros electrónicos trastocará totalmente el mercado. Así, en 2009 podrán adquirirse en el mercado desde clásicos de la marca iRex hasta un minúsculo dispositivo móvil, el Readius, de Polymer Vision. Este último pesa sólo unos 100 gramos y permite elegir entre diferentes pantallas para visualizar el texto. A él se suman las nuevas generaciones del i-Phone de Apple, que ya tiene incluido el software para el e-book.

Todos esos aparatos tienen pros y contras. Kindle permite descargar contenidos de manera directa mediante un módulo celular; sin embargo, el software del libro sólo puede comprarse en Amazon y leerse con Kindle.

Otros fabricantes, como Sony, han optado por un “formato abierto”: todos los libros electrónicos funcionan en todos los aparatos.

Además de los detalles técnicos, en lo que respecta a los e-books quedan muchas otras cuestiones por cerrar, como la forma de los dispositivos y la rigidez de la seguridad anticopia.

El experto Christoph Bl’si, de la Universidad alemana de Erlangen-Nuremberg confía en la ‘coexistencia pacífica’ de ambos formatos”.

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Oralidad multimediática

Publicado por pachoj en Mayo 11, 2008

Juan Villoro establece una analogía entre las tradiciones premodernas africanas y las formas narrativas en la Web 2.0. Sin extenderse en el tema, insinúa conocer los ejercicios internáuticos de narrativa colectiva, descubriendo analogías entre prácticas antigüas y modernas, muy en el sentido de aquél oximoron de la antigüedad multimediática.

Todo esto a partir de un mal entendido, según cuenta en su columna en el diario Reforma del 9 de mayo pasado.Con su buen humor acostumbrado, Villoro se pregunta:

>>¿Hasta dónde lo atávico coexiste con lo nuevo? Ciertos malentendidos aclaran la realidad y uno de ellos me permitió un acercamiento insólito a internet. Me presentaron a un escritor negro que hablaba francés y había errado por varios países en busca de refugio. Como mi francés es deficiente la conversación progresó entre lagunas de incomprensión. Creí entender que era un “autor de chat”. Me pareció interesante que las nuevas tecnologías determinaran la forma de su escritura. Me habló de la oralidad y el sentido tribal de la narración, la polifonía de voces que se mezclaban en la página. Pensé que, en efecto, los usuarios conectados en la red representan una comunidad que reclama un testimonio múltiple. La red como fogata virtual donde los peregrinos cuentan sus historias.>>  

El mal entendido de Villoro disparó su imaginación y articuló analogías deliciosas entre las tradiciones “premodernas” de África (vease la tradición oral afroamericana) y el ciberespacio:

>>El escritor (africano)  habló de la polifonía y las tradiciones de su país, que privilegian el relato colectivo. Puesto que internet es un espacio deslocalizado, que reúne a gente dispersa, le pregunté si registraba testimonios francófonos ajenos al dominio africano. Entonces me vio como si yo fuera un marciano y volvió a explicar todo desde el principio: ¡no era un autor de chat sino de Chad! La oralidad a la que se refería no era resultado de una nueva tecnología sino de una arraigada tradición.>>

Chad, el miserable país africano, donde la tradición oral es un referente cotidiano. Versus, el chat, donde los canones escriturales se ven pervertidos en relación a diferentes niveles de discurso, el visual de las fotos, el auditivo de los archivos de audio, los audiovisuales por los videos, etc.

Por todo esto, podemos decir que la oralidad vuelve, vinculada a la experiencias escénica y a los recursos multimediáticos, generando Lecturas a la deriva, y Poesía en voz alta, parecido a lo que hicieron los dadaístas con su poesía sonora, o como se puede ver hoy en los actuales archivos del Periódico de Poesía.

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El Tercer Espacio

Publicado por pachoj en Mayo 5, 2008

He vuelto a hojear el maravilloso libro Thirdspace, Journeys to los Angeles and Other Real -and-Imagined Places de Edward W. Soja que compréen los noventa durante alguna gira, cuando me pasaba temporadas en casa de Ruben Martínez en Los Angeles y me escapaba a las librerías.

En ese entonces me interesaba el espacio pensado en relación a la música. Más que un censo o un inventario de grupos, suponía que era importante trazar una topografía del imaginario roquero (en el sentido de lo que mencionaba ya en Sonidos Urbanos). Esta topografía del imaginario nos habría permitido integrar diversas variables que entran en juego en la música, más allá de la biografía unidimensional del artista, la cantidad de discos vendidos o el número de seguidores que tiene.

El libro de Edward Soja abría puertas para una probable articulación espacio-socialidad-historia-imaginario. De esta forma, se lograba una concepción espacial que superaba la noción del espacio como un simple binomio, local-global, tan incómodo como incapaz de explicar la realidad. ¿Qué es lo local para un grupo que convive con sus pares subculturales de otros rincones del planeta mediante la lectura de revistas, fanizines o el Internet?

Soja parte de una relectura del concepto de Henry Lefebvre des espaces autres y lo reinterpreta como un tercer espacio. ¿Cuáles serían los otros dos?

El primer espacio correspondería al de la existencia concreta de las formas materiales. El segundo al de la idea que se tiene sobre el espacio material, o sea, se asociaría a las representaciones mentales de la espacialidad humana. Estos dos espacios conforman un binomio inseparable: el espacio real y el espacio imaginado.

En cambio, el tercer espacio sería el espacio vivido, la mezcla de espacio real y espacio imaginado, entendido como un espacio diferente que se conjuga de los otros dos en un imaginario social y que por lo mismo se conciencia de una forma distinta ya que logra superar el dualismo: es Otra forma de conocimiento espacial (¿se podría decir que es una dimensión espacial performativa -que se habita imaginándolo-?)

Es el espacio del arte y la cultura. El espacio del urbanismo y de la utopía.

Pertinente es aclarar que no me refiero a la utopía revolucionaria, sino a toda aquella figuración que se encarna como fin subjetivo de cualquier empresa humana (empresa que es entendida por el individuo o el colectivo en cuestión, como “históricamente” trascendente: llegar a un lugar -que no existe-).

Me refiero a los motivos del hombre, por ejemplo, para poblar geografías insondables en nombre de figuraciones como El Dorado o la Fuente de la Eterna Juventud; mentiras que fueron reales en cuanto empujaron a los individuos a transformar territorios por completo con su movimiento. Acaso lo mismo podría decirse respecto de figuraciones como el “civilizar” para los poblamientos coloniales. Quizá la búsqueda de la democracia también es, en tanto concepto perfectible, una figuración que pone a nuestros contemporáneos en movimiento. En todo caso, las subculturas y las contraculturas están cargadas de fantasías equivalentes, es decir, de dimensiones performativas.

El problema para el rock es que, aparte de un sonido con una tradición en sí misma, un lenguaje, un canon, es también casi siempre una subcultura. De ahí que el tercer espacio permite establecer el vínculo entre los canones exclusivamente sónicos de cada subgénero singular, con el imaginario subcultural-transterritorial. Una dimensión que no se da dentro de la múisca clásica ni dentro de la literatura, ya que cada uno de estos es un campo en sí mismo casi exclusivamente estético.

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Linthon Kwesi Johnson

Publicado por pachoj en Mayo 3, 2008

Linthon Kwesi Johnson se presentó con su dub poetry en Poesía en Voz Alta.06. Incluso dio una conferencia muy interesante. Aquí un video de su trabajo en un club de NYC:

A su vez, los programas de POESIA EN VOZ ALTA están en los archivos de la página oficial de la CASA DEL LAGO: P.V.A.05, P.V.A.06, P.V.A.07

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Pantalla vs pantalla: el iTunes vs DVDs físicos

Publicado por pachoj en Mayo 3, 2008

Y ahora, el turno para las pelis. ¿El soporte físico en dvd pasará a la historia?. iTunes sigue rigiendo este proceso tal como lo hizo en la música a principio de siglo con la invención del iPod, presentado públicamente  el 23 de octubre de 2001, pocos días después del atentado a las torres gemelas (para información sobre la invención del iPod, puede verse este delicioso libro The Perfect Thing: How the iPod Shuffles Comerce, Culture, and Coolnes, de Steven Levy, que ya se ofrece en Amzaon en su versión para Kindle).

Así, el kindle en la literatura y el iTunes para el cine, comienzan a acelerar el proceso que ya sufrió la música respecto de la generalización del uso de soportes alternos para su consumo. Un proceso que en el caso concreto del iPod ha transformado nuestra manera de escuchar la música, como bien documenta el libro de marras.

Apenas hace cinco años comenzó la venta de canciones por iTunes. Ahora, de acuerdo con el diario El País:

“El soporte físico de las películas corre serio peligro tras el anuncio hecho por Apple el jueves. El gigante informático y 11 grandes estudios sellaron un pacto para que las películas salgan a la venta al mismo tiempo en DVD y en el servicio de venta de contenidos culturales de Apple, iTunes. Las implicaciones de algo así son enormes. Están en juego el futuro del negocio del cine, cómo consumiremos las películas (y por tanto la pervivencia de las salas) y también la misma existencia de los videoclubes”

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Papel v.s. pantalla

Publicado por pachoj en Mayo 1, 2008

En El País aparece el artículo “Penguin lanza seis novelas digitales concebidas para la Red”. La industria editorial sigue desvelándose para hallar la manera de aprovechar la Red y ”superar” el soporte físico en papel para sus productos:

>>”Ha sido un reto interesante y complicado, porque los escritores no estaban muy familiarizados con el lenguaje de los videojuegos. El objetivo era relatar las historias de forma que pudieran funcionar exclusivamente en Internet, que no pudieran existir en papel. Por ello, el equipo de diseñadores y programadores trabajó con los autores desde el principio y durante todo el proceso. No se trataba de coger un relato y adaptarlo para Internet, sino de crear obras totalmente inéditas, escritas para un medio interactivo”, explica Adrian Hon, director artístico del proyecto, responsable de la “arquitectura de la historia”, diferente para cada obra.>>

 Al parecer, los resultados son aún erráticos:

 

 >>El difícil reto de trasladar el libro a la pantalla

La editorial británica Penguin realiza un nuevo intento de trasladar la experiencia de lectura en papel al ordenador. Hasta ahora las vías han sido fundamentalnente dos: crear el soporte (el libro de papel convertirdo en una especie de PDA, como es el caso de e-Reader y el reciente Kindle de Amazon) o crear obra original para el soporte electrónico (la escritura directamente en la máquina). Es el caso de los libros de Penguin en la web o el ya lejano -y fracasado- del escritor Stephen King de crear un novela en Internet (Montando la bala, 2001) que se escribía a medida que el lector iba pagando por sus capítulos. Ninguna de las dos estrategias ha convencido, de momento, al lector.>>

 Si el Kindle no evoluciona hacia un soporte más amigable, como comentamos ya en Misoneísmos y la pérdida del aura libresca, no lograrán superararse las múltiples contradicciones de este proceso.

Hoy en la comida José Emilio Pacheco señalaba cómo resulta fatigoso leer novelas largas en la pantalla, a la vez que es imposible imprimirlas por lo caro del papel bond y la tinta de una impresora doméstica, además de lo poco compacto y funcional que resulta archivar copias tamaño carta en comparación con el libro, “uno de los inventos tecnológicos para almacenar información más sofisticados en la historia”, solía insistir José Emilio cuando me daba clases.

Así, tanto los ativistas como las editoriales corporativas buscan, por un lado, conciliar las posibilidades multisemánticas de la Red con un supuesto “nuevo canon escritural”. Es decir, quieren lograr la convivencia (o hasta la complementaridad interactiva) entre los diversos niveles de lectura que permite el medio electrónico: el video, el audio, la imagen y los hipertexos. Algunas personas incluso hablan ya de una potencial sinestesia, que para mi gusto aún es una figuración de ciencia ficción; una fantasía que las nuevas tecnologías han potenciado. Recuerdo aquella emblématica revista de la contracultura digital o ciberpunki de los noventa, afincada en la post-beatnik bahía de San Francisco, llamada Mondo 2000 , la cual celebraba siempre las potencialidades sinestésicas dentro de los nuevos medios y que, como su nombre anticipaba, era la única revista que tenía fecha de caducidad: dejó de salir en el año 2000.

Así pues, hoy día ya es posible articular en los blogs los archivos de audio, los videos, las fotos, el texto y los comentarios de los lectores. No así en las novelas. Insisto: ¿qué habría pasado si Juan Vicente Melo hubiera escrito La Obediencia Nocturna, con sus partituras, en la época de Internet? Seguramente nada distinto, precisamente porque aún no se ha logrado fusionar los diferentes niveles de lectura, si es que ésto llegara a ser posible algún día.

Por otro lado, los técnicos buscan diseñar un soporte para la literatura equivalente al iPod para la música, que permita leer novelas clásicas sin que resulte agotador leer en pantalla o que se añore el libro.

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Morente en Radical Mestizo, México DF

Publicado por pachoj en Abril 29, 2008

Ya hay videos de YouTube de Morente en la Plaza Santo Domingo. La calidad del audio pierde totalmente la potencia de aquella noche, pero se ve que son tomas desde celulares (la tribu del puglar).

 

Otro video más, con un  poquito mejor sonido, puede verse en la página del FIB

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Goran Bregovic Mixteco y Enrique Morente cantando a Leonard Cohen en Df

Publicado por pachoj en Abril 28, 2008

Ayer fue la clausura del Festival de México en el Centro Histórico en la plaza Santo Domingo. El cierre correspondió a Radical Mestizo con Goran Bregovic tocando con una banda mixteca de Oaxaca. Una nota interesante sobre esta fusión pude verse en La Jornada.

Más información sobre Gorab en el Blog de Carlos Ramirez

 

El día anterior, sábado 26, tocó el turno a Enrique Morente con Omega, lo mejor que he visto en mi vida. guitarrasos con distorcionadores fondeando una voz abismal del cante jondo de Morente. Potencia total, mejor todavía que el disco original de Omega (1996) , que por cierto puede escucharse remasterizado y relanzado para su compra en la página del artista,que inclye un inverosimil track extra grabado en un concierto con Sonic Youth. 

Morente y detrás del cuñado de su hija Estrella Morente, Curro, que venía de personal manager A la derecha el ingeniero de sonido antes del concierto

En el camerino después del concierto, con  Paquete y Ángel Gabarre.

 

Morente tocó con “los mejores”, como lo dijo durante su conferencia en el centro Cultural de España:

Paquete, guitarra; Dvid Cerreduela, guitarra. Bandolero, percusión. Ángel Gabarre, coros y palmas. José Enrique Kiki (su hijo), coros y palmas. Pedro Gabarre “Popo”, coros, palmas y baile.

Durante la prueba de sonido

 

Lagartija Nick, el grupo punki granadino, estuvo conformado por los fundadores Antonio Arias (guitarra, voz y bajo) y Eric Jimenez (baterista original de la grabación origin al de Omega). Víctor Lapido, en la segunda guitarra eléctrica y Lorena Enjuto (esposa de Antonio) en el bajo.

Para notas periodísticas, véase La Jornada. La nota del Reforma también estuvo muy buena, escrita por María Eeugenia Sevilla, que sabe bastante de flamenco y ya conocía el disco de Omega desde antes, cosa rara para el DF. 

 Durante el concierto, foto de Eniac Martínez

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Comida sin boda ni funeral

Publicado por pachoj en Abril 21, 2008

El domingo comimos con los “gorans”, charlamos de las dinámicas insospechables en que circula la información. De cómo Goran cambió la escena musical de México en 1995 con su disco Underground, a pesar de que no sonaba en la radio local pero sí en todas las fiestas en medio de un repertorio ya fuera electrónico o roquero, poniéndo a bailar a todos (¡bum bum bum!).

Épocas aquellas cuando Internet aún no rifaba como hoy, cuando la información circulaba subrepticiamente, incluso de maneras callejeras, como en el Tianguis del Chopo.Le relaté mi visita al Tianguis con Sinead o’Connor (que quizá contaré aquí alguna vez). Le hablé del son huasteco, del son jarocho, de la tambora sinaloense, de la música norteña y hasta de Nortec. En fin, de toda esa música que me sirvió para la investigación mediante la cual conceptualicé el taller con la banda de música mixe de Oaxaca desde hace varios años. Me pidió que le enviara copias a su país (vive entre París y Belgrado) o mp3 .

 

Hablamos también de  la situación turca respecto a la Comunidad Europea… De París y su cosmopolitismo ahora vuelto multiculturalidad. Comenté lo que alguna vez me dijo Manú Chao al respecto, es decir, de cómo el París cosmopolita de la primera mitad del siglo XX había desaparecido y lo que ahora imperaba era la multiculturalidad en los barrios bajos. De mi fascinación por las historias leídas sobre el Barrio Latino y cómo después de los ochenta los barrios interesantes son Barbés y Belleville. Sí, concluímos que ambas cosas, cosmopolitismo y multiculturalidad, son iguales pero completamente distintas, o sea, que ”cosmopolitismo es cuando tienes dinero, multiculturalidad cuando no”…

A la comida llegó Dobrina, una búlgara afincada en México desde su infancia. La conocí a nuestros 17, cuando apareció en una cena organizada por mi madre con sus alumnas de arte y quedé prendado de la misteriosa sonrisa búlgara, con quien ni siquiera hablé, y que así como llegó desapareció inevitablemente. Años después, en los noventa u ochenta, reapareció en la escena roquera, y nos hicimos amigos. Hoy casi nunca la veo, pero aquí la retraté con las coristas bulgaras de Goran, Ludmila Radkova -Trajkova y Daniela Radkova-Aleksandrova, con quienes se la pasó hablando búlgaro, lengua de un dulcísmo sonido(Dobrina es la del extremo izquierdo, obvio). Curiosamente también se comunicaba con los croatas en el mismo idioma, así que le pregunté y me dijo que eran muy parecidos.

El cantante y “baterista”  Alen Ademovic y el trompetista Bokan Stankovic de la banda para Bodas y Funerales.

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Goran Bergovic en Radical Mestizo 08

Publicado por pachoj en Abril 19, 2008

Ayer fue la conferencia de prensa para el concierto de Goran Bregovic dentro de Radical Mestizo. Su trato es afable, sencillo. Reniega de la fama. Se siente afortunado de vender más de cinco millones de discos y que aún así nadie tenga un poster con su foto en la recamara. Desde muy jóven era famoso en su pais, pero siempre ha tenido que enseñar su gafete para entrar a sus conciertos, pues los guardias no lo reconocen. Es ciertamente una fama afortunada, sin el vértigo de las miradas y acosos callejeros.

Vino con la formación más pequeña. La Orquesta Para Bodas y Funerales, conformada esta vez por dos coristas bulgaras, un cantante percusionista y seis metales; mezclando sonidos indostánicos, del kwäli sufi, armonías vocales búlgaras y tradiciones croatas y gitanas, con sus sobrios pero asertivos rasgueos en la guitarra eléctrica. Echa mano de secuencias de tarolas, cencerros y algunas otras percusiones, aunque nunca pude ver cómo las disparaba, supongo que era el monitorista, ya se lo preguntaré.

Dijo que cuando jóven le gustaba tocar rock, conectarse, electrificarse, subir el volumen, ahora ya no. Hoy prefiere las cosas sencillas, tocar públicamente como si se tratara de un conceirto en la sala de su casa. Busca la intimidad.

Antes tocaba con familias, hoy ha conformado un grupo a su medida: “tocar con una famila también acarrea problemas, así que elegí diferentes músicos de diferentes familias para armar su banda”.

Ya no le interesa verse con Kustiruca. Pasó diez años con él y ambos han tenido suficiente del otro, dijo. Bromeó: “Incluso pasar diez años con Angelina Jolie puede ser demasiado”. Tampoco se considera un buen compositor para cine, sólo cree haber trabajado en algunas películas buenas: “Entré al cine por necesidad, al estar en París por la guerra tenía que trabajar, así entré a la industria del cine”. 

Se irá a Oaxaca a ensayar con la orquesta mixe de Instrumenta, una idea que hace cinco años le propuse a Nacho Toscano y que al fin concretamos: juntar música de metales balcánica con una banda local; lograrlo con Bergovic era casi una utopía. Sí, un viejo sueño para mí, a ver en qué concluye. Llegará el jueves a Oaxaca y el resultado se presentará el próximo domingo 27. De hecho el concierto de ayer comienza con sonoridades muy afines a las de esas bandas típicas oaxaqueñas.

Comentó que la música no debe ser dejada sólo a los músicos profesionales, que a él le gusta tocar con músicos amateurs. “La música es como la comida y el sexo, sería muy triste dejarla sólo para los profresionales”. En septiembre lanzára su disco Alcohol.

Goran es serbio croata, de un país lastimado “nos han mordido, lastimado, en el lugar equivocado”, comentó sobre la situación política y los resultados de la guerra. 

Dijo que en su país la música podía dividirse en dos, la que se compone para ser interpertada con alcohol y la que se hace para ser escuchada sobrios. De ahí el nombre de su formación, que apela a lo sencillo, a lo cotideano más que al espectáculo profesional, a la música no desvinculada de la vida cotidiana, a la música para bodas, funerales y alcohol, o sea, la fiesta. Actitud que recuerda a Rachid Taha.

Su conversación me recordó la crónica sobre mi viaje por Europa en el 93, un artículo de 1994 llamado De Memoria, donde relato que después de estar tocando en estadios y festivales masivos para cientos de miles de personas, de pronto me vi en un club diminuto de Ámsterdam escuchando a Painting Over Picasso como si se tratara de una fiesta íntima. Una sensación que quizá fue la misma que me llevó a salirme de la banda cuatro años más tarde:

“Una vez fuimos a De Kroeg, un mini bar donde tocaba el excelente grupo Painting Over Picasso, aún desconocido pero que comenzaba a levantar comentarios por toda la ciudad; resultó uno de los conciertos más divertidos que he visto. Fue como un reencuentro con nosotros mismos dentro de una gira que ya parecía eterna. El lugar tenía un escenario casi al ras del suelo, tan pequeño que el grupo se mezclaba con la audiencia provocando su incendio; parecía una fiesta entre conocidos, ¿cómo describirlo sin disminuir la emoción tan distinta de los conciertos masivos?… Painting Over Picasso reflejó lo que creíamos era el sentido de Maldita Vecindad: el gozo por el simple gusto de tocar. No es que en algún momento lo hubiéramos perdido, pero a esas alturas quizá se agradecía el poder recordarlo conscientemente.”

El concierto de anoche fue apabullante. Para 1300 personas pero íntimo. Todo el Teatro de la Ciudad terminó de pié bailando, como cuando presenté a Rachid Taha hace unos años, cuando él grabo un DVD que puede verse en su último disco, que incluye su concierto portentoso en el Zócalo, donde sale Ximena Ayala

El concierto de Goran Bergovic del 27 con la banda mixe será grabado, así que quizá de ese sí podré algún día poner un video. El Llanos sacó algunas fotos que posteó junto con sus locuaces comentarios (siempre jungando con que alguien dijo que dijo pero que él no dijo y al final sí dice). 

Por ahora, y para finalizar, aquí el video de Rachid Taha, en la versión corta de YouTube:


Podríamos decir que el concierto de Goran de anoche está a la altura de lo mejor de Radical Mestizo de otros años: Rachid, Diego el Cigala, Ojos de Brujo, Muss et Hakim…

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Sobre rock indígena

Publicado por pachoj en Abril 18, 2008

Poco a poco, con avances y silencios sucediéndose en espiral, el rock indígena en el país cobra mayor visibilidad.

El tema me ha interesado estéticamente, sí, pero también culturalmente. Comencé a trabajarlo a finales de los ochenta documentando a grupos de jóvenes indigenas que formaban grupos de rock, ya fuera que cantaran en su lengua ancestral o en español.

Parte de estos trabajos los saqué en mi libro de 92 y más recientemente en el último artículo de nexos, Un País Invisible. También hay un acercamiento al tema en La Herencia de María Sabina, donde comento el  delicioso libro de Álvaro Estrada Huautla en Tiempos de los Hippies. Otro post donde he hablado de ello es en la ponencia Los Hijos del Campo.

Recuerdo que un día visité a Sergio Raúl Arroyo, entonces director del INAH, para proponerle realizar una investigación y documentación sonora de estos procesos de “hibridación” cultural. También lo mencioné cuando coincidí con Monsiváis durante la presentación de un libro en agosto del 2001 en el Tianguis del Chopo, y terminamos hablando sobre la megabiblioteca. No en vano estábamos en el epicentro de las melomanías subterráneas de la nación (y al pié del terreno donde se construiría el megaproyecto), así que “solememente” propuse ante la honorable concurrencia la creación de una fonoteca nacional en lugar de una segunda biblioteca nacional. Un año después Carlos Martinez Rentería recordó en su columna mi insistencia en la fonoteca, aunque omitió decir que mi interés se centraba más en la documentación de estos procesos ignorados que en la creación de una fonoteca convencional.

En fin, todo esto viene a cuento porque hace unos días salió en la sección cultural del diario REFORMA una nota de Jorge Ricardo del  sobre el rock indígena con referencias varias que mapean el proceso de su visibilización. Incluye, por lo demás, una entrevista que me hizo hace ya más de un mes:

“Tocan indígenas rock en su idioma”

JORGE RICARDO

Las culturas indígenas se preservan en rock, en metal, en blues, en la música de quienes se han apropiado de esos géneros para conformar una sociedad moderna menos excluyente.

Las bandas indígenas Hamac Caziim, Xamoneta, Súper Coraje, Noésis, Nu Boxte y Sak Tzevul, se apropiaron de géneros musicales antes considerados como expresión del imperialismo cultural estadounidense, y a partir de ellos preservan “el costumbre”, término antropológico que se refiere a distintas ceremonias vinculadas a una tradición mesoamericana.

“A través del metal y el rock estamos gritando que existimos, que no somos fantasmas”, dijo Israel Robles, baterista del grupo seri Hamac Casiim.

Hamac Caziim surgió en 1997 en Punta Chueca, Sonora, e interpreta cantos ancestrales en una versión antigua de la lengua seri. En 2007 puso a la venta un disco homónimo.

“Nosotros oímos música en inglés y en español. Sentíamos el peligro de que nuestros cantos se perdieran, así que los mezclamos con instrumentos electrónicos para que nuestros muchachos los aprendieran”, dijo Robles.

Robles es sobrino de Amalia Astorga, anciana nombrada “Guardiana de los tesoros del desierto” por el Museo del Desierto en Arizona. Mientras ella se acompaña de sonajas, Hamac Casiim intrepreta los mismos cantos con guitarras eléctricas.

“Ante la discriminación que sufre la cultura indígena, buscamos posicionarla y preservarla al mismo nivel que la cultura hispanohablante”, sostuvo por su parte Damián Guadalupe Martínez, fundador en 1996 de Sak Tzevul, una banda de Zinacantán, Chiapas, que toca rock o, como ellos dicen, “música tzotzil contemporánea”, influida por sonidos tradicionales y rezos, por Pink Floyd y Lacrimosa.

“La nuestra es una propuesta para decir que podemos incluir a la ‘modernidad’ sin perder nuestra identidad”, dijo Damián Martínez.

Autor del libro Rock Mexicano: Sonidos de la Calle, el músico e historiador José Luis Paredes “Pacho” consideró que estas agrupaciones reflejan los cambios provocados por la migración y la hibridación cultural, las contradicciones del discurso hegemónico de identidad nacional y cuestionan la supuesta “pureza” de la música.

En 1976, Carlos Monsiváis escribía acerca del Festival de rock de Avándaro: “Es una respuesta autónoma y original y es, también, un hecho colonial, no porque un festival de rock sea exclusivo de la cultura norteamericana sino por el reclamo básico: duplicar sin problemas una experiencia ajena; es decir, una vez más, ponernos al día gracias a la emulación servil”. (Amor perdido).

Para el sociólogo Gabriel Careaga, las ansias y las angustias de los jóvenes mexicanos estaban más cerca del bolero sentimental o de los mariachis que de las canciones de los Rolling Stones, según escribió en 1977 en Biografía de un joven de la clase media.

“Cuando empezamos decían ‘¿cómo va gustarle algo a la comunidad si sólo escuchan música ranchera?’ Pero la música ranchera tampoco es puramente indígena, fue impuesta desde la radio y la televisión”, dijo en entrevista el líder de Sak Tzevul.

Los integrantes de Hamac Caziim y Sak Tzevul no dudan en definirse como “movimiento musical”.

Aunque Hamac Caziim y Sak Tzevul son las dos bandas con más difusión, la existencia de agrupaciones como ellas tiene por lo menos 20 años. En 1992 José Luis Paredes ya mencionaba a bandas de punk otomí como Orines de Puerco y Batalla negativa, ésta última creada por José Guadalupe Robles en 1990 en San Cristóbal Huichochitlán, Toluca.

“Entre nosotros nos hablábamos en otomí y los chavos nos preguntaban por qué no hacíamos letras en esa lengua. Esa petición nos hizo entender que teníamos que rescatar lo que éramos como cultura”, dijo en entrevista.

Entonces cambiaron su nombre a Nu Boxte (Ayuda mutua), sacaron el cassette “Tiempos Difíciles”, con 500 copias y 17 canciones, seis en otomí, pero desapareció en 2003.

En 1998 se creó en Cardonal, Hidalgo, Súper Coraje, una banda otomí que interpretaba canciones tradicionales a ritmo de rock y cumbia con instrumentos construidos con botes de leche, acocotes y guitarras viejas.

“Queríamos tocar nuestra música pero no teníamos los instrumentos, así que nos pusimos Súper Coraje”, recuerda José Isidro Cruz, ex integrante de la banda desintegrada en 2007. El antiguo Instituto Nacional Indigenista incluyó tres canciones suyas en el disco “Del costumbre al rock”, grabado en 2000. José Isidro Cruz ya compró guitarras y teclados, pero dos de sus cuatro integrantes ya emigraron a Estados Unidos.

La reivindicación cultural que hacen este tipo de bandas siempre es consciente. Su simple existencia de por sí ya es un acto de reivindicación cultural.

“Falta ver si puede desarrollarse un movimiento musical. Creo que todavía es un fenómeno muy focalizado en algunos grupos étnicos, con poca relación incluso entre ellos mismos sin que esté mediada por las instituciones de gobierno”, señaló José Luis Paredes.

“Creo que hemos preparado el terreno para lo que queremos hacer”, finalizó Damián Flores.

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Comida Pánica

Publicado por pachoj en Abril 17, 2008

En un barrio popular probamos bocadillos del siglo XVIII. Manchamanteles, chapulines con cacahuate, pipianes, moles y demás guisos autóctonos. Alejandro Jodorowski y sus hijos Brontis y ¿Adán? se fascinaron con los chapulines de receta insólita (ya que era una receta especial).

El ambigú poblano fue también un recuento de época. Brontis estudió en la misma primaria que yo en los años setenta y su padre Alejandro invocaba personajes: a Gurrola, a la mamá de Alisarín (Jaqueline), a Luis G. Basurto. También evocaba sus acciones performáticas de antaño con piezas como Así Hablaba Zaraatustra, El Topo y otras tantas de las que oí hablar a mí madre, así como otras llanamente por mí desconocidas. Se entusiasmó con probables performances futuros (quiere “lavar” la “sangre” de Tlatelolco con helicópteros, pero no voy a anticipar aquí la idea, que ni siquiera es mia).

Habló de tantos proyectos, acaso concebidos al vuelo de la conversación de sobremesa con Sergio Raúl Arroyo, Felipe, Lorena y José Wolffer. Recordó su paso por el teatro Fru Frú, y el Ángela Peralta. Le pregunté por el Teatro Blanquita (pero dijo que ahí nunca actuó, que sólo asistía). En algún momento recordó sus intentos de mezclar la vangaurdia o la contrcultura con la cultura popular (quiso que la Tigresa actuara en una de sus obras, pero no lo logró)…

Criticó al Dalai Lama por tener un Rolex obsequiado por Bush. El futbol le parece un juego homosexual donde todos intentan patear un balón que para él representa los “testículos” (por las bolas, ché), con la intención de “penetrar” al adversario. a su vez, dijo que el balón significa, de acuerdo a la numerología, Jesús. Por su parte, los toros serían para él un ritual fálico.

Como se ve, es un cerebro random estableciendo sin cesar asociaciones aleatorias a partir de sus archivos sobrealimentados de lecturas bíblicas, esoterismo, literatura, dramaturgia, cultura de masas, psicoanálisis e intenciones contraculturales provocativas, ahora convertidas en afanes curativos.

Mañana regresan a París, hoy es su última función en el Teatro de la Ciudad. A Adán no lo conocía, es músico, quedó de enviarme el link de su MySpace. Es lo poco que pude saber de ellos, que no hablaron.

Imposible reproducir la charla delirante de Alejandro Jodorowski, su monólogo infranqueable. Se trata de una experiencia irreductible. No es lo que dice, sino cómo y quién lo dice. Un megalomaniático monumento conmemorativo de sí mismo. 

Es indudable que el tiempo ha pasado y lo escandaloso o provocador inevitablemente tiende a volverse inocente.

Yo llegé tarde a la comida, distraido. Apenas me senté hice un comentario inocuo: Jodorowsky se encabronó, me dijo que quería provocarlo. Juro por Dios que no hablé en clave sediciosa, pero de nada habría valido externar mi juramento; además yo sí soy ateo. Me asumí ausente mas no invisible, pues de vez en vez me dedicaba mirandas oblicuas. Poco después, tan pronto como la ingesta poblana satisfizo los estómagos, fui indultado. 

“Ya te perdonamos”, me dijo utilizando el plural con una dulce sonrisa en la mirada (el perdón consistió en que a partir de entonces me dejó intercalar algunos silencios).

Hace una década quizá que Braulio Pealta me mostró un comic psicomágico y me dijo “esto sí es contracultura”. A mí aquello me parecía ya más cercano a un new age churrigerseco.

Hay gustos para todo: Val, mi perspicaz gran amiga, opina que ser hoy fan de A.J. es ser un poser.

A mí, en persona, me pareció divertido.

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Periódico de Poesía

Publicado por pachoj en Abril 13, 2008

En el Periódico de Poesía de la UNAM, pueden escucharse algunos audios de la edición 2007 de Poesía en Voz Alta .07

Muy recomendable es la sesión de Jazz Poetry que Quincy Troup dio en Casa del Lago.

La jazz poetry es un género que tuvo lugar a su manera en la época fundacional del centro cultural, según contó Gurrola en su conferencia en 2005, con lo que entonces se llamó Jazz Palabra.

Otro archivo de audio incluído en el Periódico de Poesía es el del trabajo del uruguayo Luis Bravo, de quien hablábamos en el post anterior, citando su investigación sobre la antigüedad multimediática y que también se presentó en 2007 con su poesía multimedática.

Hay un VIDEO de Juan Pablo Villa, a quien le tocó participar en Poesía en Voz Alta.06 con proyecciónes de gráfica realizada en tiempo real, pero cuyo trabajo normalmente cae más dentro del campo de la experimentación vocal.

Este periódico tambíen ofrece algunos tracks del disco de Urbe Probeta, del colectivo Motín Poeta, con Rocío Cerpon, Mónica Nepote y Cristina Faesler, quienes se presentaron igualmente en el festival internacional de Poesía en Voz Alta.06

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Sinestesia y lectura a la deriva

Publicado por pachoj en Abril 6, 2008

Para seguir con el tema de los cambios en los soportes literarios y musicales de acuerdo al post sobre la Pédida del aura libresca, comienzo con la idea de que el spoken word ofrece mucha mala poesía y puede ser tomado también como una moda trivial, como la mediatización de la oralidad por el mercado. Pero ya Christopher Domínguez comentó que siempre ha habido mala literatura, incluso mucho antes de la aparición de las industrias culturales, o de la televisión o de la computadora..

En esto parece coincidir Luis Bravo en su Antigüedad multimedática:

>>A quienes acusan a esta expansión (el spoken word y la oralidad poetica) de una democratización libérrima, señalando la existencia de discursos de escaso nivel expresivo, lo que es cierto, hay que recordarles que también la publicación en libro está atiborrada de este tipo de textos. De lo que se trata es de elegir, de saber elegir, y de educar en el gusto estético y en la historicidad del arte a las nuevas generaciones que, sin duda, se formarán cada vez más en este medio (los multimedia).>>  

Así pues, los diversos soportes tecnológicos de texto a lo largo de la historia (el pergamino, el códice, el libro, la pantalla telematica) son determinantes de la experiencia de lectura, pero no constituyen tampoco una garantía de calidad. En palabras de Luis Bravo:

>>Es evidente, como lo han señalado algunos especialistas de la lectura y la cultura escrita –como Roger Chartier en “Cultura escrita, literatura e historia”– que la forma en que se imprimen y se leen los textos incide en la resonancia de su significación. Así el pasaje de los rollos de la antigüedad a un nuevo formato hacia el siglo IV d.c., con los códices, y luego a partir de 1450 a la impresión mecánica de la imprenta, y ahora del libro impreso a la estructura electrónica, lo confirman.>>  

Ya hablando específicamente sobre los textos en pantalla, la descripción de Bravo podría aplicarse a la de los Blogs, de acuerdo con aquella discusión que tuvimos sobre el tema con Alberto Chimal que reporté en Sobre los blogs y los textos digitales. Para Bravo:

>>En los textos leídos en pantalla no sólo varía la estructura sino que al suprimirse la presencia del objeto impreso el lector está frente a una “representación del texto”. Su actitud y modos de recepción son mixtos pues estamos ante un lector-espectador-escucha-operador de textos a su vez polivalentes (lo lingüístico, lo iconográfico, lo sonoro). La multinealidad es la característica esencial del operador cibernético. Éste realiza complejísimas operaciones en pocos segundos, adoptando una serie de estrategias de aproximación simultánea. Se puede optar por lo gráfico, lo escrito, lo sonoro, por las imágenes en movimiento y se puede accionar más de una de estas variantes al mismo tiempo, haciendo de la lectura un espectáculo sinestésico. A la vez los hipertextos y los vínculos o links amplían la deriva de la lectura a grado sumo.>>  

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Poesía Sonora

Publicado por pachoj en Abril 5, 2008

Hugo Ball fue el inventor de la poesía fonética dadaísta.

La estupenda página www.ubu.com, es una fuente de archivos, comentarios y mp3 para acercarnos a esta poesía.

 

Aquí algunos links con poemas sonoros de Hugo Ball ya emblemáticos, interpretados por el Trio Exvoco (Hanna Aurbacher, Teophil Maier, Ewald Liska, del disco Futura Poesia Sonora, Cramps Records, Milan):

karawane

Los que siguen están geniales, chéquenlos:

 

WokenKatzen und Pfauen, Totenklage, Gadji Beri Bimba, Seepferdchen und Flugfische.

Lo que sigue es una interpretación del primer poema Karawane que, según se aclara en el respectivo link, su historia es la siguiente: “Taken from a Ripley’s Believe It Or Not segment on sound poetry from the mid-80s. According to producer Jed Rasula, “Marie Osmond became co-host with Jack Palance. In the format of the show, little topic clusters (like “weird language”) were introduced by one of the hosts. In this case, the frame was Cabaret Voltaire. Marie was required to read Hugo Ball’s sound poem “Karawane” and a few script lines. Much to everybody’s astonishment, when they started filming she abruptly looked away from the cue cards directly into the camera and recited, by memory, “Karawane.” It blew everybody away, and I think they only needed that one take. A year or so after it was broadcast, Greil Marcus approached me, wanting to use Marie Osmond’s rendition of Hugo Ball for a cd produced in England as sonic companion to his book Lipstick Traces; so I was delighted to be able to arrange that.” 

Por cierto que Ricardo Castillo es un poeta de Guadalajara que se presenta a veces acompañado por músicos y que continúa tercamente esta tradición.

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Poesía en Voz Alta

Publicado por pachoj en Marzo 22, 2008

Me encontré estas fotos del festival internacional de Poesía en Voz Alta de años anteriores. A pesar de tener el mismo nombre que las escenificaciones teatrales de los años sesenta en Casa del Lago, ahora el festival busca explorar diversas tradiciones orales, desde la poesía multimedia, la performance poetry, el trabajo de los decimmistas y los repentistas, géneros de improvisación lírica como el son jarocho, la dub poetry, el hip hop, búsquedas heterodoxas como las “resonancias corporales”, pero también poesía en diferentes idiomas, como la poesía indígena actual (en diferentes lenguas, zapoteca, náhuatl, maya, mixteca, tzotzil, etc… -puede verse Mardonio Carballo, quien ha participado mucho en Poesía en Voz Alta).

No es un festival de spoken word, ni de slam poetry, no sigue esa moda trivializada, sino de lo que estoy llamando poesía escénica, en el más amplio sentido de esta palabra (sobre el origen del spoken word puede verse la entrada de vanguardia universitaria y emergencia callejera).

El festival está diseñado a partir de la hipótesis de que actualmente hay un renovado interés en la literatura a partir de lo escénico (puede verse más sobre este tema en el post Misoneísmos y la Pérdida del aura Libresca, así como en El sonido como significación autónoma, o bien en La Puesta oral de la poesia ). 

Los probables cambios en los paradigas librescos y literarios, muy al estilo de lo revisado por Michel Melot en el artículo ¿Y Cómo Va la Muerte del Libro?, han permitido la conjunción en un mismo escenario de lo más antiguo con lo más hipermoderno.

Como lo dice Luis Bravo, al escribir sobre la aparición de los “soportes” para la escritura en su texto sobre la antigüedad multimediática:

“difícilmente el lector actual tiene en cuenta que cuando lee los “textos” de Estesícoro, Píndaro, Safo, Anacreonte, sólo está ante un testimonio parcial de lo que fue la dimensión multimedial de tales composiciones.”

Desde el inicio en 2006, al conceptualizar la plataforma de PVA intentaba crear un diálogo crítico y generacional tanto con las tradiciones literarias de México, como con formas literarias emergentes aún desconocidas en nuestro país. De acuerdo a los boletines de prensa de entonces, buscaba crear una plataforma que respondiera al renovado interés por explorar el lenguaje y la escritura en relación a su sonido, su rítmo, su sintaxis y sus posibilidades escénicas directas; un interés  propiciado por la emergencia de las nuevas tecnologías. Con ello intentaba romper el asilamiento de las diversas disciplinas, principalmente de la poesía ensimismada en la soledad del texto. 

Otra de las ideas era y es presentar a los poetas en su idioma original, traduciendo su trabajo en un programa de mano o mediante proyecciones (como se hace en la ópera), con miras a no interrumpir la experiencia esceníca, el flujo escénico, como sucedería si hiciéramos traducción simultánea; además de no afectar sino acentuar el valor del sonido de cada lengua.

Sirvan estas imágenes de hoy para motivarles a ir la próxima temporada de P.V.A.08:

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Umar Bin Hasan, de los Last Poets, grupo pionero de los sesenta que llevaron el habla callejero a la poesía, con lo cual le abrieron la peurta a lo que posteriormente se llamaría rap. Su pieza más emblemática fue This is Madnness. Y no, su performance no suena a rap, sino a algo completamente distinto, propio, singular, íntimo. Es de una intencidad verdaderamente gozosa, manejando los matices, como se dice en inglés the dynamics. Pone en juego la mirada, los gestos, aunque su cuerpo apenas se mueve.

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Amiri Baraka, poeta Beatnik conocido entonces como Leroy Jones. Un personaje emblemático del movimiento original sesentero, tan importante como los demás, pero se le conoce menos, acaso por ser afroamericano. También es uno de los pioneros del movimiento que en los noventa se llamó Spoken Word; a mi me pareció demasiado literal en sus postulados políticos. En la siguiente foto vemos a Bruno Galindo, del proyecto Panero.

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Mario Bellatin, que presento una crónica con proyeccion de visuales.

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Amina Baraka escenificando algo de jazz poetry, con Eugenio Elías a la trompeta.

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Con con Alexis Pimienta, de Cuba, durante su conferencia sobre el repentismo cubano.

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Mardonio Carballo (poesia náhuatl) y Briceida Cuevas (poesía maya).  Hoy día, ante el avance de las nuevas tecnologías, las tradiciones orales podrían ser vistas como formas multimediales o interdisciplinarias de la representación poética. Es ahora cuando quizá podremos integrar como una experiencia estética “moderna” la oralidad de las literaturas relegadas a lo folclórico, por ejemplo, las expresiones indígenas.  Como escribe Luis Bravo en su artículo citado arriba: >>Ante estos hechos la inmensa mayoría de la crítica literaria, la que parte de un paradigma exclusivamente escritural, no sólo ha sido insuficiente sino que ha sido omisa para asimilar estos fenómenos, tanto en las manifestaciones autóctonas (también llamadas “primitivas”) como en las manifestaciones “vanguardistas”, dos polos que parecen tener varias zonas análogas. Dicha crítica tiende a marginalizar estas “literaturas orales” y/o “fonéticas” que no se avienen al código de referencia que la escritura ha delimitado. Hablo de un sistema crítico-literario que incluso en las culturas latinoamericanas aún no ha incorporado satisfactoriamente las manifestaciones de los pueblos indígenas, sean éstas orales o escritas, como parte de su “literatura”>>

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Carlos Ann, con su proyecto Panero, que incluía la poesía de Leopoldo María Panero y la proyección de visuales.

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El pionero de la Dub Poetry, el jamaicano migrado a U.K, Linton Kwese Johnson. No necesita presentación.

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Marionna, tecer elemento del proyecto Panero. 

No hallo aún las del año pasado, cuando se presentó Juan Gelman con el bandoneonista Cesar Stroccio en una sesión de poesía tango. Tampoco encuentro las de Vervo Bala, poesía con visuales impactantes que su artífice Lohan Phillips llama spoken-video, así como las de la presentacion del ex cantante de los Titas, el brasileño Arnaldo Antunes, quetambién incluyó proyecciones en su presentación. 

Otra sesión memorable durante el primer año fue la de Rodrigo Solís, así como la de Chuchumé con los hip hoperos de San Francisco California, Company of Prophets, que terminó en palomazo entre los jarochos y los hip hoperos. No puedo dejar de mencionar a Quncy Troupe, quien tuvo una sesión de jazz poetry espectacular, a pesar de haber pasado la noche previa en un hospital debido a una intoxicación. 

Ya iré poniendo fotos y comentarios, para evitar omitir a nadie.  

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TOSHI ICHIYANAGI y TADANORI YOKOO

Publicado por pachoj en Marzo 19, 2008

Ando en busca ded este disco, pero con tradicción de las letrs del japonés. Se trata de una Ópera de TOSHI ICHIYANAGI (4 de febrero, 1933), compositor japonés que estuvo casado con Yoko Onmp entre 1956 y 1963. Logró mezclar con éxito instrumentos japoneses tradicionales con instrumentos occidentales (como en su pieza Kaiki). El disco que busco es su Ópera de música electrónica compuesta en 1968, basada en los trabajos de TADANORI YOKOO, quien ilustró la portada que se ve en la foto.

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Compré el disc pero no traía versión en inglés de los textos. Claro que visualmente seguía siendo atractivo, por la belleza del trabajo “feista” y naif de Tadanori.

Tadanori (1963) tuvo tanta influencia de la cultura pop de los sesenta, que se le consideraba como el Andy Warhol japonés. Comenzó como diseñador de escenografías dentro del teatro vanguardista de Tokyo. reconoce la influencia de Akira Kurosawa y Yukio Mishima dentro de su trabajo. Aunque yo no veo la relación, también se dice que tiene influencia del Push Pin Studio de NY, particularmente de Milton Glaser (creador del logo con el corazoncito de I Love NY), así como de Seymour Chwast (ilustrador de las portadas de la revista The Nation). En todo caso, durante los sesenta Tadanori se clavó en la sicodelia misticoide y se fue a la India, como si fuera un occidental jipiteca de california. En 1968 fue incluido en una colectiva en el MoMa, donde cuatro años después tuvo una expo individual. En 1981 dejó el diseño para dedicarse a la pintura. 

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Ya entrado en el tema, por si algun amigo anda por tiendas de rarezas, me encantaría consegiur la película eros Plus Massacre (1970), dirigida por Yoshishige Yoshida, escrita en colaboración con Masahiro Yamada y con un sound track, precsiamente, de Toshi Ichinagi. Pero si la hallan, ¡serciórense de que tenga subtítulos en inglés!

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La peli es en blanco y negro y es la biografía de Sakae Osugi, anarquista asesinado por el ejercito japonés en 1923 que, además, defendía la idea del amor libre, tema que se incluye mediante triángulso amorosos en la trama de la película, de ahí el título.

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Misoneísmos y la pérdida del aura libresca

Publicado por pachoj en Marzo 16, 2008

Desde hace tiempo quería referirme una entrada de Christopher Domínguez en Letras Libresque llamó “El libro que vendrá”donde comienza confesándose misoneísta y termina sucumbiendo, siempre desde la literatura, ante las novedades cibernéticas. Este cambio de actitud tendría que sucederle a mi amigo, ya que de lo contrario sería incongruente que siguiera publicando un blog como el que posee en la versión digital de la revista Letras Libres, acaso continuación de aquel diario personal que él llamaba “Diario de fatigas”, escrito desde los ochenta en una libreta guardada en algún cajón de su casa en Coyoacán. Lo más soprendente es que ahora Chirtopher se muestra procilve incluso a las potencialidades del frío y aséptico Kindle, afirmando cosas que antes me habrían parecido inconcebibles en él:

“Todo esto viene a cuenta del horror que sufren o que dicen sufrir los escritores, los bibliófilos y los editores ante la nueva bestia negra que amenaza con carbonizar al libro, el ya célebre Kindle, la consola que vendrá a ser el iPod de los libros, advenimiento que yo festejo.

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Más allá de la conversión de Christopher, donde lo importante para mí es siempre la manera en que relata sus preocupaciones, me parece que esto refleja cómo la escena literaria local se está adentrando en aquello que comenzó a discutirse en el campo musical hace ya casi una década.

Acaso influidos por la relativa mayor apertura que sopla desde hace lustros en la escena literaria de España (y previamente en Finlandia y Francia), lo más interesante de esta conversión individual es que refleja cómo las zonas más sólidas y canónicas del ámbito literario mexicano, herederos de una rica tradición, comienzan a calibrar con menos resistencias los cambios promisorios que, para bien y para mal, ofrecen las nuevas tecnologías a las diversas escenas culturales.

La analogía con el campo musical es inevitable. Incluso Christopher glosa un interesante artículo con un título que recuerda la vieja discusión sobre el futuro del disco: “¿Y cómo va la muerte del libro?” , escrito por Michel Melot. Este texto cita las proecupaciones de los bibliófilos decimonónicos ante la aparición de los soportes que permitieron registrar el sonido durante esa época. Así, Melot reporta que Octave Uzanne escribió en el siglo XIX: “A mi parecer, la imprenta está amenazada de muerte por los diversos procedimientos de grabación del sonido inventados en estos últimos tiempos. El libro impreso está a punto de desaparecer”.

Sí, para los apanicados antitecnologistas la aparición del disco amenazaba sólo la existencia de la música en vivo, sino incluso la del libro.

150px-etch-a-sketch_animator.jpg Modelo antiguo del célebre Etch A Sketch

Volviendo a la pluma de Christopher, no imaginé leerle algo donde parece contradecir incluso al tan celebrado Sartori y su vergonzoso Homo Videns, donde el italiano se lamenta de la aparición de la pantalla de televisión y su predominio sobre la lectura de libros. Así, Christopher escribe que: “Otro mito pertinaz comentado por Melot es aquel que dice que la televisión substituyó a la lectura. No fue así. La televisión substituyó a las partidas de cartas, al jugueteo mecánico en el piano o a la observación idiota del fuego hogareño.”

Son las mismas discusiones sostenidas con los apocalípticos misoneístas, por ejemplo, con Carlos Pereda, quien lamentaba que ya no había un sentido comunitario entre lectores, que los chavos ya no leían.

Ya lo anotaba Luis Bravo en su artículo La puesta oral de la poesía: la antigüedad multimedia, que cito en mi post del mismo nombre:

>>En 1960 The Singer of Tales1 de Albert B. Lord –quien igual que Milman Perry se aprestó a considerar los modelos y funciones que la poesía oral y la escrita habían seguido desde la antigüedad– incluía en su prólogo el siguiente diagnóstico de Harry Levin: “El término ‘literatura’, al presuponer el empleo de la letra, da por entendido que las obras verbales de imaginación se transmiten por medio de la escritura y la lectura. Así la expresión ‘literatura oral’ es evidentemente contradictoria (…) La palabra, hablada o cantada, junto a la imagen visual del locutor o cantor, ha venido recuperando, sin embargo, su dominio gracias a la ingeniería eléctrica. Una cultura basada en el libro impreso, que ha prevalecido desde el Renacimiento hasta hace poco, nos ha legado –a más de inconmensurables riquezas– esnobismos que deberíamos dejar de lado.” Cuando Marshall McLuhan cita estas palabras en La galaxia Gutenberg,2 lo hace para subrayar que los estudios sobre “la divergente naturaleza de las organizaciones sociales de lo oral y de lo escrito”, era una deuda que acaso no había podido aggiornarse hasta que estas dos formas de soporte de la palabra artística volvieran a coexistir en conflicto, como ocurre actualmente.>>

Un proceso que parece recorrer el mismo camino, pero a la inversa, de acuerdo al mismo texto de Luis Bravo: >>Pero durante la tiranía de Pisístrato, la escritura ya había ganado terreno como soporte poético y, un “mal día”, Simónides encuentra a Baquílides, su discípulo, escribiendo sobre cera. Lo acusa de “traición a la musa” y trágicamente vaticina la “desaparición de la poesía”. En la fijación escrita algo sagrado se perdía. Para Baquílides, sin embargo, la escritura era un soporte donde visualizar aquello que antes era más abstracto, más “virtual”, pura memoria del canto.>>

O bien, con el mismísimo Gurrola cuando juzgó al hip hop como mala poesía durante una conferencia dentro de Poesía en Voz Alta en la Casa del Lago hace más de un año. Entonces quise mediar contestándole que había, en efecto, mucho hip hop malo, incluso pésimo, pero calificarlo por lo que se divulga a través de MTV sería como juzgar a la literatura por lo que se publica en revistas del corazón como Vanidades, con autores del calibre de Corín Tellado. Ahora, en este tenor, Christopher lo dice mucho mejor que yo:

Se publican, por supuesto, toneladas de mala literatura e, inclusive, se publican toneladas de libros estúpidos, dañinos, fanatizantes, empezando por una parte de la propaganda distribuida desde hace siglos por las letradísimas religiones del Libro durante mil quinientos, dos mil años. En la época de Cervantes o en la de Flaubert también se publicaban porquerías inenarrables que, justamente, por serlo, quedaron olvidadas y perdidas, sometidas a la crítica marxista de los ratones pero disponibles para alimentar las investigaciones sociológicas o bibliográficas en el dominio de la teoría de la percepción. Siempre ha habido, por ejemplo, libros de superación personal: antes pasaban por devocionarios o literatura beata, de edificación. Y antes de Cristo no existía esa frontera, al parecer: la filosofía era a la vez práctica y metafísica. Es más: si Sócrates o Aristóteles entraran a cualquier librería del siglo XXI y buscasen libros de su profesión, les sería más fácil acercarse, al menos en primera instancia, a los autores de superación personal que a Hegel o a Jaspers.”

180px-etchasketchpc190022.jpgModelo estravagante del Etch A Sketch, adaptado como reloj de pared

Recuerdo que a principio de los noventa conocí en un concierto en el House of Blues de Chicago a Mary, una estudiante que me llevó a pasear por la ciudad. En lugar de detenernos en un Mall donde los roqueros suelen matar sus horas libres, fuimos precisamente a una librería cooperativa en la Universidad de Chicago. En alguno de los sotanos de la arquitectura gótica del campus se escondía una hermosa buhardilla parecida a una gruta, con estrechos pasadizos laberínticos repletos de libros olorosos. Mi amiga me contó entonces cómo las todavía nuevas cadenas de librerías parecían amenazar el futuro de estas cooperativas como la de la universidad, de la cual sus padres eran socios. Lo mismo me dijo durante una cena la directora de City Ligths de San Francisco, alrededor de 1994, ante el surgimiento de Barnes & Noble. Los argumentos son los mismos respecto a Starbucks y las cafeterias de barrio. Y todo esto era antes del predominio de Amazón y ahora la llegada del Kindle, como bien menciona Christopher.

Y sin embargo, ayer apareció en Babelia de El País “Al rescate de páginas singulares” un artículo sobre el papel que está representando Internet para las propias tiendas de libros reales, incluidas las especializadas y las de libros viejos:Literatura sin papel, “El Blog y la literatura del siglo XXI”, “El nuevo poder del autor”, “La biblioteca de Babel guarda libros de arena, y Webs que marcan la ruta de la creación y la divulgación artística”.

Internet y las librerías virtuales son la panacea para las librerías de viejo y para las tiendas centradas en una disciplina. Así, mientras que en las librerías generalistas las compras por Internet suponen como mucho un 2% -en Estados Unidos han llegado al 5%- en las de viejo los beneficios se han disparado”. 

Las potencialidades de la horizontalidad cibernética llegan a las librerías de viejos: “159 librerías españolas, con 1.400.00 volúmenes a su disposición, se asociaron en www.librerosde viejo.com, una página que acaba de actualizarse y que cuenta con una hermana suramericana: www.librohispano.com.” Además puede recurrirse a www.libreríasespecializadas.com

etchasketch1.jpgModelo convencional de Etch A Sketch

Las ventajas parecen ser varias y disímiles, según el tipo de librero que se trate: “Un mundo aparte son los vendedores que revenden libros en eBay sin control fiscal alguno.” Sólo falta que a partir de estas realidades intenten aplicar el “canon digital” a las ventas del libro, como lo intentó la Sociedad de Autores y Compositores de España (SGAE) para la música recientemente.

Una de las grandes diferencias con la esfera del mercado musical es que en la literatura y en los libros sí importa el idioma: “Ahora sabes que en Nueva Zelanda tienen un manuscrito español que allí no vale nada pero que para nosotros tiene interés”, se lee en el artículo citado.

De cualquier suerte, esta “modernización” implicará la necesidad de desplegar nuevas políticas estatales de fomento, como en la música realizan los franceses, según he insistido en diferentes debates: no estaría mal que el Estado fomentara a las disqueras independientes locales. Así, volviendo a los libros: “Mili Hernández, de la librería homosexual Berkana, pide al Ministerio de Cultura un abaratamiento del gasto de envío de paquetes: ‘Es la mejor campaña de lectura’.”

La tal Mili llega incluso a aprovechar el Web 2.0 para sus promociones librescas: “Su última novedad: colgar en YouTube las presentaciones de libros. César Artable, de la tienda dedicada a la música El Argonauta, ha tomado nota”, concluye el artículo.

En realidad la portada de este número del sabatino Babelia está dedicada al tema de internet y la literatura, es decir, al Big Bang Digital (como denominó en 1988 George Steiner al invento de Gutenmberg), con textos como

Insisto, el mundo literario y libresco español ha estado siempre mucho más abierto a repensar la relación de las nuevas tecnologías y la literatura, sin maniqueísmos premodernistas.

Por mi parte, si llegarra a imponerse el Kindle, lo que acaso yo sí lamentaría perder es algo que seguramente amigos como Christopher jamás han practicado: la posibilidad de hacer notas con un lápiz al margen del texto de un libro impreso. Aún así, nadie duda que el Kindle se perfeccione cada vez más y quizá termine agregando la función de crear notas al margen de los textos virtuales cual probables hipertextos Web 2.0. ¡Hay, pero el olor del láiz sobre un papel antiguo nada lo igualará!

etchasketch10-23-2004.jpgEtch A Sketch, ¿antecedente en diseño del Kindle?

Y ya en serio, el verdadero problema del Kindle es que le falta su Steve Jobs, quien siempre se burló de la falta de gusto en el diseño de Bill Gates, como comento en mi entrada sobre mi viaje a Seattle, cuando Steve Jobs declaró  respecto al nuevo aparatito que Microsoft ha sacado para competir con el iPod: “el problema de los diseños de Microsoft es que en esa compañía no tienen buen gusto”.

Así pues, podremos olvidar la sensual materialidad del libro (forma letrada para hablar frivolidades sin que se note). El erotismo y la sensualidad de las nuevas tecnologías esta en el ser cool. En otras palabras, el Kindle jamás prosperará, por más mejoras tecnológicas que introduzca, hasta que no alcance un diseño cool como el iPod, que por ahora se parece más a una cajita Ech a sketch sesentera. Ni modo.

 

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La duquesa de Medina-Sidonia

Publicado por pachoj en Marzo 16, 2008

Hay una nota interesante en el diario El País de hoy sobre una duquesa izquierdosa que se casó un día antes de su muerte con su secretaria, quien heredaría no sólo toda su fortuna, sino ¡su gran archivo histórico! Un archivo del cual ella se jactaba por cuestionar toda la historia oficial de España desde el descubrimiento de América. Antifranquista de joven, fue encarcelada por defender causas campesinas, dinde se dedicó a escribir artículos denunciando los abusos carcelarios y escribió novelas: Palomares, y Memoria Por lo demás, su rostro en la foto que ilustra el artículo de hoy es tremendo en personalidad, enfundada en sus jeans, recargando su brazo sobre una lámpara al fondo del escritorio, fumando un Celeste con la mirada enamorada hacia su secretaria en 1987: 
La duquesa roja fumando  sus Celtas enfundada en sus jeans, con su secretaria y su futura espoa, en 1987,

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Horst Rippert

Publicado por pachoj en Marzo 16, 2008

El alemán Horst Rippert confiesa hoy que en 1944 ya había leído todos los libros de Saint-Exupéry, pero que no sabía quíen piloteaba el avión que derribó el 31 de julio de aquél año: “Fue uno de mis 28 derribos. Yo unca apunté contra personas”, se justifica, “y le diré más: de haber sabido que Saint -Exupéry iba en ese avión, no hubiera disparado”.    Así se devela el misterio de la muerte del aiutor de El Principito. Según el diario El País, Rippert dejaría de pilotear el caza me-109 con el que abatió el avión Lightining P-38 del escritor francés, para terminar de cronista deportivo de la televisora alemana. La historia cambió a un novelista, dibujante y poeta, por un locutor sin culpa alguna.

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Harajuku

Publicado por pachoj en Febrero 24, 2008

En Tokio hay una especie de Tianguis del Chopo en el distrito de Harajuku. Más que un tianguis cultural es un punto de encuentro, aunque sí hay una calle peatonal llena de comercios de todo tipo, nada parecido a un tianguis de comercio informal ¿a ests alturas podría aber alguna atividad de economía informal en ese país?

Más bien es una mezcla de San Marks Place de NYC, o de Camden Town y Carnaby street de Londres, con tiendas establecidas que se nutren de los diseños de los chavos callejeros y venden ropa como esta:

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En harajuku se juntan todos los chavillos estrafalarios de la capital nipona, con la singularidad de que las modas o las subculturas son multirreferenciales. Van desde la refuncionalización del kimono, las sandalias  getal, o los uniformes escolares orientaleshasta ropa occidental convencioal como el traje con corbata, o bien,  la perversión del punk, el jipismo, los neotribalismos, el sadomasoquismo, y todo aquel look de la cultura pop occidental que desde la mirada oriental pueda resonar como extravagante.En la foto de aquí abajo podemos ver ropas que parecen emular a las Lolitas, los góticos, los emos y algo de punks. La moda como una obra de arte personalizada:

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Es, en efecto, el lugar donde  el fotógafo  Shoichi Aoki que publicó un libro bajo la editorial Phaidon, quien reporta en la presentación de sus fotografías que estos chicos estrafalarios también acuñaron un término para referirse a los ornamentos (o accesorios les llamarían en la jerga del mundo de la moda de alta costura) que produicen sonidos, es decir, juguetes y accesorios de plastico y metal que tintinean, bautizados por los protagonistas como Decora. Para los jovenes nipones, es una forma de resistir, según díce Aoki, a la uniformación gris del mundo establecido.

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Boda japonesa

Publicado por pachoj en Febrero 24, 2008

Esparta y Sakiko Yokoo, mejor conocida como Saki,  se casaron el 2 de diciembre de 2007.  Me han mandado una invitación y esta foto. Lástima que es hasta Tokio. ¡Es impresionante lo bella que se ve la Saki!¡¡Felicidades para ambos!!saki-y-espa-boda.jpg

Con la foto e invitación de la boda, me mandaron unas de la compañia de danza butho de Espartha: 

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Visiones cellejeras de Japón 2

Publicado por pachoj en Febrero 23, 2008

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Una abarrotería en Kioto y un caminoncito de…¿camotes? en Tokio.

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Esto parece un edificio de estacion del metro mexicano, como el de San Cosme. Evidentemente no tiene nada que ver.

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Los taxis me pareceieron fascinantes. Son carísimos, se dice. Yo tomé uno en una sola ocasión, el chofer traía guantes blancos y uniforme con gorrita.

 

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Así están todas las callees de Tokio. Me hechizaron estas maquinitas. 

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Visiones cellejeras del Japón 1

Publicado por pachoj en Febrero 22, 2008

Ya sea en Tokio o en Kioto, las calles mezclan lo clásico con lo hipermoderno.

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Interior de un salón de té en un centro cultural de Kioto. La siguiente foto es un jardín Zen 

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Avenidas en Tokio, vistas desde la ventana de la Fundación Japón 

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Un monje en Kioto pidiendo limosna

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Un País Invisible

Publicado por pachoj en Febrero 19, 2008

En el número de febrero de Nexos, aparece el artículo Un país invisible. Autogestión, colectivos, cooperativas, microempresas y cultura alternativa.    

 Es un avance y una síntesis de un texto que se publicará en una compilación sobre políticas culturales bajo la editorial Taurus, a fin de año. Lo más hermoso es que en la portada, con letras flamantes y entre tanta vaca sagrada, me pusieron como FRANCISCO PAREDES PACHO. Lo de Francisco ha de provenir de una inferencia del Pacho, que el capturista diseñador habrá conundido por PaNcho…luego entonces, la inferencia es tan absurda como si hubieran puesto Pancho Paredes Pancho o Pancho Paredes Francisco. A las pruebas me remito:

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Poesía oral, el sonido como significación autónoma

Publicado por pachoj en Febrero 17, 2008

B. EICHENBAUM en su texto LA TEORIA DEL METODO FORMAL (Teoría de la literatura de los formalistas Rusos, Antología por Todorov Tzvetan, Ed. S XXI) comienza definiendo el objeto de estudio del formalismo: la literatura, entendia como campo autónomo, es decir, literaturnost o literaturidad. 

Procede a ditinguir la literatura del habla o comunicación cotidianas. Un lenguaje poético se diferencia de un lenguaje cotidiano. Este último caracterizado por tener como fin la comunicación en sí, donde los elementos lingüisticos no tienen valor autónomo, mientras que en la literatura la comunicación pasa a segundo plano, y lo importante son los elementos lingüísticos adquieren un valor autónomo. Un ejemplo de lengua autónoma para ellos sería la glosolalia. 

A través de estas distinciones, los formalistas se interesaron en el valor sonoro de la poesía, como elemento separado del significado. Concluyen que el sonido no es un elemento externo de la poesía, que la lengua poética es una lengua en imágenes y en sonidos. Y en particular, que estos últimos no sólo acompañan al sentido, sino que tienen una significación autónoma.

Los sonidos del verso son la expresión de otra cosa que se encuentra detrás de ellos, por lo tanto hay que interpretarlos ya se como onomatopeyas o como aliteración (repetición notoria del mismo o de los mismos fonemas, sobre todo consonánticos, en una frase. Figura que, mediante la repetición de fonemas, sobre todo consonánticos, contribuye a la estructura o expresividad del verso): “los sonidos existen en el verso fuera de todo vínculo con la imagen y […] tienen una función verbal autónoma”(29). 

La aliteración es un recurso frecuente en la tradición oral afroamericana, tanto en los discursos políticos, como entre los preachers, como en la lírica musical, el habla cotideana y la poesía negra.

Más adelante, el autor cita a O. Brik (1917): “Sea cual sea la manera como se consideren las relaciones entre la imagen y el sonido, queda determinado que los sonidos y las consonancias no son un puro suplemento eufónico sino el resultado de una intención poética autónoma. La sonoridad de la lengua poética no se agota con los procedimientos exteriores de la armonía, sin que representa un producto complejo de la interacción de las leyes generales de la armonía. La rima, ala aliteración, etc., no son más que una manifestación aparente, un caso particular de las leyes eufónicas fundamentales”.

(Complemento eufónico: “combinación de los sonidos que intervienen en el lenguaje, cuando su pronunciación resulta grata y fácil con arreglo a la fonética de aquel.”)

Todo esto lo relaciono con lo que intento conceptuializar y presentar en Poesía en Voz Alta, entendida ahora por mí como pesía escénica: la poesía experimentada a partir de una experiencia escénica, no sólo como tradición oral, sino también porque recurre a la expresividad gestual, la expresión corporal, el performance, las nuevas tecnologías, la música y, siempre, desde luego, al sonido.

Así, con Eichenbaum, el establecimiento de la literatura como campo autónomo (así como el arte visto como campo autónomo donde la principal influencia de las obras de arte son las mismas obras, antes que la historia social o biográfica), es la distinción que hace entre ritmo, métrica, léxico, semántica poética, (menciona el elemento acústico, pero no lo desarrolla), entonación poética y discursiva, así como melodía (un sistema de entonaciones proposicionales) y el ritmo armónico (aliteraciones).      

También distingue entre la lengua cotidiana y la poética, donde la disimilación se distingue por ser intencional o circunstancial, como ya anoté más arriba. Además resalta la diferencia dentro de la lengua cotidiana según sus funciones. O bien, la distingue entre la lengua poética y la lengua emocional (que Eichenbaum no aclara).

Establece tres diferentes géneros dentro de la poesía lírica: declamatoria u oratoria, melodiosa y hablada. Acaso esta distinción permite diferenciar (en el contexto de la probable poesía escénica que intento establecer o conceptualizar en la plataforma de PVA) diferentes estilos de acuerdo a estos referentes, sobre todo en el caso de la tradición oral afroamericana.

Ante el dilema falso entre la poesía oral y la escrita, que actualmente suele resolverse mediante la legitimación exclusiva de la segunda por parte de el mainstream literario en México, resulta interesante la conclusión del texto de Eichenbaum, puesto que introduce en la dinámica de la evolución literaria el “diálogo crítico” entre generaciones, pero también la literatura de segundo orden o de masas: “cuando se diluye un género , deja de ser central y se vuelve periférico, su lugar es ocupado por un nuevo fenómeno proveniente de la literatura de segundo orden o bien de la vida práctica”. Desde cierta perspectiva, tal es la intención de conceptualizar un espacio donde puedan coexistir diferentes generaciones y tradiciones orales, como en la plataforma de la poesía escénica que busco realizar desde ahce tres años con el festival Poesía en Voz Alta. 

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Oyayubisoku, la tribu del pulgar

Publicado por pachoj en Febrero 1, 2008

Este blog se cambio de nombre de Ruidos de la Calle al de La tribu del Pulgar, en honor de un pasaje del libro de Howard Rehingold Inteligent Mobs, donde habla de los adolescentes tokyotas adictos a los mensajes SMS de celular (keitai) que en Tokio llaman precisamente como La Tribu del Pulgar (oyayubisoku). Aquí algunas fotos sobre la afición a premanecer conectados de los habitantes de la capital nipona y, al final, una foto de Shibuya, la plaza de varios vértices donde suelen encontrarse rios de gente conectada y donde el autor tuvo aquella epifanía que le pemitió comprender los misterios de las redes.

En el metro, libros , móviles y pantallas de videojueguitos: 

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En Shibuya: 

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Desgranando los ochenta

Publicado por pachoj en Enero 5, 2008

Ayer comí con Marcela Dávalos y Fabricio Mejía en el Mosaico de la Condesa. Nos reímos. 

Fabrizio recordó aquél año nuevo que pasamos en casa de Juan Villoro, cuando Sheridan se peleó con Margo Glanz y con el papá de Juan, según el mismo Fabrizio relata, pues yo me pasé la mayor parte de esa anticlimática noche charlando con la guapísima futura esposa de Cayuela, hoy ex esposa. Yo estaba enfermo del estómago y no podía beber, así que me sentía en el limbo.

Ayer me cayó bien que Fabrizio preguntara por los infrarrealistas que se presentaron en la Casa del Lago hace más de un año, pues nadie del mundo literario “vigente” pareció enterarse o interesarse, lógico; ni siquiera por curiosidad antropológica, digamos. En Guadalajara, durante la pasada Feria del Libro, alguien le contó a Fabrizio acerca de esas sesiones infras relativamente recientes. 

Ignoro aún las razones, pero es curioso que los infras sean reivindicados hoy día, sí, por un sector asociado a los otrora rupestres, aquellos urbanitas rithmblueseros esmerados en la lírica, surgidos a fines de los setenta pero que despuntaron durante toda la primera mitad de los ochenta, hasta la muerte de Rockdrigo, su mártir.

En Casa del Lago estuvieron infras originales como Ramón Méndez, José Peguero, Guadalupe Ochoa, Edgar Altamirano, así como Pedro Damián (que se unió al movimiento luego de que Bolaño se fue de México). El hecho es que ese evento coincidió con un artículo sobre los infras en Replicante, escrito por Heriberto Yepez y Juan Vicente Anaya, y luego el Ángel sacó cosas sobre el movimiento, firmadas por Sergio González Rodríguez. Por parte del evento en Casa del Lago hicimos bastante prensa y salieron varias entrevistas, aunque por lo visto no pareció interesar al medio literario “duro”, como ya comenté.

Evidentemente terminamos conversando sobre la irrupción de Bolaño a la fama universal, incluidos los excesos de considerar a Los Detectives Salvajes como una pieza vanguardista aún en su forma. Conté que Vera La Rosa y su hermana Mara eran los irresistibles personajes femeninos de la primera parte del libro, y que Vera declinó asistir a las presentaciones de los infras porque ya no quería saber nada de ellos, según me contó la primera noche José Peguero, uno de los cofrades. Me sorprendió conocer la identidad real de estas mujeres, pues Vera fue compañera de primaria de mi hermana Hilda y lustros después, en los ochenta, actuó en Lástima que sea una Puta dirigida por el recientemente fallecido Gurrola (obra que nunca vi para no encontrarme con una exnovia que tocaba el clavecín en el escenario, Marianita Elizondo).

Les conté a Marcela y Fabrizio que mi amiga Mónica Arús, la directora del teatro Llure de Barcelona, me había mandado el DVD de la obra basada en 2666, que dura más de cinco horas; pues me interesaba traer la pieza a México, aunque no cabía en el teatrito de la Casa del Lago.

Marcela, guapa compañera de la carrera de Historia en la ENAH, a la sazón ex novia de El Gato, quien también era amigo por aquellos inicios de la década de los ochenta y que curiosamente vi hace una semana en el Bar Niza. Gato regresó  hace un par de años a México, después de dos décadas en Francia, y se ha convertido en un nutriólogo. Sí, fue complicado mostrar interés a su conversación, con ese aire acaso adoctrinador, mientras yo sucumbía a mis tacos grasosos y mi cuba con Bacardi Blanco y cocacola.

Marcela es hoy investigadora del INAH y da clases en la Universidad Autónoma de la Ciudad de México, según me puso al día. En algún momento nos encontramos a Andrés Ramírez, que entró al lugar a comprar pastelitos, pero se fue pronto. 

 Oyendo a Fabrizio pareciera que el mundo literario es parecido al del rock, si bien el primero está completamente institucionalizado, mientras que el segundo apenas empieza a estarlo.

Lo que Fabrizio opinaba acerca de los críticos literarios mexicanos podría ser equivalente a lo que hace mucho escribí sobre los críticos de rock, al menos en lo que parece motivar sus juicios.

Un tema que siempre me ha interesado, la critica cultural o de arte o musical, como cuando un corrector de galeras con aspiraciones de novelista confundió la corrección de ortografía con la crítica musical, publicó un pasquín soberbio (por absurdo)  y quise responderle. Sí, este crítico incluso llegó a publicar más tarde su autobiografía corregida, es decir, ficticia, donde se dedicaba a asesinar a todos los roqueros que en la vida real se habían acostado con la chica que le gustaba. Claro, en la novela él era el héroe y al final ganaba: conquistaba el corazón de la protagonista y se erguía en el único mega popstar, genial. Lástima lo mal escrita que estaba esa protonovela. Finalmente su vergonzante historia real habría podido convertirse en buena narrativa si en lugar de épica, hubiera jugado con la autoparodia, encontrando el tono para reírse de sí mismo. Además, involuntariamente parecía registrar ya una ruptura generacional dentro del mismo rock, pero su autor no supo cómo explotar este rasgo. Bueno pero esto sucedió durante los noventa.

Marcela, Fabrizio y yo empezamos a comer tarde y además demoramos los tragos, así que tuve que salir directo hasta Coyoacán a encontrarme con Carla Paniagua, con quien había quedado de cenar, por lo que no pude pasar a mi casa por algún abrigo para el frío que azota tardíamente la ciudad, el Frente Número 18 de la temporada, según la noticiarios.  ¡Y la cena era en Los Danzantes!, es decir, casi al aire libre.

Después de una frugal cena, la bella Carla y yo nos mudamos a una cantina nueva para resguardarnos del insoportable frío, justo donde alguna vez existió La Guadalupana, aquella base de operaciones del estimado Christopher Domínguez (al menos durante su época pop, es decir, antes de que se afiliara exhaustivamente al ilustre catálogo de Deutsche Grammophone, por decirlo de una manera elegante), Héctor Manjarréz, mi gran amigo el noble Galo Gómez, que en paz descanse, y demás coyoacanenses emblemáticos de los emergentes ochenta, cuando yo sobrevivía en la sala de la casa de unos amigos jipis retros en la bellísima plaza de la Conchita, por haberme quedado sin departamento al separarme abruptamente de aquella deslumbrantemente hermosa novia grecohelvéticochilanga, Ninaki.  

En la cantina Carla y yo reímos mucho, fantaseamos, inventamos historias y polemizamos. Hiperactiva, Carla estudia un doctorado, trabaja en una embajada sudamericana, da clases en una universidad, escribe minificciones (que hoy me ha enviado para leerlas), cuida a dos hurones, está acreditada como fund raiser, además de algo así como coaching, y no sabe manejar coche. A la una de la mañana la llevé a su casa.  

Fue un día sabroso. Muy sabroso. Reí mucho.

 

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Feliz año nuevo 2008

Publicado por pachoj en Diciembre 31, 2007

Un regalo de año nuevo (seguramente la letra no se refiera a ello, y definitivamente no al próximo 2008, pues el video es de los setenta. Pero, ¡qué importa!). Atencción al bailarín, ¡es brutal!Felicidades

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SONOSFERAS Y NOSTALGIAS

Publicado por pachoj en Diciembre 20, 2007

Hace una semana presentamos en Casa del Lago el libro “Sonidos Urbanos” de Mafer, con un panel donde estaba Ilana Sod, Lino Nava, Julio y yo. Me dio mucho gusto ver a todos en ese espacio. Además hubo mucho público, músicos, roqueros, periodistas, etc. El ambiente estuvo maravilloso y la producción impresionante.   Pongo aquí lo que dije:     

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SONÓSFERAS DE MEDIO SIGLO

Por Pacho

Ah qué cotidiana es la vida

J. Laforgue

No sé qué me impresionó más la primera vez que hojee el libro fotográfico Sonidos Urbanos, de María Fernanda Olvera (edición de autor): si ver tantas caras de amigos persistentes dentro de la escena musical, ahora con nuevas agrupaciones, o encontrar todavía más rostros jóvenes de flamantes desconocidos. La escena roquera de la ciudad: tan única y a la vez cada día tan distinta a sí misma.

Mi segunda sorpresa fue al poder atisbar por múltiples ventanas en una sola sentada, cual indolente voyerista, la singularidad de las 150 bandas registradas en esta dispar escena del siglo XXI. Fragmentos de un mapa tridimencional de la sonósfera capitalina organizado por zonas geográficas.

La tercera impresión, debo confesarlo aún a riesgo de sonar cursi y aunque sólo sea como agradecimiento por el trabajo que María Fernanda ponía ante mis ojos, consistió en un profundo orgullo al sentir resonar dentro mio los rostros, actitudes y ornamentos retratados, tan familiares y cotidianos para mí en cierta manera, haciéndome sentir todavía parte de ese universo que sigue emergiendo, transformándose, enriqueciéndose, de una manera tan delirante y maravillosa. Sí, un mundo vertiginoso, según  expresan los gestos de los músicos retratados.

Porque la forma en que María Fernanda y sus fotógrafos registran a los grupos, permite acercarnos al rock local en su cotidianidad más que por sus logros multimediáticos, mercadológicos o superestelares. Después de todo el rock es, además de mercancía y cultura de masas, también un sonido que surge desde abajo, como toda música popular. Es decir, música significativa para la cotidianidad de las pequeñas o grandes comunidades concretas de músicos y públicos que la generan (incluso antes de que vendan un disco o alcancen la fama).

Así, María Fernanda logra hacer convivir a los grupos más famosos de esta última camada como el Instituto Mexicano del Sonido o Moderato, con los menos conocidos y más recónditos, al fotogragfiarlos en lo más íntimo de su vida diaria como son sus buhardillas, sus lugares de ensayo.

La cuarta impresión consistió en el urgente deseo de oír a todas y cada una de las bandas consignadas (¿a qué sonarán tantos gestos y colores?). Por fortuna hoy contamos con MySpace, así que no añoré demasiado la inclusión de un CD dentro del libro.

Sí, porque Sonidos Urbanos da cuenta también de lo que significa habitar las escenas roqueras en una época de comunicación acelerada que ha potenciado la posibilidad de la gestión directa y horizontal de los recursos.

En diciembre de 2006 la revista Time salió a la venta con su acostumbrada portada que consigna a La Persona del Año, sólo que esta vez la ilustración era un espejo donde el lector se reflejaba junto a una sentencia que decía “la persona del año eres tú”, aludiendo a la aparición de la segunda generación internáutica conocida como Web 2.0, caracterizada por la ubicua conectividad inalámbrica y la consiguiente proliferación de redes, poniendo en manos de la gente común los recursos técnicos para comunicarse, distribuir y producir sus obras, ya sean visuales, sonoras o textuales.

Como asienta Patricia Peñaloza en uno de los textos del libro, la mayoría de los músicos que aparecen en este recuento crecieron musicalmente sin el peso de vivir en un país endógeno, patriarcal, aislado, autoritario, de fronteras cerradas, mitificando al resto del mundo. A pesar de persistir en México la desigualdad y el autoritarismo, la independencia ha dejado de ser considerada por los músicos como una fatalidad (antes soportable sólo mientras llegaba un sello corporativo a descubrirte). Por el contarario, hoy se ha convertido en una reivindicación o, mejor aún, en un imperativo categórico. Si no, ¿cómo es que ahora, en plena crísis de las disqueras y la radio, hay cada vez más impetuosas bandas nuevas, como testimonia el libro comentado?

Sonidos Urbanos retrata un universo multirreferencial, donde los géneros son una y otra vez transgredidos por impredecibles imaginarios. Las sobadas categorías que definen a los géneros resultan ya insuficientes para dar fe de lo que está teniendo lugar en la vida diaria de esta megaurbe de manera más o menos invisible. Grunch, dark, gótico, punk, ska…ya no son suficientes para denotar lo que significa tocar música en el DF de la aldea interconectada.

Vaya, si pensamos en la ruptura cultural que representó tocar rock en español durante los ochenta, o bien, la heterodoxia que significó introducir sonidos mexicanistas que fueron estigmatizados como tropirrock por los críticos de entonces, tenemos que concluir que es naturalo que hoy nadie se extrañe de que el libro registre a un quinteto de guitarras acústicas tocando música de vaqueros con samplers de películas de Spaguetti Western como los Twin Tones, sin preocuparles si eso “es rock”. De la misma manera, hoy resulta plenamente natural que el libro registre a un dueto de poesía lírica y pistas sonoras como los Ositos Arrítmicos de Lemuria, por poner apenas un par de ejemplos de esta irrefrenable galaxia variopinta, donde la hibridez libre y multirreferencial es la norma. ¿O acaso es posible ser ortodoxo y canónico en una ciudad tan diversa y esquizofrénica como el DF?

La ciudad como red. Vortex. Nodo. Risoma. La música que explica a la ciudad y no a la inversa (a pesar de los afanes socilogizantes de Manuel Perló en uno de los textos del libro). El sonido como cuerpo o mejor, calle.  Mapa sónico de lo que significa ser urbanita, o mejor dicho, chilango.

El libro es un mapa del espacio simbólico capitalino, un registro del imaginario urbano. Pero si da cuenta de un fenómeno generacional y espacial, también es un híto editorial de caracter generacional en sí mismo. Su concepción y arquitectura muestran cómo hay una camada de gente que experimenta su ciudad de una manera singular y por lo tanto la cronica de otra forma, es decir, sin buscar un discurso lineal que ya no puede dar cuenta de la inevitable conciencia de la simultaneidad que es vivir esta ciudad en estos tiempos: a la manera de las muñequitas rusas llamadas matrushkas, el DF es muchas ciudades, dependiendo de la Delegación, el barrio, la calle, el cuchitril o la bodega donde se ensaye o se organice una tocada. 

Editorialmente, el equivalente más inmediato de este libro es la “guía de asombros” de la ciudad, editado por Océano bajo el titulo de Citámbulos, también organizado fragmentariamente, con textos aleatorios que pueden leerse en el orden que se desee, como si se navegara por los playlist de un iPod o por las entradas de la Wikipedia o de los blogs, ofreciendo varios niveles de discurso al mezclar texto con imágnes y referencias auditivas de lo que significa experimentar la ciudad y sus escenas: una Guía Roji escrita al estilo de Rayuela.

Desde luego que Sonidos Urbanos realiza un registro perfectible. En cuanto a sus textos, muchos de ellos parecen reproducir cliches de otras épocas, como el de Warpig que despotrica contra el rock por considerarlo sólo una mercancía, asumiendo un purismo contestatario que echa de menos a sus héroes inmaculados (como si Led Zeppelin no se hubiera “manchado” jamás por la mercadotecnia). Por lo demás, Sonidos Urbanos cae en elincomprensible uso de gachupinismos, como el llamar americanos a los estadounidenses.

Pero fuera de algunos de estos deslices, Sonidos Urbanos ofrece un diagnóstico que sienta un precedente. Sin pretensiones exhasutivas, resulta incluyente al registrar la diversidad de géneros, escenas, circuitos, clases sociales, imaginarios, colores de piel, razas, incluso idiomas que se entremezclan diariamente en esta ciudad. Destaca también, en comparación con otras épocas, la notable presencia de cada vez más mujeres dentro de un género musical que durante sus primeras décadas fue casi exclusivamente masculino.

Por lo mismo, sonidos urbanos es una ventana que nos permiten vislumbrar el Aleph sonoro que es nuestra ciudad. ¡Felicidades María Fernanda! 

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           Maria Daniela y su Sonido Lasser, foto incluída en el libro Sonidos Urbanos 

 

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Horizontalidad y nuevas tecnologías

Publicado por pachoj en Diciembre 19, 2007

En Marzo salió en Nexos un artículo que titularon El Moviento Indie, dándole con ello un giro más estrecho de lo que me interesaba realizar, que era “traducir” al lector de esa revista lo que es el mundo invisible del underground, tanto virtual como real.   

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22 Feria del Libro de Guadalajara

Publicado por pachoj en Diciembre 5, 2007

En la pasada Feria del Libro de Guadalajara me tocó ir a moderar una mesa llamada “Canción Palabra Escrita” (1 de dic 07), organizada por enrique Blanc.

La convocatoria debía explorar la relacióin entre el escribir canciones y la literatura. Participaron Julieta venegas, Andrea Echeverri, Bruno Galindo, Nacho Vegas, Javier Corcobado, Jose Manuel Aguilera y el glorioso Arnaldo Antunes. No se dijo nada relevante, más allá del tópico “yo escribo como se me de la gana”, lo cual se debió evidentemente a las limitaciones del moderador. Por más que intenté, no logré llegar a ningún sitio. La mayoría relacionó su trabajo con la literatura por el hecho de que leían libros, ya fuera de superación personal como Echeverri, o narrativa como Venegas (Puede verse este link para una realatoría más detallada). Claro que me topé con los viejos amigos, y eso fue glorioso. 

Ya en el local de la FIL, me encontre con varios cuates, como Braulio Peralta,  Pedro Serrano, Humberto Musacchio, Carmen Aristegui. Comí con Phillipe Olé, Laura lara de Punto de Lectura, Lyn Fanchstein y más gente que no recuerdo. Desde luego estaban Corcovado, Andrea Echeverri, Héctor Butargo, Julieta Venegas muy simpática. Con Inti Muñoz acabé discutiendo sobre cultura en el nuevo bar de Jis y en el Calavera. 

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Bruno Galindo y Nacho Vega, siempre de malas, tenía gripa. En la foto de la izquierda vemos al buen y nunca bien ponderado Che Bañuelos, dueño ahora del Bar Calabera. En la foto de arriba se le ve transmitiendo desde la cabina de Radio Universidad de Guadalajara en la FIL

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Trino y Jis, en la cabina de Radio Universidad de Guadalajara, mientras eran entrevistados por el Che acerca de la presentación de su libro de monitos. Cuando me vieron me invitaron a pasar y esa situación nos sirvió para evocar la época dorada de la contracultura tapatía, cuando ellos dos hacían el memorable Festín de los Marranos junto con Andrés Haro de El Personal, que en paz descanse, y el buen Paco Navarrete. Un programa donde la improvisción predominaba y se burlaban de todo y de todos, desde Octavio Paz hasta Monsiváis, en tono de radionovelas.

Estos programas fueron antecedente de las animaciones y doblajes de peliculas que luego desarrollaron en la televisión. Verdaderamente recomiendo echarle un oidito a estos archivos, que apenas son unos cuantos dentro de todos los que grabaron, de los cuales transitaron durante los ochenta copias en caset insuperables (y conste que esto fue antes de la Ponchis Visión de mi amigo el Güiri Güiri)

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El amigo Pernett, que llegó a Guadalajara tocando con Sidestepper, ya que el país invitado fue Colombia, aunque él ya tiene su proyecto solista. De hecho, tiene una versión de aquella mega rola Mi ABuela que cantaba el Monje Rojas & La Ganga en épocas muco tiampo atraás, sí, antes de que el reguetón se vislumbrara como lo que es hoy día. Aquí en el camerino de Sidestepper después del concierto.

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De vuelta

Publicado por pachoj en Noviembre 11, 2007

Después de casi un año de estar bloqueado y sin poder romper con el candado, regreso a este viejo blog.

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Sobre los espacios culturales alternativos

Publicado por pachoj en Noviembre 11, 2007

Veo un artículo de Lucina Jimenez en El Universal, donde trata un tema que me ha obsesionado desde principio de los años 80. Recientemente viajé a Oaxaca a participar en el Segundo Coloquio Oaxaca, Cultura Mexicana, Revisión y Prospectiva, realizado los días 28 y 29 de septiembre de 2007. Mi conferencia se llamó “Un País invisible. Escenarios Independientes: Autogestión, colectivos, cooperativas, microempresas y Cultura Alternativa”. El coloquio fue organizado por el Francisco Toledo, José Woldenberg, y Enrique Florescano, auspiciado por IAGO, la editorial Taurus y la revista Nexos. Entre los participantes estuvieron ALEJANDRA MORENO TOSCANO, NÉSTOR GARC͍A CANCLINI, RAFAEL PÉREZ GAY,CARLOS MONSIVÁIS y LUCINA JIMÉNEZ.El tema de quella ponencia de Oaxaca tiene relación con el tipo de recuento que Lucina ahora realiza en El Universal:

 

Escrito en voz altaLucina Jiménez22 de marzo de 2007

Ser y dejar ser, Estado e iniciativas ciudadanas

México tiene gran urgencia de aprender de ciudades como Medellín, Barcelona o San Salvador de Bahía, donde la vida urbana está alimentada por muchos pequeños espacios culturales que viven -y hacen vivir la cultura- a partir de iniciativas gestionadas por ciudadanos, colectivos y agrupaciones juveniles o artísticas fuera del Estado.

Aún en los años duros de la violencia en Medellín, a principios de los 90, esos foros contribuían a pensar y elaborar posturas diversas sobre el miedo, el narcotráfico, la guerrilla y otros fenómenos sociales, a través del arte escénico o visual.

En Bahía hay un intenso tejido de asociaciones civiles. Bares, galerías y centros de estudio de batucada o berimbau canalizan la energía social de miles de jóvenes que viven en condiciones de pobreza en las favelas, pero que encuentran en la música y en los clubes de samba un sitio de dignificación.

En Barcelona, lo que inició como una escuela de música popular montada en un garaje de una vecindad, se convirtió en detonante para la regeneración de una zona antes considerada peligrosa. Ahora es uno de los centros cosmopolitas de formación de músicos de salsa, rock y jazz. La escuela tiene un bar, donde al calor de unas cervezas, un piano, un bajo y una batería, se convoca a estudiantes y músicos profesionales alpalomazo, una práctica que forma parte de la metodología de aprendizaje para la improvisación y el ensamble.

Esas iniciativas contribuyen a la diversidad y oxigenan la vida cultural. Abren espacios alternativos a las estéticas dominantes, al mainstream, dan cauce a las estéticas juveniles, muchas veces híbridas, multimedia, temporales, efímeras, irreverentes o emergentes, y a veces recuperan inmuebles abandonados. José Luis Paredes Pacho, ex integrante de La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, en su identidad de antropólogo andante, ha documentado a este sector.

De no ser por esos foros o centros, esa parte de la cultura -a veces deliberadamente marginal, otras estéticamente contestataria a las vanguardias artísticas- no tendría manera de expresarse porque no caben ni espacial, ni conceptualmente en los centros artísticos oficiales o convencionales, ya que vienen siendo como el off Broadway, tan sano y vital en Nueva York. 

En México, a pesar de muchos años de insistencia, y sobre todo de experiencias desaparecidas, todavía es una pesadilla hacer funcionar un centro, un foro, una galería o un centro cultural que intenta ser autónomo, es decir, gestionado por los ciudadanos. La legislación no reconoce esos espacios, los trámites de permisos son largos y sinuosos y su tratamiento fiscal no considera incentivos porque tampoco están reconocidos como pequeñas empresas culturales.

Espacios como el Circo Volador, el Centro Cultural La Pirámide, el Foro Alicia, la Alberka o la Escuelita -además de diversas galerías intermitentes e independientes, indispensables para mitigar la falta de espacios en los museos y galerías públicas y privadas-, enfrentan cotidianamente limitaciones de todo tipo, no obstante los diversos foros y reuniones donde se ha establecido la necesidad de atender esta problemática, de la cual dependen diversidad y democracia cultural, dos retos básicos de las políticas públicas de la cultura.

El Arcano, un sitio para el jazz, desapareció en el DF. La misma suerte tuvo La Panadería, que hasta motivó un espacio denominado La Rebeca, en Colombia. La lista es larga, abarca no sólo las artes escénicas sino el cine y el video, y la amenaza se cierne sobre otras pequeñas empresas culturales del disco: Cora son y Pentagrama, que sobreviven gracias al tesón de sus impulsores.

Esto sucede no sólo en la ciudad de México, sino en muchas otras urbes. En Xalapa, en el marco de una conferencia en la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana, varios profesionales de las artes escénicas describían la misma situación. En Mérida, Raquel Araujo tuvo que cerrar un forito que se abrió con recursos del programa México en Escena, de Conaculta, para fomentar un teatro contemporáneo a la yucateca.

El modelo de política cultural que México heredó de la posrevolución se basó en una fuerte y casi única presencia del Estado en el espacio social. A través de sus instituciones, éste lo hizo todo o casi todo. Creó museos, centros culturales y escuelas de arte, abrió sitios y zonas arqueológicas, así como bibliotecas, y produjo y distribuyó obras de arte, hasta que ya no pudo hacerlo con el mismo ritmo, debido a la escasez de presupuesto.

Hoy el reto de este Estado, en sus tres niveles de gobierno, es precisamente el de ser y dejar ser. Se puede ser un Estado fuerte, pero a la vez crear las condiciones para que florezca ese otro sector urgente de consolidar.

Para ello, se requiere un acto deliberado y de consenso para otorgar reconocimiento jurídico, agilidad en los permisos, revisión de requisitos para su operación, uso reglamentado y evaluado de espacios públicos cuando sea el caso, incentivos fiscales y fuentes de financiamiento, entre otras cosas. La política pública y su expresión jurídica en este sector deben aspirar a ser integrales, no fragmentadas. En su diseño y elaboración es fundamental la opinión de los actores de dichos procesos. Eso haría un Estado facilitador para contribuir a la democracia cultural.

 

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La conferencia en Japón

Publicado por pachoj en Octubre 20, 2007

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Aquí el interior del edificio donde fue la conferencia

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Aquí la sesión de la ponencia de Eleane Parreiras y Marcos Mantoan, director del Centro Cultural del Banco de Brasil. 

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Quevedo

Publicado por pachoj en Agosto 6, 2007

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“Sólo lo fugitivo permanece y dura”.Anoche fue la fiesta de cumpleaños de Paola y María Inés Roque. ¡Cuánta gente de antaño!Fiestas a las que siempre me gusta ir solo para poder ver a viejos conocidos. Aunque converso poco con cada uno de ellos me gusta verlos silenciosamente. Evocaciones introspectivas.Me dio mucho gusto ver a Ninaki. Charlar brevemente con “Cuate”, tan enfadado por el panorama político que nadie alcanza a codificar del todo, a María Inés tan sonriente.La consola no funcionaba bien, fue imposible mezlcar.Yo me sentía mal del estómago.Cómo pasa el tiempo.

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La puesta oral de la poesía: la antigüedad ,multimedia

Publicado por pachoj en Agosto 5, 2007

En la próxima edición de Poesía en Voz Alta, se presentará el poeta uruguayo Luis Bravo, que además dará una conferencia sobre la oralidad. Una visita que concidirá con la publicacón de un texto suyo en la revista Fractal, La puesta oral de la poesía: la antigüedad multimedia, donde articula lo que el festival de Poesía en Voz Alta postuló desde el principio: cómo las nuevas tecnologías han acelerado la recuperación de recursos que permiten la convivencia de lo más antigüo como si se tratara de lo mas moderno.

Comienza asumiendo, como todos los pro oralistas, que la poesía tuvo un orígen ágrafo. Y luego afirma que:

“En las Américas, Asia y África aún son muchas las culturas ágrafas que mantienen su identidad cultural mediante textos orales. Es allí cuando el término “literatura” empieza a quedar pequeño, pues restringe su espectro a la littera (escritura). “

Las vanguardias de principio de siglo XX parecíeron abrir la peurta a la recuperación de la palabra en su aspecto performativo. Peurta que en el siglo XXI se ha traspasado completamente gracias a la expansión de las nuevas tecnoogías ya mucho muy accesibles para cada vez más sectores de la población:

>>Si la poesía ha sido siempre una manifestación oscilante entre el universo de lo oral y de lo escrito, partamos de la premisa de que ambas vías son válidas y de que no necesariamente se excluyen. Esta alternancia, y hasta su hibridación, es lo que en la era electrónica se ha vuelto cada vez más frecuente. Las prácticas de hibridación y de interdisciplinariedad no recomenzaron con la era electrónica sino con las vanguardias de inicios del siglo XX. Según McLuhan la escritura desplazó un modo de civilización predominantemente oral, y fomentó paulatinamente la preponderancia del sentido visual, afectando incluso las concepciones del tiempo y del espacio hasta hacerlos lineales. “El pensamiento abandonó su lado mágico para hacerse lógico, discursivo y así el argumento predominó sobre la metáfora.” La metáfora, la interpenetración de disciplinas artísticas, la incorporación de lo tecnológico, así como la internacionalización de sus productos, fueron característicos de las vanguardias. Así los cubistas, con Guillaume Apollinaire a la cabeza, los futuristas italianos y rusos, los más radicales dadaístas, así como el Creacionismo huidobriano, experimentaron una poesía que integró lo gráfico, lo sonoro, lo visual y la gestualidad declamatoria, provocando un quiebre que desafió al canon de “las bellas artes”, y como consecuencia afectó a la concepción mercantil, siempre disfrazada de moralina, de la burguesía: ¿cómo podían “comercializarse” esas acciones poéticas absurdas e inasibles? Obras como Canto nocturno a los peces El gran Lalula , de Christian Morgensten, en 1905, fueron pioneras de la poesía concreta y visual . Los encantatorios poemas sonoros de Hugo Ball apuntaban a señalar la crisis de la comunicabilidad de los “significados” de la poesía textualista, algo que Kurt Schwitters desarrolló con especial conciencia en su Urs sonate. A su vez el Futurismo radicalizó la noción simbolista de la sinestesia (dirigirse desde un sentido perceptivo a otros sentidos para así establecer un “viaje” asociativo), proponiendo la idea del simultaneísmo , que consiste en proponer, desde la propia estructura y soporte de la obra, la integración simultánea de diversas motivaciones perceptivas, integrando diferentes lenguajes artísticos a un mismo objeto poético. Estas aperturas han atravesado el siglo XX incidiendo en autores tan relevantes como John Cage, quien con los “Mesósticos” transforma el uso de la forma gráfica de las letras en partitura para la recitación fonética. 

En este sentido bien puede decirse que las vanguardias zanjaron la brecha existente entre lo oral y lo escrito, trasvasando códigos de un lado a otro del espectro expresivo, generando nuevos abordajes y autonomías en los lenguajes artísticos.>>

Finalmente, Luis Bravo analiza la importancia del festival de Poesía en Voz Alta del que se enteró durante una visita al país un año antes:

>>Cada vez más este tipo de manifestación adquiere autonomía y gesta sus propios encuentros, como sucedió en el 2006 en México en el denominado “ Poesíaenvozalta. 06”, organizado por la Casa del Lago. El evento se presentó subrayando la presencia de “poesía escénica/ poesía con ritmo” y reunió elementos de “poesía indígena contemporánea” junto a “improvisación multimedia, resonancias corporales, spoken word”, convocando a un importante caudal de público joven que no suele acudir a los meras “lecturas” tradicionales de poesía.

Este conjunto de fenómenos, a estudiar y a valorar estéticamente, ya está produciendo entonces cambios en los modos de representación y recepción pero también en las formas expresivas ampliando y/o distorsionando acaso la concepción misma de la poesía en cuanto al “canon moderno de la escritura”, desde una perspectiva de la puesta oral que algunos indican como fenómeno “posmoderno”.>>

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Gobierno de internautas

Publicado por pachoj en Julio 28, 2007

Hoy salió en EL País una entrevista con William J. Drake,presidente de la asociación Profesionales de la Informática por la Responsabilidad Social (CPSR en sus siglas en inglés), y miembro destacado del Grupo de Trabajo sobre el Gobierno de Internet, creado en 2005 por la ONU, donde establece criterios sobre el futuro político de Internet (NANCE):

“En primer lugar, me preocupa que la gente siga teniendo una visión limitada sobre quién tiene el poder real en Internet. Cuando se habla del gobierno de la Red la mayoría piensa sólo en la ICANN (el organismo privado que gestiona las (direcciones de Internet). Pero hay otros organismos que tienen una enorme importancia y pasan desapercibidos, entre ellos la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual (WIPO) o la Organización Mundial del Comercio. Sus decisiones son críticas pero, a la comunidad internauta sólo parece interesarle la ICANN. Lo primero, por tanto, es movilizar a la gente para que se ocupe también de esos otros organismos. Si no lo logramos los Gobiernos y las multinacionales seguirán decidiendo por nosotros.”

La fragmentación de los órganos de decisión provoca que, para los países en desarrollo, sea muy difícil participar de forma efectiva en todos los foros mundiales. No tienen capacidad para hacerlo. Para ellos lo mejor sería que el gobierno de Internet estuviera centralizado bajo el paraguas de la ONU. Sólo así podrán tomar parte en las discusiones, controlar a los más poderosos y realizar sus propias propuestas. Lo mismo ocurre con la sociedad civil y con las pequeñas y medianas empresas. Al estar tan fragmentada la toma de decisiones, el poder queda en unas pocas manos con una gran influencia y capacidad económica para estar presente en muchos organismos. Hablo de las grandes operadoras de telecomunicaciones, los proveedores de servicios, las compañías de software, las de redes y equipos, o las grandes marcas de todos los sectores muy conocidas por el público.

“Las grandes marcas ejercen un enorme control en la ICANN y en la WIPO sobre la asignación de nombres y dominios en Internet. Tratan de evitar a toda costa que alguien pueda usar su marca bajo otro dominio que no sea puntocom, por ejemplo para dirigir al internauta a un sitio Web crítico con la empresa, o que haya quien contamine marcas muy conocidas haciendo bromas a base de pequeñas modificaciones de su nombre o añadiendo adjetivos sarcásticos. Por eso quieren que haya pocos dominios de alto nivel en la Red, para poder controlarlos. Algo similar se da en las administraciones públicas. Por ejemplo, whitehouse.gov es la Web oficial de la Casa Blanca, pero whitehouse.org te lleva a una organización de izquierdas que se burla de Bush. Esto es lo que las multinacionales quieren evitar que les pase a ellas.”

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Las hijas del porfiriato

Publicado por pachoj en Julio 25, 2007

Los hijos del porfiriato convertidos en trágicos emisarios de la modernización mexicana. Si una de las características de las revoluciones sociales desde el siglo XVII es el acomodamiento de las viejas elites dentro del nuevo orden, es curioso ver cómo la revolución mexicana terminó “perdonando” a las elites porfiristas y que, con el tiempo, los hijos de estas elites se revelarían como dandys ante las condescendencias conservadoras del nuevo orden. Estas son algunas inferencias después de haber leído sobre la vida de Nahui Olin.

María del Carmen Mondragón Valseca, hija del teniente coronel Manuel Mondragón, nació en 1893 y pasó su primera infancia en Francia. Vuelve a México en 1905. En 1913 su padre confabuló para derrocar a Francisco I. Madero, quien se había convertido en presidente desde el 23 de noviembre de 1911. Mondragón fue el artífice de la “decena trágica”. Cuando triunfa el usurpador Huerta, a Mondragón le dan la Secretaría de Guerra y Marina pero muy pronto, el 13 de junio de 1913, tiene que exiliarse en Bélgica.

Su hija Carmen Mondragón se casaría el 6 de agosto de 1913 con el cadete y diplomético Manuel Rodríguez Lozano, pintor amateur y homosexual que con el tiempo sería amante de Maria Antonieta Rivas Mercado (otra hija liberada del profirismo, tenaz y melancólica, anticipada al feminismo de los años sesenta). Se dice que el viaje de bodas de Carmen y Manuel fue al Bosque de Chapultepec, según se usaba en la época.

El matrimonio viaja a Francia en 1920 y vuelve a México cuando Carmen tenía 29 años de edad. Entonces Carmen abandona a Manuel para irse a vivir con el pintor y vulcanólogo Gerardo Murillo, que estaba ya en sus 47 y quien había sido rebautizado en París como el Dr. Atl por el poeta Leopoldo Lugones (Dr. Agua en nahuatl). Anécdota que viene a cuento porque es el mismo Dr. Atl quien bautizaría a Carmen con el nombre de Nahui Olin.

La relaciín fracasa dolorosamente después de un tiempo, pero Nahui siguió teniendo amantes, pintando, escribiendo, componiendo música, actuando y, sobre todo, conmocionando a la sociedad y las buenas costumbres de su época postrevolucionaria.

A algunos de estos amantes les dedicaría cuadros eróticos: Matías Santoyo, Eugenio Agacino. Posaría desnuda por completo en una sesión fotográfica con Antonio Garduño, dueña de un cuerpo y una belleza impactante que porta con una libertad y soltura insólitas para la época. Mujer libre y como tal, repudiada por muchos de sus contemporáneos, a la vez que celebrada como musa por parte de varios pintores y poetas de la época, entre ellos, el mismísimo Diego Rivera, quien la pintaría en varios murales, como en el del anfiteatro Simón Bolivar en San Idelfonso (UNAM), el tablero del Dia de los Muertos en la Secretaría de Educación Pública, en Sueño de una tarde dominical en la Alameda, en un mural del Palacio Nacional y en el de la fachada del Teatro Insurgentes.

Nahui la amante, la musa, la poetiza, la compositora, la actriz y la pintora. Nahui la loca que quiso vivir su vida, su cuerpo y sus fantasmas interiores, acaso creyendo que el arte prometía la posibilidad de vivir la vida cotidiana como catarsis y entrega.

Según consigna tomás Zurian, Jean charlot consideraba que Nahui poseía un espíritu plural, protéico, “esa forma tan natural expansiva de tratar de atrapar en todas sus dimensiones, no la celebridad o el éxito, sino la existencia en su mayor esencia creativa. Nunca ansió el reconocimiento ni la admiración de las multitudes, sino su realización plena en la vida y en el arte”.

La revolución sexual y de las costumbres comenzó en los años 20 con estas mujeres.

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Pop callejero

Publicado por pachoj en Mayo 31, 2007

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Pasajes de Tokyo

Publicado por pachoj en Mayo 20, 2007

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Compañías de artes escénicas en Japón

Publicado por pachoj en Mayo 19, 2007

Estas son algunas de las compañías de danza que conocí en Japon durante el Tokyo Performing Arts Merket en marzo del 2007. 

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La manager del stand de Finlandia; Barbara Scales de la promotora Latitude 45 de Quevec (dedicada principalmente a música clásica contemporánea), y la manager de Shalala, compañia de danza de Canada.

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En la foto de la derecha BabyQ, grupo escénico-multimedia que trabaja en colaboración con actores, músicos, artistas visuales y diseñadores de robots (Destroyed Robot). Su corógrafa es Higashino Yoko, fundó la compañia en 2000. En la foto siguiente está la directora del festival de Danza Butho de NYC, con quien fui a echarme un trago en el bar del hotel Hilton, donde filmaron la película Lost in Translation después de una función de teatro, ya que estabamos cerca y debíamos charlar sobre promisorias colaboraciones futuras. La escenografía era inigualable para hablar de trabajo, ojalá podamos concretar tantos planes.

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Cartel del Teatro Kabuki

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En el concierto de Salle Gaveau, grupo de tango japonés, Kido Natsuki en la guitarra, Kita Naoki en el violín, Sato Yoshiaki en el acordéon (sí, acordeón), Torigoe Keisuke en el contrabajo, y Hayashi Masaki en el piano.

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Tokio Performing Arts Market

Publicado por pachoj en Abril 19, 2007

 

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Fui a Japón a dar una conferencia, invitado por la Japan Fundation, acerca del panorama de las artes visuales en el país. Asistí al encuentro Tokyo Permorming Arts Market.

Conocí a Espartaco, estudiante de danza Butho y emparejado con la pasmosamente bella Saki.

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Saki comiendo en un restaurante jun to a una ventana que parece una calle de Los Ángeles de Blade Runer, con fachadas altas llenas de iluminación y pantallas gigantes de televisión. No en vano la ciudad de esa película es una mezcla futurista de Tokio y Los Ángeles.

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Con Marcos Montoan del Centro Cultural del Banco Nacional de Brasil, uno de los directivos de Fundación Japón con cerveza en mano y yo merengues encorbatado una vez más.

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Genial compañía de danza Butho, Kanazawa Butho Kan, de la ciudad de Kanazawa, fundada por Yamamoto Moe después de salir de la compañía Hakutobo (dirigida esta última por Hijikata Tatsumi). Comparte el trabajo con Shirasaka Kei, la mujer de la foto. Han llegado a hacer adaptaciones de obras de Kafka junto con la compaía teatral Asou. También han hecho adaptaciones de obras del teatro Noh. 

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La compañia de Butho-Sha TANKEI, inspirada en movimientos de insectos. Fundada por Torii Ebisu y Tanaka Mutsuko, que en 1981 todavía eran miembros de una de las compañías más emblematicas actualmente de danza butho, Dairakudakan.

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Austin

Publicado por pachoj en Noviembre 24, 2006

 

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Lana y Shawn, de la compañia de teatro underground de Austin, Rude Mechanicals en su sede, una asita de madera en un barrio bajo de la cudad.

 

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Seattle

Publicado por pachoj en Noviembre 23, 2006

Acabo de llegar a Austin después de un errático viaje con una escala abortada por mal tiempo en Dallas . Una tormenta obligó a aterrizar en un aeropuerto vecino, que casualmente era Austin; así que me ahorré la escala y me bajé, PERO SIN MALETAS. Va a ser una hueva esperar a ver ciádo me las mandan del aeropeurto o me hacen ir pór allas. Mientras tanto,  por ahora estoy en el hotel bajando los emails atrasados con un cepillo y pasta de dientes por todo equipaje.
 
Este viaje de tres semanas está por terminar, llegaré al DF el sábado a las 11 am.

 

En Austin ya se siente algo el sabor mexicanillo, con restaurantes con nombres en español y palabras como Ranch y Corral en los portales. Chicas igualmente hermosas que en Seattle y un calorcito reconciliador después de las heladas de aquella ciudad de salmones, de Starbucks, de Nirvana, de Microsoft y Bill Gates. Allá nació la tienda de departamentos Nordstrom, la cadena Cosco, y es donde se fabrican los fuselajes Boeing. Jimi Hendrix nació en Seattle, y la ciudad también hizo historia porque sus jóvenes volvieron visible planetariamente el movimiento altermundista. No sé qué tenga que ver cada una de estas cosas, con la otra, pero bueno, es una ciudad emblemática para diferente gente. Y todo ello a pesar de ser sobre todo un pequeño puerto de pescadores. 
 
Antes de salir del aeropuerto de Chicago me compré varias revistas para matar el tiempo durante las más de cuatro horas que duraría el vuelo, así me enteré de las nuevas batallas por el mercado cibernético de Bill Gates, que busca reposicionarse en la competencia por las descargas musicales. Me encanta el sarcasmo de la empresa de Mac: “el problema de los diseños de Microsoft es que en esa compañía no tienen buen gusto”, declaró el genio de Steve Jobs respecto al nuevo aparatito que Microsoft ha sacado para competir con el iPod. Mientras ellos compiten, Yahoo confronta a Google haciendo convenios con las cadenas noticiosas y asociandose con YouTube . Todos estos son temas adecuados para aterrizar aterrizar en Seattle. 
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La fachada del primer Starbucks café siempre tiene a músicos callejeros trabajando. Seattle se caracteriza por permitir a los artistas presentarse en su casa, por ello hay tantos por todos lados. Acaso parte de esta aura es le transmitió a este cafetín contribuyó a catapultarlo por el mundo. 
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Lane, director del foro de artes escénicas experimentales On The Board, genial tipo. Quedamos de establecer vínculos para trabajar en el futuro con intercambios.
niche.jpgExtraño cartel, mezcla de sonidos, de hemisferios y calses sociales.

 

A pesar de lo esperado, la ciudad no tiene un aspecto tecnologicamente muy vanguardista, sino que resulto más bien un lugar de espíritu ambientalista, dominada por pos hippies adinerados, cómodamente instalados en la era de la economía global que se la pasan yendo al campo, a las montañas y haciendo ejercicio. Más que geeks, lo que se veía en la calle eran callejeros de tipo europeo, gente amable, liberales progresistas, y personas que se muestran sumamente curiosas hacia los extraños. Se me figuró la Escandinavia estadounidense, con gobiernos que aun creen en las políticas de bienestar social.Sea como sea, el lugar me encantó viniendo de Freeport, villorio conservador donde pasé el intenso Día de Gracias.

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The farm

Publicado por pachoj en Noviembre 17, 2006

Estoy tan poco familiarizado con la costumbre estadounidense del Día de Grcias que me daba pánico pasar unas horas con una familia que me imaginaba tremendamente aburrida hasta el extremo de plantearse invitar a un extraño a su mesa.

Terror y pánico: aquél día el abuelo de la familia me recogió en mi hotel a las 11:45 y me llevó, junto con la interprete que me ha acompañado todo el viaje, a una granja donde había otra abuelita ataráxica, dos matrimonios adultos, algunos hijos jóvenes (es decir, un chico, una chica, una prima y sus respectivos novios), todos con cara de menonitas o con rostros parecidos a la caricatura del Rey Leonardo. 

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Al llegar, las mujeres cocinaban dentro de la casa y los hombres veían en la tele la transmisión de un estupendo concurso de perros (¡¡siempre me pregunté por el aspecto que podría tener la gente que era capaz de dedicar su tiempo a ver ese tipo de programas!!).

Me senté en una mesedora y me dispuse a penetrar aquel misterio, pero no logré hacerlo. A mi lado, en un sofá reclinable, un señor, el tio o hermano de los dueños, comenzó a preguntarme sobre mi país con sus ojos sonrientes y cristalinos (¿por qué sonreía tanto?, ¿por qué tanta decencia?, había algo sospechoso en esa mirada que no me miraba nunca). Jamás pensé que alguna vez me hallaría en una situación donde pudiera llegar a importarme, mucho más que ninguna otra cosa a mi alrededor, el poder ver un campeonato canino por televisión. Con tal de que las preguntas cesaran.

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Finalmente una de las señoras, supongo que la dueña de la granja, pidió al adulto que veía la tele a mi lado que diera las gracias por la comida. De inmediato todos se levantaron de sus asientos y con la cabeza hacia abajo, de pie, con sus dos manos cogidas al frente a la altura de sus genitales, para escuchar al tío agradecerlo todo y a todos, hasta por los invitados que estábamos en su casa. Al final todos juntos coronaron el breve discurso con un “Amen”. Yo estaba pasmado.

No abrí la boca en toda la comida, salvo casi al final que me preguntaron algunas cosas. 

Los jóvenes tampoco abrieron la boca para nada, salvo para responder las preguntas de las amas de casa sobre si preferían apple pie o pumkin pie. Por el contrario, durante casi toda la comida miraban hacia abajo, impenetrables (¿acaso sufrían?, quizá odiaban o temían, ¿probablemente pensaban en asesinar a álguien con un rifle de largo alcance en su escuela. O, por el contrario, acaso simplemente figuraban poder abandonar algún día esa villa de granjeros, huyendo en un circo o un depravado burdel ambulante. ¿Parecían encarnar alguna de todas esas cosas que luego vemos incomprensiblemente en las noticias de la televisión? No lo creo, seguramente albergaban tan sólo piedad y buenos modales). El hecho es que nadie miraba a nadie a los ojos.

En cuanto a mí, de plano entendí nada de la conversación llevada por los adultos, el vocabulario era extraño, sólo comprendí palabras sueltas como red neck, molinos de viento, etcétera (y eso que hacía unas horas llegué a creer que el viaje había servido para mejorar en mi inglés, pues hasta la intérprete se había vuelto un estorbo). No, ese día todo era de otro mundo, aquél inserto en medio de esas planicies eternas, impecables pero sobre todo implacables; pulcras, luminosas, ensoñadoras. Deslavadas, amarillentas. 

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Al terminar de comer algunos de los jóvenes se fueron sabrá (su) Dios a dónde. Los demás nos sentamos a la televisión ante un oportunísimo partido de futbol americano. Sentí alivio. 

Desgraciadamente mi bienestar no duró mucho tiempo, pronto le bajaron el volumen al televisor para escuchar el relato de una de las hijas y su novio, un tejano también granjero que había venido desde aquél Estado para la celebración del día doméstico más importante de la tierra (al menos de esta tierra). Sí, ella contaba con bastante soltura y risas sus clases de karate o de algún arte marcial semejante.

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(EL GRANJERO TEJANO, EL NOVIO)

 

 

Yo me estaba durmiendo. Por más que intentaba evitarlo, cabezeaba. Finalmente una de las señoras me ofreció dar una gira por la granjita, lo cuál me entusiasmó enormemente, al menos para ver si alcanzaba a despertarme. La cosa esa era inmensa, poseía una extensión de no sé cuántos acres, porque ni siquiera sé qué son los acres, pero el horizonte se delineaba completamente en 365 grados como si estuviéramos en medio de un océano amarillo. 

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Y sí, ahí estábamos, caminando ante el gélido y aromático viento que delataba la presencia de un establo con algún tipo de ganado. Todo era muy bucólico, engañosamente campirano, hasta que dimos vuelta en la esquina de un cobertizo  dentro del cual apareció de pronto un extraterrestre, un monstruo gigantesco. No uno, ¡DOS!. Como un par de transformers inverosímiles. Un de ellos parecía un robot, yo mediría quizá el tamaño de los rines de sus llantas. Era una máquina parecida a un tractor pero del tamaño de un avión. Bueno, no tanto, pero así parecía en ese momento delirante.

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Seguimos el recorrido por los establos, donde apestaba peor que ningún baño público mexicano, al parecer por los químicos que le echan a su comida. Criaban para su venta cerdos y vacas, y cultivaban frijol de soya y maíz para alimentar a otros animales y para echarle a la gasolina como combustible complementario. Estábamos en el centro del granero de los Estados Unidos, en medio de las grandes planicies estadounideneses, producidas por un glaciar hacía millones de años, a una distancia sicológica año, siglos, milenios luz de los días en que pudiera haber existido la tracción animal para el arado sobre el planeta. 

La comida habrá comenzado a las dos, pero duró poco, al igual que la gira por la granjita. así que pronto volvimos al hotel con gran alivio, donde de inmediato hice la maleta y me preparé para salir al día siguiente hacia el aeropuerto de Chicago, a dos horas de distancia, y tomar al fin un avión hacia Seattle, preguntándome cómo habría de irme en ese rincón del culo del mundo, gracias a Dios.

 

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Chicago

Publicado por pachoj en Noviembre 15, 2006

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Condechi en LA

Publicado por pachoj en Julio 28, 2006

24464560.gifRubén Martínez me ha enviado un artículo sobre la Colonia Condesa aparecido en el LA TImes, escrito por Reed Johnson.Además me envía un link de una crónica suya reciente, por si alguien tiene acceso a este diario.     Rubén pasó unos años en México, viviendo en la calle de Veracruz en la colonia Condesa, por lo que el artículo aparecido en el diario donde él colabora le ha provocado cierta nostalgia. Le cuento a Ruben que justo frente a su ventana ha aparecido un hotel ultra chic, el Hotel Condesa, que no convoca a los viejos parroquianos que frecuentaban su departamento, los radical chics, ni al red-set condechi, ni siqueira a los new Bohemians o wanabe lumpenes que hoy beben en el Xelha. No, es otra esquina, su ventana ve hacia otro mundo.

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Escuela Panamericana del Desasosiego

Publicado por pachoj en Julio 11, 2006

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La Escuela Panamericana del Desasosiego de Pablo Helguera pasó por el DF. Poca gente acudió al acto. Parece que la discusión en la Sala de Arte Público Siqueiros salió bien. Ese viernes hubo después un coctel en el cuál puse música “panamericana”, aunque quizá Pablo andaba demasiado absorto en su propio proyecto como para reparar en ella. Nosotros hicimos un trabajo enorme de difusión. Para los interesados, el siguiente link es del blog de la pieza: Escuela Panamericana del Desasosiego En términos personales, lo más divertido fue la charla con Juan Eduardo Navarrete, El Pájaro, de Bulbo, que venía de colaborador del proyecto. Noble y fresco, increíble. Le regaló varios libros. También tuve una charla larga y agradable con Springer, y breves encuentros con Reyes Palma, Maris Bustamante y ya no recuerdo más.

 

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Yo debía participar en el performance leyendo un discurso en pro del panamericanismo, lleno de exortaciones, florituras y frases grandilocuentes.

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Política Cultural para el DF

Publicado por pachoj en Julio 7, 2006

Hoy salió esta nota en la sección cultural del Reforma, donde me entrevistan sobre la cultura en la ciudad.

Esperan en el DF renovación cultural 

Le dan a Ebrard voto de confianza, pero le recriminan su política de ‘tolerancia cero’

 Julieta Riveroll

Ciudad de México (6 julio 2006).- Promotores culturales, funcionarios y ex funcionarios esperan que la llegada de Marcelo Ebrard, Jefe electo de Gobierno de la Ciudad de México, renueve la política cultural capitalina, tras caer en el olvido durante la actual administración.

La cultura fue uno de los temas del Consejo por la Ciudad, Órgano que Ebrard creó al inicio de su campaña para tomar en cuenta la opinión del sector mediante reuniones, y el 28 de junio recibió los documentos elaborados por los participantes, recordó su titular Elena Cepeda.

“Marcelo es la persona indicada y sensible para lograr un cambio drástico en la política cultural del Distrito Federal, para que deje de ser una actividad de fines de semana. Fue un acierto que convocara a la gente para escuchar sus opiniones”, consideró la editora Deborah Holtz.

José Luis Paredes “Pacho” manifestó su esperanza de que el nuevo gobierno capitalino siga tomando en cuenta la voz de los involucrados en la cultura y condenó una vez más la Ley de Cultura Cívica, que Ebrard impulsó cuando era Secretario de Seguridad Pública del DF.

“La política de tolerancia cero criminalizaba las expresiones artísticas e identitarias de las subculturas juveniles, como el graffiti; es incomprensible dentro de un gobierno de izquierda e infructuoso como lo fue en Nueva York”, dijo el director de la Casa del Lago de la UNAM.

 “Mis expectativas son buenas porque se conformará un grupo de trabajo asesor para discutir de manera sistemática las políticas públicas relacionadas con cultura, se mejorarán las condiciones económicas del sector cultural y se dará mayor apoyo a los creadores de las comunidades para proteger el patrimonio inmaterial”, comentó el etnólogo Sergio Raúl Arroyo.

La titular del Consejo por la Ciudad citó algunos de los consensos entre quienes participaron o hicieron llegar sus propuestas a este Órgano, como el darle certeza jurídica a los foros culturales independientes en la 
Ley de Establecimientos Mercantiles.

“La existencia de una figura legal que proteja a estos espacios es una larga lucha en la que estoy involucrado desde los años 80, así como lograr una política fiscal que les beneficie. Ojalá que por fin se concrete en la legislación”, señaló “Pacho”.

Urge también fortalecer la infraestructura cultural de la ciudad o redefinir la ya existente porque hay confusión sobre si el responsable del manejo de ciertos inmuebles es una secretaria federal o local, indicó el diputado perredista Inti Muñoz.

La reincorporación de la educación artística en las escuelas es vital para la creación de públicos, la formación de profesionales y programas culturales, coincidieron el diputado y Vázquez Martín.

Aun cuando no sepan todavía qué proyectos retomará Ebrard en su plan de gobierno, los entrevistados confiaron en que recupere los programas de fomento a la lectura, apoye las pequeñas y medianas industrias culturales y las lenguas indígenas, lleve la cultura a los calles, plazas y jardines, promueva el turismo cultural y haga efectivo un mayor presupuesto para la cultura.

Arroyo sugirió articular la protección del patrimonio cultural entre el gobierno capitalino y el federal, así como entre el gobierno capitalino y las delegaciones políticas, además de no limitar el patrimonio a los monumentos sino ampliarlo a las festividades patronales y otras expresiones de los barrios y zonas rurales y semirrurales dentro de la ciudad.

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Despedidas

Publicado por pachoj en Julio 1, 2006

Anoche fue la despedida de Pip Day, gran amiga canadiense-londinense, ex mujer de Francis Alys, que se va a estudiar un doctorado a Londres. El reve fue en casa de Pamela Echeverría. Yo estaba exhausto y me quedé poco tiempo. Gracias a Pip pudimos presentar una conferencia de Mark Dery en Casa del Lago.

Estaba cansado, así que no hablé con casi nadie de los conocidos: Tin Larín, Thomas Glasford, Torolab, Rodrigo Peñafiel, Luciano Matus, Pamela, Tatiana Cuevas, entre los pocos que recuerdo. Estaba demasiado cansado.

Hoy es la despedida de Fanny Begueira, pues termina su periodo de trabajo como particular del agregado cultural en la embajada francesa, así que se regresa a su país.

EL próximo viernes es la despedida de Leonardo Tarifeño, gran amigo argentino, outsider, bohemio, escritor, periodista y DJ. Dice que se ha hartado de esta megaurbe y ha decidido largarse a Brasil con su novia mexicana. A probar suerte. Por fortuna existe Internet, si no lo extraría mucho.

Antenoche fue la despedida de Natalie, la novia de Luis Falconi, que vuelve a Francia cansada del aire cargado de esta ciudad, dijo.

Todos ellos son extranjeros.

Mañana son las elecciones…

¿Por qué se va tanta gente de pronto?

¿Sabrán algo que nosotros los autóctonos no?

Sea como sea, ¡buena suerte a todos!

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Un Cajón de Ida y Vuelta

Publicado por pachoj en Junio 28, 2006

El sábado pasado me publicaron en el diario La Jórnada un artículo sobre el cajón flamenco Un Cajón de Ida y Vuelta.

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Mrs. “E”

Publicado por pachoj en Junio 24, 2006

Doce horas después, MRs. E escribió a doña Pepa parcamente:

Gracias por la charla, lo pasé realmente bien, ya cenaremos.

Saludos, E.

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Doña Pepa

Publicado por pachoj en Junio 24, 2006

En el Covadonga me encontré a siete mujeres, la octava fue doña Pepa. Cinco conocidas desde la infancia, cada una de distinto ámbito, de distinta época. Era noche de niñas, me dijeron, por lo que expliqué que yo sólo pasaba saludarlas, que tenía una cita con un amigo que estaba por llegar, que no pensaba sentarme. Ellas rectificaron “bueno, entonces siéntate mientras viene tu amigo, te cambiamos el nombre y ya”.

Todas casadas o divorciadas. Menos doña Pepa. Conversaciones femeninas. Rizomas, cada una por sí misma. Pepa Extasiada. De pronto ahí reunidas todas, después de tantos años y viajes e historias. Y ahí, justo frente a doña Pepa, Mrs. “E”, la séptima convidada a la mesa, a quién hasta entonces parecía no conocer. Recapitulando, riendo, ironizando con alegría. Charlas invictas, recónditas, festivas.

Me levante de esa reunión fascinante cuando llegó mi amigo. Inevitable que Pepa no se quedara en esa mesa, así que la dejó ahí departiendo mientras yo me iba a cumplir con mi cita de trabajo, condenado a hablar de temas varoniles bastante más aburridos.

En cambio Pepa terminaría en otro bar conversando precisamente con Mrs.”E”, hasta la madrugada.

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Isabel

Publicado por pachoj en Junio 24, 2006

Hace más de dos años conocí a Isabel en Bogotá. Deslumbrantemente hermosa. Le hablé durante un concierto de Curupira en la Universidad. Paseamos y nos amamos. Lloró al despedirnos. Luis Mario Moncada fue testigo. Sus fotos están en el mes de diciembre de 2004 en este blog (Teoría situacionista sobre elamor )

De vuelta en mi ciudad continuamos escribiéndonos. Yo la invitaba a venir, ella nunca respondió directamente al tema. Tampoco podía insistirle demasiado en que cambiara de aires, que dejara su vida de músico por mí. Tenía un delicioso arete en la lengua, al igual que en cada uno de sus dos pezones. Un año después volví a mencionar que viajara a México, entonces respondió que no tenía dinero para ello. Evidentemente le dije que eso no era problema si yo la estaba invitando y se entristeció por ello.

Según ella yo nunca dejé claro ese punto. Pero de cualquier forma, ya era demasiado tarde. Sí, me dijo, se moría de ganas de verme, pero de hecho tenía una noticia que darme. Estaba esperando un hijo de su nuevo amigo.

Hoy, un año después de haberme dicho la noticia, me han llegado dos fotos de ella, retratada con dos meses de embarazo a la orilla del río amazonas, en Brasil. En la foto lleva una camisetita de verano mostrando la panza al aire y sus pezones tan inflamados que se marcan en la tela, enormes, deliciosos. Su sonrisa es aún más hermosa que antes.

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Verde

Publicado por pachoj en Junio 24, 2006

Llueve con sol, el lago verde está agitado.

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Un vientre espigado

Publicado por pachoj en Junio 19, 2006

Imposible olvidar su ombligo solitario en medio de un vientre inescrutable. Hablamos muy poco la primera vez, durante la Segunda Feria de las Disqueras Independientes del Museo Anahuacalli. Yo era asesor y me interesaba ver cómo salía todo el evento, así que no charlé demasiado con la gente. Volví a verla el viernes 9 de junio durante la presentación de Puerta de las Américas en Casa del Lago. Llevaba nuevamente su ombligo al aire. El domingo me la encontré una vez más en el Hotel Sheraton, comimos junto con el brasileño Benjamín Taubkin, un marroquí­ y varios otros amigos en El Cardenal. Entonces pudimos hablar un poco más, bastante más, principalmente de música. Días después me escribió y armó un diálogo simpático y provocador. Finalmente salimos a cenar esta semana, fuimos a la Fiesta de la Música a la Casa de Francia y luego a algunos bares. Los temas fueron la prosa y la topografía sudamericana. Y desapareció.

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Vanguardia universitaria y emergencia callejera

Publicado por pachoj en Junio 1, 2006

Rencontré el link de un artículo sobre  Tradición Oral y Spoken Word     que publiqué en La Jornada hace casi un año, con motivo del festival internacional de Poesía en Voz Alta.05 en Casa del Lago. El artículo pretendía dar los antecedentes y el contexto de la parte afroamericana que el ciclo programaría con gente como Quincey Troupe, biógrafo de Miles Davis, y uno de los máximos poetas del spoken word en estados Unidos, junto con Willy Perdomo y el chicano Adrian Arancibia de los Taco Shop Poets, un colectivo caracterizado porque durante los noventa hacía lecturas de poesía en taquerías de california.

También participaron entonces el grupo de Hip Hop de Oakland Company of Profets, junto con un grupo de son jarocho que se desprendió de Chuchumbé, los poetas Mardonio Carballo (nahuatl), Natalia Toledo (Zapoteco), el raper Tiosha Bojorquez y el genial Rodrigo Solís. Además de que programamos una conferencia de Juan José Gurrola y Hugo Guitiérrez Vega recordando anecdóticamente los días originales de Poesía en Voz Alta en Casa del Lago durante los años sesenta, cuando los censuraban y ellos rompían con todos los códigos.

Curiosamente Gurrola, otrora subversivo e irreverente, se le ocurrió decir que el rap era una porquería, que eso no era poesía, sin reparar en que la tercera parte de la audiencia eran chicos raperos de barrio, quienes se prendieron y le interpelaron. La verdad Gurrola quedó mal ante ellos, quienes hablaron muy bien articulados y hasta con respeto. Fue muy interesante juntar tantos mundos y públicos en torno a la lírica: la vanguardia universitaria de antaño, con la emergencia callejera de hoy.

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Cine por celular

Publicado por pachoj en Abril 13, 2006

Encerrado. Escribir, leer y hacer ejercicio. Debo entregar un texto con comentarios que hice durante el Foro de la Feria del Libro de Guadalajara, comentando el “Diagnóstico y líneas estratégicas para las políticas culturales en México. Horizonte 2006-2007″, elaborado por la gente de Nestor García Canclini, dirigido por Eduardo Nivón. Ahora tengo que entregarlo por escrito para su publicación…y pa que me paguen los del Centro de Estudios Estratégicos Para el Desarrollo de la Universidad Guadalajara, que ya pasaron meses.

También tengo que terminar de leer los borradores de dos libros y escribir los prólogos que me pidieron Mónica Meyer (Historia de los espacios en las artes visuales del DF) y Tiosha Bojorques (un estudio lingüístico sobre el hip hop de la ciudad).

Si no los termino en las vacaciones, ya no tendré tiempo para ello.

Anoche fui a ver cómo Fran filmaba su película con un celular. Divertido, el actor emergente resultó genial, y la actriz supuesta sólo una cara de fuchi perpetua, sorpresas de la vida.

Quizá mañana me vaya a Cuernavaca con Oscar, será un placer seguir escribiendo mis trabajos bajo el sol, con un bloody Mary o un Martini junto a su alberca.

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Un jardín con sol

Publicado por pachoj en Abril 10, 2006

En la boda de hace una semana, me encontré a Sofía, la mujer de Juan García Oteyza, y me invitó a comer para el domingo siguiente con Mariana Elizondo, Pablo Salazar y Andrea. Volví a recordar esa casa donde vivía Juan García Ponce con Michel Alban y en la de junto, donde ahora son las oficinas de Turner, Mariana y Pía.

Antaño reventones, hoy una casa soleada y sosegada. Entonces perversiones y excesos, hoy una vida familiar y correcta.

Juanito como siempre amabilísimo. Me regalo dos libros sobre Francis Alys, la traducción al español del clásico “Dejé mi corazón en Woundend Knee” de Dee Brown, “Caballo Loco, vidas paralelas de dos guerreros americanos”, de Stephen E. Ambrose, que no conocía, y el libro de “La Panadería” que editó Alex García Ponce junto con Yoshua Okon. Espero tener tiempo estas vacaciones para leerlos, pero tengo que escribir demasiado por compromisos ineludibles.

Nos echamos un aperitivo en el jardín soleado, ahora habitado por niñas, no por posadolescentes desaforados deslumbrados por el sexo y por la vida.

Durante la comida evocamos las conferencias grabadas de Borges que Juan siempre, desde la preparatoria, me pide le grabe o le queme; un inolvidable libro de Henry Miller con fotos que ya no tiene ahí en su casa, y los días de la generación de su madre en la Casa del Lago, pues ella estaba ahí.

Recordé con Sofía a su hermana, que vive en Puerto Rico y ya tiene dos hijos. La visité en San Juan al rededor de 94 o 95, cuando ella grababa a grupos en arrabales de lo que hoy se conoce como reguetón, muchos de los cuales son ya famosos. Yo había ido a tocar a esa ciudad y creo que me quedé unos días más con ella, yo andaba deprimido por un desamor. 20 años no pasan en vano.

Pablo Salazar fue todo un descubrimiento. Un gentleman decimonónico. Educado, afable, caballeroso y con un fino sentido del humor.

El mundo de Juan es de otra época. Su soleado jardín aún más.

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The Wrath of God

Publicado por pachoj en Febrero 23, 2006

No es la de Herzog sino la de Ralph Nelson, “The Wrath of God“, un cheese western de 1972 filmado en México, con un super elenco (Rita Hayworth, Robert Mitchum, Frank Langella) donde todos mueren liquidados (A “Pablito” le cambiaron una E por una A en su crédito: J.L. ParAdes).

   foto-31.jpg

No creí que la peli tuviera fans:

 1.- “NOT a parody, 8 November 2002. Remarkably funny western/revolutionary action pic stars Mitchum as a con artist who poses as a priest and Langella as the South American’ dictator he and his friends have been blackmailed into assassinating. Hayworth appears briefly as Langella’s tormented mother.

The action is fast and well staged, and the film’s humor is so effective that it has often been seen (mistakenly, I believe) as a spoof of its genre, rather than as the fine example it is of the genre at its best.”

2.- “It’s been my experience that many times,reviewers of this strange gem have been puzzled or turned off by the strange plot and readings that the players have provided.This is NOT just a standard western,with rebels trying to overthrow a tyrant.This is a parody of every flm cliche of that particular vintage.Mitchum is doing a burlesque of Bogart or any other reluctant hero fighting a tyrany.Langella is doing Jay Robinson’s psychotic Caligula from ‘The Robe’ or ‘demetrius and the Gladiators’.Hayworth is every suffering mother,Colicos is every sly villain,and Buono is having the time of his life and career as a virtuoso impersonator of Sydney Greenstreet.Get this film,make lots of popcorn,plenty of beverages,and enjoy.”

3.- “In her last screen performance Rita Hayworth has preternaturally red hair (fire-engine red, not a color of any natural human hair), few lines, and is required to look devout (which she manages to do). As her flamboyantly traumatized and traumatizing son, Frank Langella gets to chew up the scenery, which he does with great relish (before ‘Dracula’, after his memorable film debut in ‘Diary of a Mad Housewife’ and Mel Brooks’s adaptation of ‘The Twelve Chairs’). Ken Hutchinson does fine as the token normal guy who is embroiled in others’ plots, including the romantic subplot that involves him with a mute Indian maiden (Paula Pritchett). In a Sidney Greenstreet-kind of role as a corpulent and corrupt gun-runner Victor Buono is suitably droll. Still, it is Mitchum’s movie, and he is as compelling when he takes his priestly role seriously as when he plays the usual disengaged but competent existentialist who expects nothin’ from nobody. 
A motley gang of foreign mercenaries getting involved in the confusions of the long-running Mexican revolution and taking a side against their financial interest recurred in a number of late-1960s and early-70s movies, including ‘The Wild Bunch’, ‘The Professionals’, and ‘A Fistful of Dynamite’. The latter two use considerable humor within the genre of expatriates taking sides (which in Mexican settings of different eras includes ‘Vera Cruz’, ‘Old Gringo’, and ‘Bring Me the Head, of Alfredo García’).”

4.- “What a splendid mix this film has. It uses Robert Mitchum in some ways better than any of his later vehicles ever attempted to. He plays ‘Father’ Van Horne who on the surface is a Catholic missionary but in actuality is an accomplished bank robber cutting a swath through Central America with a prayer book in one hand and a Thompson machine gun in the other. He encounters Victor Buono as an English gun runner named Jenning and Ken Hutchinson as an IRA assassin named Emmett Keogh. Together the 3 men comprise Col Santilla Unholy Trinity charged with the liquidation of his nemesis, one Tomas De Laplata(Frank Langella) who has a murderous antipathy toward any and all clergy. With a setup like this you go along for the ride. Believe me you won’t be bored.”

5.- “Ralph Nelson proved himself to be a great director shooting some really great productions in black and white (’Requiem for a Heavyweight, Lilies of the Field) but his color efforts are clumsy and “TV movie-like” (’Duel at Diablo’, ‘Embryo’ and this, ‘The Wrath of God’. Nelson captures not of the epic sweep and poignance available in this material. One could only dream of what director Sergio Leone might have accomplished, even given the awkwardly structured, exposition-laden storyline. Fortunately, Nelson had a wonderful cast (Mitchum, Buono, Hayworth and, most notably, Ken Hutchinson and John Colicos) with which to work. Only Frank Langella seems to indulge in overacting, and he arrives more than 45 minutes after the beginning of the film (my “45 minute” rule: if a two hour movie is still introducing major characters after 45 minutes, the movie is usually a dog. Fortunately, Nelson handles the humor better than the drama and there is an abundance of it, albeit irreverent.

“The theme of ‘The Wrath of God’ is ‘redemption through sacrifice’. Mitchum did this better in ‘Heaven Knows, Mr. Allison’. Sam Peckinpah did it better with ‘The Wild Bunch’. Richard Brooks did it better with ‘The Professionals’. Heck, even Anthony Quin did it better in ‘Guns for San Sebastian’, the movie this one most nearly resembles thematically. Still, there is much to enjoy in The Wrath of God to dismiss it entirely, even with the flat, disappointing ending. I give ‘The Wrath of God’ a ‘5′.”

6.- “Not everyone agrees that this a parody. I have read that the film turned out confusing because of problems on the set. Including, Rita Hayworth’s Alzheimer’s and an actor who had a part for the first six weeks of filming. He was severly injured and couldn’t complete his part properly.”

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Poesía desde Francia

Publicado por pachoj en Febrero 22, 2006

Gilles me mandó un par de poesías de lABD AL MALIK para invitarlo en octubre al festival de spoken word: Le Grand Free y 12 Septembre

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Sonidos de la Calle en la WEB

Publicado por pachoj en Febrero 17, 2006

Hoy regresé de la playa y encontré que mi libro Rock Mexicano, Sonidos de la Calle está en venta en esta página web.Y también hallé por casualidad que se encuentra en el Instituto Cervantes de Nueva York

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Libre Albedrío

Publicado por pachoj en Febrero 1, 2006

Yo también quisiera levantarme tranquilo y sobrado de tiempo. Tal es la imagen que todos tenemos de las vacaciones, pero me debato entre terminar un libro de Vila Matas o un artículo de Adolfo Sánchez Vázquez; comenzar un cuento de Álvaro Uribe, un libro de Emmanuel Carrère o ponerme a escribir una crónica que tengo en el tintero. Quizá mejor debería escuchar  The Farenheit Twins que me mandó Val.

¿O acaso terminaré por salir a la calle?…Fran me citó en una conferencia de Nestor (García Canclini) en el CENARTA, pero me acaba de llamar Maureen para comer, pues son siglos que no nos vemos. También llamó Ximbo para ver si a la noche nos juntábamos con Malena, la guapa hiphopera argentina que conocí hace un año en Barcelona y que está de paso por el DF.

Por lo demás, a la noche es la reunión obligatoria de la secreta Logia Melómana en casa de Camilo, y mañana debo levantarme temprano para una junta de trabajo antes de viajar a la playa.

(En el diccionario libre albedrío se define con dos acepciones contradictorias: “Voluntad no gobernada por la razón, sino por el apetito, antojo o capricho”, por un lado. Pero también como “Potestad de obrar por reflexión y elección”)

Creo que comenzaré por ducharme y preparar la maleta para el viaje. Lo demás que lo dicte el apetito…(¿o la obligación reflexiva?)

Las vacaciones son sólo la ilusión de contar con suficiente tiempo libre, pero nada de libre albedrío.

 

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Escalmoles y el principio del pop

Publicado por pachoj en Diciembre 22, 2005

Nunca había tenido vacaciones en tiempos convencionales, así que no preparé mi viaje con anticipación: ahora todo está lleno.

Pasé a la editorial de la revista DF y Gatopardo para cobrar mi colaboración y ahí Guillermo Osorno, el director, me regaló un libro de Travesías con recomendaciones para salir de vacaciones, además de un ejemplar de Gatopardo -#52- (www.gatopardo) donde viene mi artículo sobre el libro de Trilce “Paso del Nortec”.

En la mañana comencé a leer un clásico refrescante que me regaló Laura de Punto de Lectura: Awopbopaloopbop alopbamboom, una historia de la música pop (1968), de Nik Cohn, que acaba de reeditar en español dicha editorial (2004). Además me la pasé en internet buscando alguna playa para escaparme. No llegué a ningún sitio

Es deliciosa la prosa de Nik Cohn, además de que lo escribió casi de una sola sentada y sin consultar fuentes, por lo que se disculpa retrospectivamente en su introducción escrita en 1996.

Pobres de nuestros críticos musicales mexicas que sólo saben quejarse por la tierra baldía que les ha tocado habitar, sin siquiera proponerse gozar lo único o primordial que al menos tienen al alcance, que es su propia prosa. Se sienten tan desolados habiendo nacido en otra época, treinta años después o más, y en un país distinto que no supo clonar sus ideales contraculturales.

EL libro de Cohn es bastante crítico hacia los músicos que reseña, pero no es amargado. NO hay tufo de frustraciones sino sentido del humor, ironía y erudición. Sí hay predilecciones personales, pero lo que el autor se propone compartir no es una verdad rotunda que él sancione, sino su propio azoro ante la experiencia de escuchar. Pero además asume este azoro como una experiencia historizada, que es donde está el secreto de la crítica musical.

Desarrollándo esta lógica de Cohn, acaso podríamos decir que si el pop nace como la mediación del mercado en las identidades juveniles (y en su misma posibilidad), ¿la contrcultura de los sesenta sería la disidencia en las formas de consumo, pero siempre dentro de ese nuevo consumismo juvenil súbitamente posible? La tensión entre consumo pasivo y consumo activo.

El pop sería para Cohn, entconces, la confluencia de bienestar económico y capacidad adquisitiva de una sociedad (y como tal, el surgimiento de un nuevo sujeto social, el teen blanco), con los progresos tecnológicos que acercan a la gente de a pie (a su vida cotidiana) los hallazgos de la tecnología como la guitarra eléctrica, así como, finalmente, con la aparición de una estática diferenciada generacionalmente, basada en el ritmo y el sexo.

Hoy ceno con Valerie en el Cardenal del Sheraton de la Alameda,pues se le antojaron los tacos de escalmoles de ese lugar. Pasaré a ver a los santacloses con sus escenografías de fantasía en pleno parque central de nuestra urbe.

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Vasos comunicantes

Publicado por pachoj en Julio 25, 2005

Terminé la novela de Charlotte Carter, “Rhode Island Red”, traducida como “El dulce veneno del jazz”. No está mal, maneja el suspenso que te atrapa hasta el final, pero también te deja un tanto vacío. Es una novelita policiaca light, salvo porque quedas con un sabor recóndito de NYC.

Menciona sitios donde tuve también vivencias amorosas, como Gramercy Park, así que todo el día me han venido involuntariamente sensaciones neoyorquinas, ¡cómo se me ha antojado ir allá! Curiosamente estos sabores ya no me remiten a una persona en particular, sino a una genérica sensación pasional. ¿Año 93, 94, 99 o 2004?, cinco personas singulares en cuatro fechas distintas, momentos amorosos tan intensos como diferentes, que ahora parecen un mismo tributo a la ciudad antes que a alguna sola persona.

Cómo hay ciudades habitadas ya no por una mujer en particular, con nombre y apellido, sino por el recuerdo de una dimensión que se hipostasía a la ciudad misma. En mi biografía personal París, Roma, Sevilla, y Nueva York ya no son meras ciudades.

Ayer me compré un clásico reeditado, Vasos Comunicantes de Andre Breton, lo empezaré pronto. De hecho, esta mañana comencé los cuentos de Mauricio Montiel “La piel insomne”.

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Los Hijos del Campo

Publicado por pachoj en Julio 17, 2005

Pongo aquí la ponencia leída en un debate sobre cultura campesina en enero de 2003, según la postié el 10 de febrero de 2003 durante mi participación en el Blog Colectivo de Big (B)Other.

LOS HIJOS DEL CAMPO

Por Pacho

Luis Cardosa y Aragón relata que en 1925 llega a México Vladimir Mayakovsky por el puerto de Veracruz y que al desembarcar preguntó sorprendido: “¿En dónde están los indios?”; a lo que alguien le respondió: “Son los que llevan sus maletas”. La anécdota ilustra cómo los citadinos tendemos a representarnos al indio, incluso al campesino, dentro de una visión idealizada, bucólica y pastoral. Si el indio se nos presenta sin vestir sus atuendos tradicionales, no lo reconocemos. Acaso a algunosel desengaño les parezca incluso un fraude. El campesino sin su sombrero de palma y su calzón de manta, ataviado con una gorra de beisbolista y botas de casquillo, o si es más joven, vestido con camisetas estampadas con el nombre de algún grupo de rock pesado, no nos parece “auténtico”.

DESDE LA CIUDAD: EL CAMPO

Desde la ciudad, el campo es esquivo. A nuestros ojos parece esconderse. Y aquí no me voy a referir a las múltiples presencias del campo en la ciudad, de las que ya Guillermo Bonfil Batalla se ocupó extensamente en su libro México Profundo, donde reivindica las muchas formas en que la herencia indígena está viva e informa nuestra vida urbana, aunque nosotros no siempre seamos capaces de verla. En cambio, me ocuparé brevemente de la representación que se hace del campo dentro de algunas culturas juveniles relacionadas con el rock o la música moderna.

Decía que los citadinos no siempre somos capaces de ver el campo, ni siquiera cuando viajamos fuera de la urbe, ya que llevamos con nosotros a la ciudad y su mitología. El campo se convierte para nosotros apenas en un resort vacacional, una especie de escenografía. En cuanto a la imaginería juvenil, la divertida película Y tu mamá también refleja lo que el campo puede representar para algunos chavos viajeros, algo así como una ambientación que vemos pasar a través de la ventana de nuestro auto mientras transitamos por la carretera, un ciclorama que en la película enmarca las preocupaciones citadinas de los tres personajes y, particularmente, la fanfarronería sexual de los charolastras, un par de adolescentes de clase alta.

Si acaso,como sucede  en un momento dado de la película, el campo se concentra en una palapa y en una rockola que exalta el instante íntimo; situación que a los personajes les permite transgredir su sexualidad urbana y cosmopolita. El campo es el lugar donde todo está permitido para el citadino, lejos de las normas urbanas, pero donde dicho urbanita siempre se mostrará indiferente hacia las costumbres locales. El campo es un lugar con el cual no siempre interactuamos de manera sensible, abiertos a su otredad.

Así, el campo se esconde para muchas culturas juveniles, decía. Es apenas un ornamento que nos da color local ante el mundo, acaso referido como kitsch. En ocasiones, simplemente se inventa la imagen de lo rural, según las muy urbanas fantasías de cada individuo. Entonces se le convierte en la tierra que contiene los misterios que resolverían nuestros modernísimos dilemas y vacíos: acaso la cuna del chamán que pueda redimirnos, como en la película Piedras Verdes, de Ángel Flores.

Quizá esta chamánica imaginería juvenil, repleta de fantasías protoindigenistas, tenga su origen en 1959, cuando se inaugura la carretera de terracería que va de Teotitlán del Camino a Huautla, dando comienzo con ello al surgimiento de un nuevo territorio psicológico, el del turismo de mochila al hombro (que con el paso de los lustros, se convertiría igualmente en una industria turística alternativa).

En los sesenta y setenta los trailers park, las playas vírgenes, las ruinas arqueológicas, las sierras y los desiertos, fueron destino de miles de jóvenes nacionales y extranjeros en busca de lo que se consideraba “auténticamente” rural, sin que muchas veces se alcanzara a averiguar cabalmente en qué consiste lo de “auténtico”. ¿Quién que haya sido joven desde los sesenta no ha estado, al menos una vez en su vida, en una playa del Pacífico bebiendo una cerveza Victoria en una hamaca, mientras de la grabadora portátil sale el último disco de reggae o cualquier otro ritmo de moda? Pero, ¿es esta la cotidianidad del campo mexicano real?

Así pues, la contracultura de la Onda inaugura en los sesenta un nuevo tipo de indigenismo que muchas veces alcanza a ver al indio, pero muchas otras lo inventa. Alvaro Estrada, en su delicioso libro Huautla en tiempos de los hippies, realiza una especie de antropología invertida donde retrata cómo los hippies extranjeros y los jipitecas nacionales, no se involucraban en las faenas locales,pues narra cómo a los hippies sólo les importaba consumir “el hongo”, beber y reventar. Aunque ellos pensaran que estaban comulgando con lo indígena.

En el testimonio de Estrada, la visión de la contracultura de los sesenta y setenta hacia las costumbres indígenas oscilan entre el romanticismo y la indiferencia. Este autor hace notar que los extranjeros jipiosos no se interesaban verdaderamente por “aprender de los hongos” ni atendían al significado profundo que éstos tenían en los usos locales, ni tampoco se interesaban por otro tipo de costumbres de la comunidad.

Por lo mismo, en la mayoría de los casos el encuentro entre estos dos mundos no siempre fue armonioso: Los visitantes nunca participaron de las costumbres nativas, como por ejemplo en el tequio, aunque, escribe Álvar o Estrada:

“cada domingo en el altavoz del edificio municipal de Huautla la autoridad arengaba a la gente, parloteando en su lengua local para que se presentase a trabajar comunitariamente al día siguiente, lunes -día de tequio- en determinado sitio del pueblo: era la herencia ancestral del trabajo comunal y gratuito. Un día a la semana, la aportación del individuo a la comunidad”.

Estrada es crítico hacia los fuereños, pues considera que con su llegada se perdió la paz en el pueblo y “muchos de los seres mágicos abandonaron la sierra”, pero tampoco deja de ser tolerante hacia aquellos. De hecho, reprueba decididamente la represión que las autoridades desplegaron contra los jóvenes y afirma que, mucho más dañinos que los jipitecas, resultaron los males cotidianos del hambre y la miseria.

A partir de entonces, las culturas juveniles han reflejado de distinta forma y quizá con distintos grados de asertividad la realidad de la vida en el campo.

Desde los sesenta, las contraculturas urbanas han explorado las culturas no occidentales para nutrir sus figuraciones. Recuerdo la vez que los zapatistas visitaron el Tianguis del Chopo; entonces los enmascarados vieron desfilar a los neoprimitivistas inspirados en las ornamentaciones mayas precolombinas, con sus tatuajes tribalistas, sus lobulos deformados por enormes orejeras de jade, o con sus piedras preciosas incrustadas en los dientes….a todo ello los enmascarados preguntaban por su significado, no lo entendían. Maravillado por el azoro de los zapatistas, al final me animé a preguntarle a algunos de ellos qué pensaban de las vestimentas de los jóvenes de ese mercado, su respuesta fue tolerante, pero no dejaron de pintar su raya, diciéndome llanamente: “Pos cada quién su cultura, ¿no?”. Tal fue el encuentro o desencuentro entre los mayas actuales y aquellos chavos contraculturales, inspirados en las ornamentaciones de los mayas, sí, pero en los precolombinos, no necesariamente en la de los indios vivos hoy día en el sureste mexicano.

En efecto, esta forma de interesarse por lo indio, que a veces lo inventa o reelabora y otras lo descubre, ha generado una serie de subculturas urbanas muy interesadas por lo oracular y arcánico de la culturas indígenas. Es necesario enfatizar que las contraculturas juveniles han establecido un diálogo mitificador con el campo, pero otras veces han aprendido a verlo y comprenderlo mejor, por ejemplo a partir del zapatismo, que entre muchos chavos propició un interés por establecer vínculos más respetuosos hacia la otredad rural. En otras palabras, desde los sesenta hasta nuestros días, también las culturas juveniles han aprendido a ver el campo con mejores enfoques. Tal es el caso del movimiento de rock que se ha solidarizado con los zapatistas, un movimiento que, además, es internacional y donde participan más de cien grupos en activo por todo Latinoamérica, Estados Unidos y Europa.

DESDE EL CAMPO: LA CIUDAD
Y sin embargo, también desde el campo se establecen diálogos hacia las ciudades del mundo. Visto desde el otro lado, desde el campo mismo, no todo lo moderno proviene de la ciudad. Hoy en día el campo dialoga con la globalidad desde sus propias comunidades. Tuve noticias de grupos de rock indígena desde los noventa, como los otomíes de Orines de Puerco, conformado por chavos artesanos radicados cerca de Toluca, quienes se insertan en una comunidad simbólica, global y transfronteriza, como es el punk, género que cantan en otomí.

También puedo mencionar al grupo Sentimientos Contradictorios de Juchitán, que cantan rock en zapoteco y dicen llamarse así porque se sienten incomprendidos al vivir en el vértice de dos culturas, la tradicional y la roquera. Recuerdo el día en que llegué con mi banda a tocar a Juchitán en una fiesta de pueblo que comenzó con un bailable de mujeres vestidas con sus trajes tradicionales y música de banda. El público era de adolescentes campesinos o hijos de campesinos algunos, todos vistiendo camisetas estampadas con los nombres de grupos roqueros; impacientes, urgían porque comenzara el rock. Entonces terminó la danza, las bailarinas salieron del escenario, luego lo hicieron los músicos de la banda tradicional, quienes dejaron sus instrumentos en el piso, tomaron una guitarra y bajo eléctricos, un saxofón, otro se trepó a la batería y sólo uno de ellos conservó el mismo instrumento que tocó para las bailarinas, una concha de tortuga, típico instrumento tradicional de la región. Así que el primer grupo de rock de la noche era un conjunto local que, además, ¡estaba integrado por los mismos músicos de la orquesta típica! Su repertorio era de canciones originales y versiones de piezas típicas llevadas al rock, por ejemplo, “La Llorona”, que cantaron en zapoteco y en un ritmo de seis octavos, no en cuatro cuartos como casi siempre se toca el rock. Un repertorio absolutamente innovador en sonoridades e intencionalidades. Y lo paradójico es que era esa persistencia interpretativa tan local, basada en la fuerza de lo tradicional, lo que los volvía plenamente modernos.

Así mismo, tengo noticias de que en la sierra mazateca hay pandillas indígenas, bandas no asociadas a la violencia, pero sí a la identidad generacional, conformadas por chavos rebeldes que acaso conforman una especie de contracultura dentro de la misma cultura indígena, es decir, expresan rupturas culturales que tampoco dejan de ser parte de la cultura indígena. Siempre se ha considerado que el fenómeno de las bandas es un asunto urbano, sin embargo, según los reportes de Jorge Lara de Tehuacan, Puebla, las bandas ya son un fenómeno que existe en lugares como la sierra mazateca, donde estos agrupaciones juveniles se hacen llamar los anti, porque “están en contra de todo” respecto a su entorno, lo que buscan es poder ejercer sus intereses culturales y recreativos en su propio contexto. Estos hijos de campesinos oyen rock, al Tri, Maldita Vecindad o a Café Tacuba, pero tampoco quiere decir que ellos estén renegando de su condición de indígenas, simplemente desean vivir su indigenidad incorporando valores culturales nuevos respecto al resto de la comunidad. Tampoco se trata de una imitación de los chavos de las ciudades, sino de una reelaboración generacional.

¿Cuál es esta indigenidad? Por ejemplo, hace un año el grupo Santa Sabina visitó Huautla, en un concierto organizado por el colectivo cultural Los de acá y, aunque no pude asistir, el sr. Lara me contó que los antis estuvieron muy activos promoviendo el evento mediante grafittis en las bardas y que, por primera vez, ante el acoso de la policía, los antis pudieron mostrar un papel donde el municipio les autorizaba para realizar sus pintas, ya que el concierto tuvo el aval de las autoridades locales. Hay aquí un terreno maravilloso que explorar, en relación a cómo los jóvenes del campo ven al resto del mundo y como asimilan ese diálogo general a través de las generaciones. Pero también respecto de qué es lo que las generaciones mayores, las autoridades, pueden hacer para expandir a su comunidad, incluyendo también a las nuevas generaciones.

Como se ve, la “modernidad” no es sólo urbana. ¿Qué de la cultura rural tiene ya la “universalidad” de lo urbano sin perder su ruralidad? Un ejemplo es el movimiento del son veracruzano, el cual se ha revitalizado enormemente en los últimos lustros, potenciados por los circuitos naturales de los fandangos a todo lo largo del estado. Recuerdo que hace un par de años, durante la fiesta de La Candelaria en Tlacotalpan, los Cojolites me invitaron a comer, un grupo de son jarocho integrado por hijos de campesinos de Jáltipan, todos menores de 21 años. Al terminar de comer nuestros tamales a la orilla del río, ellos agarraron sus instrumentos, sus jaranas, sus arpas, su marimbol, y su quijada de burro, para ponerse a tocar rolas diferentes a las de su repertorio tradicional, una y otra pieza de “modernos” géneros diversos, entre las que se hallaba el rock, por ejemplo, temas de Manu Chao que, sin intencionalidad vanguardista, mostraban el color local de los instrumentos fusionado con la “modernidad” de las rolas del famoso europeo. Versiones que no pretendían ser vanguardistas pero que eran acaso mucho más modernas por su color heterodoxo que las versiones originales del ya de por sí híbrido Manu Chao. Si alguien hubiera grabado ese momento, estaríamos ante una música moderna y de absoluta vanguardia* mundial. La interpretación no dejaba de ser jarocha y campesina, mostrando así que existe en ellos ya un diálogo con el orbe, pero desde la propia identidad local, asimilando la información planetaria. De esta forma, si antes pensábamos que la modernidad en la música era eso que nos llegaba de Londres o Nueva York, hoy en día es como si el diálogo cultural con el globo desde la ruralidad, permitiera que la tradición nos modernizara. Y aquí no estaríamos hablando de una modernidad unívoca que es impuesta desde los centros metropolitanos de cultura planetaria, con su propensión a fomentar sólo el consumo pasivo. No. Se trata más bien de una modernidad en cuanto a su reclamo de pluralidad, su ejercicio de la multirreferencial. Es música moderna en cuanto a que es formalmente disidente (en el sentido que Octavio Paz le da a la “tradición de la ruptura” al ocuparse del arte moderno). Se trata de música generada desde las raíces locales que entra en diálogo con el contexto internacional, de acuerdo a las necesidades y la gestión de valores culturales desde lo local. Aquí el consumo de la música pop internacional es creativo y reelaborador, no imitativo.

Al mismo tiempo, y de regreso a la ciudad, hoy en día la fuerza de este movimiento de música jarocha y sus fandangos ha generado un interés enorme entre los jóvenes de las grandes urbes, basta asistir a los fandangos que se organizan en Veracruz, donde conviven campesinos con chavos ataviados con sus dreadlocks y perforados por miles de aretes pero que, en lugar de cargar guitarras eléctricas a sus espaldas, llevan sus jaranas o se ponen a zapatear en las tarimas para el baile. Lo mismo sucede en los fandangos que se organizan en el DF, donde asiste un público de clase media a zapatear y beber toritos.

La música grupera, que abarca varios estilos, también es un territorio que genera valores culturales modernistas. Mezcla de géneros tradicionales como el corrido y la polka con estilos “modernos”, como la balada. Hoy esta música trasciende regiones. Se escucha en varios países latinoamericanos, en Estados Unidos y ahora, recientemente, incluso en Europa mediante el trabajo de grupos como Los Tigres del Norte y la Banda del Recodo. Aquí se pone en juego otro tipo de imaginería, de estética y de cultura, que narra la vida de los migrantes y también el problema del narcotráfico en un país y un mundo gobernado por la corrupción y la falta de alternativas de subsistencia en los campos y las ciudades. De origen rural, se trata también de una música moderna que, sin afanes vanguardistas, integra sonidos del reggae, como en el caso de Bronco, a la propia tradición popular. En el caso de Los Tigres del Norte, su música es considerada ultramoderna, incluso, en España los han llegado a catalogar como world beat, donde recientemente tuvieron un gran éxito, a raíz de la publicación del libro La reina de la noche.

LA TOMA DE UN ESTADIO
Así, desde el campo, se siguen generando valores culturales que influyen nuestra visión de lo rural en las ciudades. Quiero regresar al tema del movimiento de rock vinculado con la solidaridad zapatista, pues este movimiento indígena influyó también a las subculturas juveniles capitalinas a partir de 1994.

A raíz del levantamiento, en febrero y marzo de 1995, estudiantes de la UNAM pertenecientes a la Caravana Universitaria “Ricardo Pozas”, así como varios grupos musicales y artistas, organizaron dos conciertos como protesta por las medidas prohibitivas contra el rock, así como por la paz en Chiapas. Eran los días en que el regente de la ciudad, Espinosa Villarreal, había declarado la prohibición de realizar conciertos de rock en espacios al aire libre. Una medida que seguía la larga tradición de prohibiciones antirroqueras desde los sesenta. Esta declaración indignó a los músicos y los movilizó, hasta el grado de que entre varias bandas se entendió que la exigencia de autodeterminación cultural entre las comunidades juveniles urbanas no era muy distinta a la autodeterminación de las comunidades indígenas en el campo.

El primer concierto fue el 27 de febrero de 1995 y se llamó Por la Paz y la Tolerancia. Congregó a unas diez mil personas, según la prensa, el segundo se llamó Festival 12 Serpiente, y congregó a más de treinta mil, realizándose el jueves 18 de mayo de 1995. Ambos mostraron las capacidades de autogestión de los jóvenes, a pesar de las prohibiciones.

En el festival 12 Serpiente participaron los grupos de varias generaciones roqueras, desde León Chávez Texeiro y Guillermo Briseño de los 70, pasando por quienes comenzaron durante la primera mitad de los 80 como Botellita de Jerez, Real de Catorce, Banda Elástica, Nina Galindo, así como los grupos considerados de la generación del terremoto: Maldita Vecindad y Choluis; y quienes se formaron durante la segunda mitad de los 80, como Santa Sabina, La Lupita, Rómántico Deslíz, Café Tacuba, Juguete Rabioso, Consumatum Est. Por último, también se involucraron los grupos de la generación que surgió en los 90: Los de Abajo, así como los más jóvenes: La Nao, La Milagrosa, Van Troi y La Obeja Negra. El festival incluyó también diferentes espectáculos interdisciplinarios en los que participaron Raúl Platas, de La Casa del Teatro, Utopía (danza), Katia Tirado, Martín Rentería (performance), Mojigangas y Chaneque (títeres), entre otros artistas y viodeoastas. Asistierón también el Tianguis Cultural del Chopo y 90.1 Radio Pirata. El evento comenzó a las 10 de la mañana, el boleto de entrada costó $10 pesos más una donación en víveres para las comunidades chiapanecas de la zona de conflicto.

Independientemente de las diferentes visiones políticas de los artistas que participaron, todos coincidían en exigir la posibilidad de crear espacios autogestionarios tanto al aire libre como en lugares cerrados, sitios dónde tocar su propia música, espacios libres de las leyes más oprobiosas del mercado. También reclamaban tolerancia hacia los ambientes urbanos y sus preferencias culturales. Para ellos, todo esto coincidía con la exigencia de paz en Chiapas y el derecho a la autodeterminación étnica y cultural en México, según se apreció en los testimonios de varios participantes.

En suma, la fuerza cultural del campo nos influye en las ciudades de muchas formas, concientes o inconcientes. Muestra uno de los conflictos centrales de nuestra época, el que se deriva de las pretensiones de imponer una sola economía y una visión monocultural de lo global, contra la resistencia cotidiana para que el mundo y la globalización puedan ser plurales, permitiendo la participación de todos los individuos y sectores en la toma de decisiones: un mundo generador de valores culturales diversos.

En otras palabras, lo moderno no es exclusivamente urbano, sino que atañe a la posibilidad de un mundo plural, participativo y diverso. En otras palabras, también entre las subculturas juveniles, urbanas o rurales, se debaten dos ideas contrapuestas del ser moderno. Por un lado, aquella que busca uniformar el consumo pasivo, la urbanización, así como una idea unívoca del mundo o globalización: una perspectiva monocultural en beneficio del gran capital y las enormes corporaciones, Por el otro lado, aquella que es entendida como una mayor democratización de los valores culturales, mediante la participación de los sectores sociales y los ciudadanos en la toma de decisiones; una modernidad plural, diversa, multicultural; que de voz a todos de manera creativa, donde el otro nos enriquezca y nos interpele. Y desde luego, donde no sólo unos carguen las maletas de los otros.

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Lágrimas Negras

Publicado por pachoj en Julio 16, 2005

Buscando las fotos de Manolo Molina que le tomé en sevilla en septiembre de 2003 (y que postié hace unos días en transgresiones transocéanicas, bueno, el caso es que me encontré este viejo y gracioso artículo sobre un amor efímero, publicado en la columna Ruidos de la Calle del diario Reforma de diciembre del 2003:

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LAGRIMAS NEGRAS


Por pacho

La conocí porque un amigo común le dio mi teléfono para que le mostrara la vida nocturna de esta ciudad. Yo acababa de llegar de España y tenía ganas de cualquier cosa menos de pasear a una extranjera desconocida, pero, qué remedio, los encargos fraternales no se rechazan y quedé en pasar por ella a las ocho.

Cuando llegué no sabía adónde llevarla. Y lo que menos podía saber era que cuatro horas después estaría perdido en una noche de azares deliciosos.

Fuimos a cenar a un bar y la charla navegó placenteramente a la deriva; era guapa, sí, pero mi mente estaba aún en Madrid, en los amigos del barrio de la Latina que me habían regalado discos que todavía no había oído; hasta ese momento sólo me importaba encontrar el tiempo suficiente para escuchar toda esa música aún por descubrir. Pero entonces ella cruzó la pierna y dejó caer su zapato al piso. Con un gesto tan simple su figura se incendió de erotismo.

En realidad miento. Todo había empezado un poco antes, cuando abrí un Cd que traje de España mientras ella se subía al carro. Fue ahí donde la noche se llenó de una sensualidad impersonal que irrumpía de manera acaso inofensiva. Más tarde, durante la conversación en el bar, comencé a olvidar mis nostalgias ibéricas para enfocar cada vez más los gestos de mi acompañante desconocida, el brillo de sus ojos devorando al mundo, la soltura en su andar y la intensidad de su sonrisa, sensaciones aún ambiguas. Fue entonces que se quitó los zapatos con toda esa gracia fulminante.

Cuántas veces un disco se confunde con el deseo. ¿Qué estamos oyendo? ¿una rumba, una seguidilla o una guajira andaluza? En el bar recordaba una y otra vez aquella pieza hechizada donde la voz de un gitano canta un bolero: “En la vida hay amores que nunca pueden olvidarse / Imborrables momentos que siempre guarda el corazón”.

Y miento otra vez. Ahora que lo pienso todo empezó en Sevilla hace un mes, durante el concierto que dieron Bebo Valdés y Diego el Cigala ante un teatro abarrotado, cuando presentaron el repertorio de su Cd Lágrimas Negras. Allá, tras bambalinas, a un costado del escenario donde Diego me había invitado a presenciar el concierto, casi podía oler el sudor pasional de los músicos, las notas invocaban una sensualidad sin destinatario, genérica pero innegable y abrumadora.

El de Bebo y Diego fue un encuentro insólito de dos figuras hasta entonces distantes por la geografía, pero cercanas desde siempre por la sensibilidad. Ya Antonio García de León demostró la vinculación histórica entre la música andaluza y la caribeña en su libro El mar de los deseos (Siglo XXI, 2002). Sin embargo, aunque se trata de un texto sorprendente, en definitiva no es más que una apelación a la Historia. Y lo que sucedió aquella noche sevillana, en cambio, fue la negación misma del tiempo, el incendio del erotismo ante la fugacidad del instante. Una tormenta en el mar de las pasiones, donde la canción antillana sonaba a cante y la voz gitana a bolero: “Turbio fondeadero donde van a recalar/ Barcos que en el muelle para siempre han de quedar/ Sombras que se alargan en la noche del dolor/ náufragos del mundo que han perdido el corazón”.

¿Cómo comenzó todo? Fue tal vez su conversación inteligente, su mirada o su piel, o quizá la música que sonaba en el auto cuando varias horas después la dejé en su hotel.

Sin embargo la historia de aquel disco comenzó mucho antes, cuando Diego conoció al cineasta Fernando Trueba, quien le mostró su película Calle 54 (donde sale Bebo tocando). Diego cuenta que quedó flechado por el pianista cubano y decidió invitarlo a colaborar en un par de tracks de su disco Corren Tiempos de Alegría (2001). Trueba lo produjo: “Allí lloró hasta el apuntador. Aquello era el ensayo general del disco que yo quería hacer con Bebo y Diego”, recapitula el cineasta en las notas incluidas en el Cd Lágrimas Negras (2003), una bitácora visceral de la aventura. Un disco en el que el cantaor hasta se permite un tributo a Bola de Nieve con su voz rasposa y jonda, donde participa gente como Niño Josele, Piraña y Javier Colina (que estuvieron en México con Diego, en marzo de este año), así como Paquito De Rivera y Caetano Veloso.

Regresé de España con el recuerdo de ese concierto y al día siguiente del encuentro en el bar me hallé en plena carretera, apasionado por la súbita aparición que iba a mi lado, como si los dos nos conociéramos de toda la vida. Siempre supimos que el viaje sólo duraría esa semana. No necesitábamos pensar en el futuro. Escuchábamos el Cd Lágrimas Negras, igual de intenso que el concierto pero aún más breve, menos de una hora de música que hay que volver a poner desde el principio. “Con qué tristeza miramos un amor que se nos va, / es un pedazo del alma que se arranca sin piedad”.

Todo termina: un beso hondo en un aeropuerto. Sus ecos duran todavía. Imposible oír ya ese disco sin evocar aquel encuentro que comenzó con el atisbo de un universo apenas sugerido por un gesto y un pie desnudo. O quizá antes, al escuchar esa música en compañía de una mujer inteligente, hermosa y todavía enigmática. O tal vez después, con un beso tímido a la puerta de un hotel; quién podría saberlo con certeza.

Nos separó la geografía, la misma que desafiaron Bebo y El Cigala. Queda la música y la melancolía por una historia acaso imaginada, sugerida por melodías en las que nos reconocemos como figuras siempre demasiado reales.

Un disco termina frecuentemente por convertirse en la síntesis de nuestros recuerdos, pero sólo en muy pocas ocasiones llega a anticipar la nostalgia, a confundirse tanto con la piel y la pasión fugaces, con el misterio que nos ata a la vida y nos arranca el alma.

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Perdóname mi amor por ser tan guapo

Publicado por pachoj en Julio 11, 2005

Para seguir con el tema del post de las Transgresiones transoceánicas, donde comparábamos a la Sevilla de los setenta y el México de los setenta, con motivo de la expo Vivir en Sevilla, son diversos los géneros populares tradicionales que sí se vieron influidos por la cultura de masas (el rock internacional) en nuestro país.

Por ejemplo, la cumbia mexicana que, a diferencia de la colombiana, tiene como característica el carecer totalmente de síncopa, al grado de que este género se baila en los barrios bajos mexicanos como si fuera rock&roll. Otros géneros populares masivos son el chunchaca del Golfo, la balada en todo el país y, posteriormente, la música grupera, la tecnobanda y demás géneros son herederos de estas influencias.

Por cierto, se trata de músicas sin sonoridades de la sicodelia ni del rock progresivo, como sí se dio en Sevilla, sino más bien deudoras de la balada rock temprana. Los Ángeles Negros, Los Mier, Rigo Tovar (“Perdóname mi amor por ser tan guapo” y “La Sirenita”), Chicoché (con sus overoles acampanados y su rola “De quen chon”), Los Flamers (con sus cajas de ritmo de sonido barato y sus covers de Miguel Mateos o, incluso, la rola “Llorando se fue” ¡donde el treclado emula el sonido de la quena sudamericana!), Grupo Impacto con su rola “Las bonitas no son fieles” que tiene ese teclado y guitarra que parecen ska involuntario y ese principio donde la voz explora la rítmica más que la melodía al grado que casi llega al rap (aunque estos dos rasgos no son una influencia directa, ni indirecta, y sólo los menciono como analogía para ilsutrar cómo canta de continuo la letra misógina y machista, sin una sola respiración intermedia):

“Querida tú siempre estás luciéndote y fingiendo tu inocencia con tu cara de muñeca y ese cuerpo tan esbelto pero llevando por dentro la traicion y la maldad…”

La lista es interminable: Marco Antonio Solis (“Si no te hubieras ido” es ya un clásico sancionado inlcuso por las clases ilustradas gracias a Alfonso Cuarón -sound track de “Y tu mamá también”-), Los Bukis, y más tarde Bronco (su rola “Que no quede huella” empieza con una guitarra rasgueada como en el reggae, por no mencionar que sus conciertos masivos dejan chicos en espectacularidad, energía e ímpetu a muchos roqueros, sobre todo cuando tocan clásicos como el cover “Adoro” ). Tampoco podemos dejar de mencionar a los masivos Los Tigres del Norte y El Mexicano, entre tantos otros.

Todos estos grupos y escenas populares sólo en fechas recientes han sido revaloradas por las elites ilustradas en el país, quizá en ocasiones con cierto esnobismo que les es tan propio, ya que cíclicamente se muestran proclives hacia las estáticas que consideran (y sólo pueden entender como) kitsch.

Pero lo importante del fenómeno andaluz -no sólo el sevillano- DESDE los setentas (independientemente de la exposición que aún no terminé de ver y por lo tanto omito mi opinión y por ende hablo más a partir de mis propias investigaciones), es que permite comparar la realidad de los procesos mexicanos desde la óptica de los campos culturales diferenciados, según me ha interesado desarrollar desde hace tiempo para poder explicarnos los distintos niveles de hibridación y las diferentes nociones de “modernidad” que presentan las diversas escenas culturales dentro de las mismas ciudades y dentro de las diferentes regiones rurales. Perspectiva que nos permite comprender incluso fenómenos como el rock indígena mexicano que se desarrolla desde principio de los noventa hasta la actualidad y que todavía nadie ha documentado ( Ponencia Los Hijos del Campo)

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Transgresiones transoceánicas

Publicado por pachoj en Julio 10, 2005

Hace unos días se inauguró la exposición Vivir en Sevilla, de Pedro G. Romero, con una mesa redonda donde participaron Patricia Sloane (curadora del Museo de Ciencias y Artes de la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM), Juan José Gurrola (dramaturgo singular), Gonzalo García Pelayo y Pedro G. Romero. Gurrola abrió la charla con un anecdotario sabroso y ocurrente, como siempre que él habla, decano del arte de la conversación. 

La intención, según entiendo, era comparar la contracultura de los setenta mexicanos con la andaluza de la misma década pero, de ser así, la charla careció de sentido. Gurrola se centró en el grupo que confluyó en la Casa del Lago y la Zona Rosa, con nombres como Hugo Guitierrez Vega, Vincente Rojo, Fernando y Juan García Ponce, Juan Vicente Melo, Salvador Elizondo, y un largo etcétera. Delicioso anecdotario, sobre todo para mí por el realce que hizo de la Casa del Lago, pero no estableció ningún vínculo con el Sevilla de aquella época.

Tampoco lo hizo ninguno de los demás ponentes.Gonzalo celebró un añejo y sobado surrealismo mexicano (Breton dixit), quizá intentando ser cordial con sus anfitriones, pero sin responder a la razón que lo debía tener en nuestra tierra, como hubiera sido hablar de su trayectoria sevillana de los setentas, de la exposición de Pedro e incluso, por qué no, compartirnos su visión del México de antaño y hogaño.

Patricia y Pedro no aportaron tampoco demasiado a lo que podría haber sido interesante disertar en función de la exposición. ¡¡¡Cuánto no habría podido narrarnos Gonzalo de su trayectoria multidisciplinaria desde los setenta, al igual que Pedro G. Romero!!! Por su parte, el público se centró en las consuetudinarias preocupaciones puristas sobre la rebeldía y la contracultura que tanto idealizan o mitifican el probable entendimiento de la contracultura en México. Pero, es que así parecieron cuadrar la charla los ponentes. El erudito Tin Larín (Guillermo Santamarina, director de ECO de la UNAM) iba a ser el expositor en lugar de Patricia Sloane, pero faltó, lo cual probablemente disculpe a la divina Pati de su falta de profundización en su intervención.Entre el público se hallaban Manolo Molina y Gualberto, del maravilloso grupo de flamenco-progresivo Smash.“De lo que pasa en el mundopor Dios que no entiendo ná,el cardo siempre gritandoy la flor siempre callá.”Al final me animé a hacer un comentario amable:

1-Hablar de contracultura, rebelión, underground y transgresión en la Sevilla de los setentas implica afirmar que los sujetos en cuestión (comunidades y artistas de las escenas tradicionales y populares –como los gitanos por ejemplo-) tenían conciencia de dicha transgresión. La pregunta es si existía esa conciencia de la transgresión contracultural en la Sevilla de entonces.

2-Las comunidades contraculturales que Gurrola mencionó conformaban una elite ilustrada europizada, incluso afrancesada, que sí tenía conciencia de la transgresión que todos ellos personificaban dentro del contexto cultural, social y artístico del país a la sazón (lo cual no es un juicio de valor), pero, a diferencia de Sevilla (comparacion que alguno de los ponentes debió haber hecho), no pertenecían a la cultura popular tradicional de nuestro país.

3-La segunda diferencia entre ambos procesos contemporáneos es que, mientras España salía del franquismo y ascendía en la llamada apertura que conduciría a La Movida Madrileña de los ochenta, la contracultura setentera mexicana venía de las masacres del 71 y del 68,es decir, respondía al reflujo de aquellos movimientos. En otras palabras, mientras en España se daba la transición a la democracia, en México se incrementaba el autoritarismo.

4-La contracultura(autoconciente) mexicana de los setentas se dio entre las elites ilustradas y entre los jóvenes roqueros de clase media y baja de las metrópolis, pero en ninguno de los dos casos se dio un diálogo con la cultura popular tradicional desde dentro. En el caso de los roqueros mexicanos, salvo excepciones, la influencia de la cultura de masas y de los valores globalizados implicó un reniego de los valores de la cultura tradicional, que para ellos estaba asociada o identificada con los valores patriarcales con los que precisamente pretendían romper (cf Zolov, “Refried Elvis”, 1999). Gente como Jorge Reyes o Toncho Pilatos, entre otros, dialogaron con lo tradicional pero “desde fuera” de las escenas culturales tradicionales. Por ejemplo (sin que esto represente tampoco un juicio de valor a priori), el indigenismo de Jorge Reyes representaba una romantización de la indianidad por parte de un urbanita criollo y cosmopolita.

5-Un fenómeno equivalente al sevillano de los setentas se dio en nuestro país con la incorporación de los valores de la globalización y de la cultura de masas, pero no entre las elites ilustradas ni dentro del rock, sino entre las escenas de la música popular tradicional tropical y sin conciencia de la transgresión. Quizá debido a la represión y censura antirroquera después del avandarazo del 71, el rock arraigó entre las audiencias populares tradicionales de México sin un aura contracultural ni intenciones transgresoras. En estas escenas, el rock “modernizó” la musica, pero con un sentido muy diferente a lo que entre los roqueros mexicanos significaba “ser modernos”.En otras palabras, el rock y la cultura de masas influyeron de forma diferente a las escenas culturales tradicionales, siempre soslayadas y hasta despreciadas tanto por las elites contraculturales como por las masas de roqueros que emulaban a sus héroes anglosajones. La música costeña, al incorporar los instrumentos modernos como los teclados, los sintetizadores, el bajo y la guitarra eléctricos, así como las baterías (a la par que ciertas actitudes, peinados y atuendos, como los maravillosos trajes brillantes de Rigo Tovar, su melena heavymetalera y sus lentes oscuros de gota a la Leon Russell), se convertiría en “música tropical” (segun se le llamaba entonces).

6-Gonzalo confundió en su ponencia la música venezolana con la veracruzana. Se disulpó, pero comenté que en realidad era una confusión feliz, puesto que hay un gran cercanía entre ambas músicas. Tanto o más que entre el son veracruzano y el mismo flamenco, tal como señala Antonio García de León en su libro El Mar de los Deseos (editorialSiglo XXI, 2002), donde analiza al Caribe (la costa venezolana incluída) como un Mediterráneo americano.

7-En el rock mexicano se dio un mayor diálogo con las tradiciones locales a partir de los ochenta, principalmente con Botellita de Jerez (n.1983) y con Jaime López. Pero nuevamente fue un diálogo o apropiación desde fuera de las escenas tradicionales. O mejor dicho, una apropiación de lo popular desde la óptica de las clases medias y medias bajas globalizadas (en diálogo con, o conciencia de, lo global). La rutpura más significativa del rock mexicano durante los ochenta se dio respecto a sus antecesores roqueros, es decir, dentro del mismo rock, ya que los roqueros de los ochenta superaron todo malinchismo y buscaron hallar su voz propia a partir de la asimilación de su singularidad localista, pero sin perder de vista el referente de la globalidad, es decir, asumien do a la escena roquera mexicana como parte de una comunidad global. Esta tendencia se desarrolló amplísimamente hasta llegar a Café Tacuba a principio de los noventa. En la escena electrónica tuvo lugar un proceso equivalente hasta 1999, con el surgimiento de Nortec en Tijuana, pero, una vez más, este movimiento representó una interiorización de lo tradicional local (la música grupera y norteña, la tambora sinaloense, etc) desde fuera. Los mismos nortecos aceptan que siempre despreciaron la música grupera hasta que las tendencias de fusión étnica de las escenas techno alemanas y europeas les llevaron a mirar a lo que tenían más cerca y que hasta entonces consideraban como música cutre, mala, según queda documentado en el prólogo al libro “Paso del Nortec, This is Tijuana”, editado por Trilce en 2004.

8-En cambio, como dejó ver Gonzalo García-Pelayo, en Sevilla el movimiento se dio entre las escenas de la cultura popular tradicional, como fueron los gitanos. De ahí lo fresco y naif de los hallazgos de gente como Triana, Las Grecas (aunque no son sevillanas), Smash, etcétera… (me dio un gusto enorme ver a Manolo Molina en mi país, de quien soy fan absoluto y a quien un dia le saqué una foto en En Danza de Sevilla, cuando ensayaba con Farruquito).

9-(Esto que sigue ya no lo comenté en público): En México uno de los pocos movimientos actuales, si no el único, que establece un diálogo con la cultura de masas y la globalidad desde la música tradicional (es decir, desde la cultura y la escena tradicional serrana) es el del son veracruzano. Como escribí hace lustros en la columna del Reforma al hablar de Tlacotalpan y de grupos como Chuchumbé y Los Cojolites, el fenomeno español solo tiene un equivalente mexicano emergente, que es el son jarocho, donde las escenas musicales regionales entran en contacto con la globalización y la cultura de masas para generar propuestas “pervertidas” de la tradición, desde la misma tradición.(Para leer en línea las columnas hay que pagar en reforma.com, pero pueden verse archivos de otros textos en el blog    Big(B)other y sobre todo en esta crónica de mi viaje a la fiesta de la candelaria en tlacotalpan Las jaranas).Lástima que no se dio una charla mayor con los españoles después de la formalidad de la ponencia. Habríamos podido charlar de la multiplicidad de géneros mexicanos populares que sí se nutrieron del rock y de la cultura de masas.Después de la conferencia subimos a echamos unos tragos en la terraza Fran Ilich, Paul Fallón (un académico estadounidense que no conocíá y que me sorprendió al comentarme que ha leído mis libros), Madeleine y yo. Madeleine, que enloqueció al setentón aunque aún impetuoso Gurrola, ¡y cómo no!Un tal Honorio Robledo se me acercó para agradecer mi comentario durante la ponencia, resultó ser un pintor y escritor de cuentos para niños que además toca la jarana y que acaba de regresar de vivir en Canadá y que ahora radica en jalapa, según me comentó ( Arteterra)La noche terminó como deben terminar las mejores noches: con una charla de profundis con Madeleine, incluído un par de sus lágrimas, en el pijísimo bar del Hotel Condesa.

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El pone discos

Publicado por pachoj en Junio 18, 2005

Anoche dio una conferencia Fran Ilich sobre net art y activismo cultural, o más bien sobre media activismo y hackerimsmo junto con Daniel García-Andujar, dentro de un ciclo que se llamó Doble Juego. Los del CNA me invitaron a poner discos para el coctel que siguió a la conferencia. No se trató de una sesión de dj para pista de baile, sino simplemente de poner discos, por lo que decidí llamarme Pincha Pacho, o pone discos.

Me fui hacia lo verbal, puse cosas de Hakim Bay, de William Burroughs, de Ruben Martinez con Concrete Blonde (un spoken word sobre una prostituta salvatrucha en Los Ángeles), Umar Bin Hassan de los Last Poets, Los Taco Shop Poets, Negativeland, el Guayabero, Lole y Manuel, entre otros…

La cosa estuvo terriblemente mal organizada, había un grupo de jazz programado a la misma hora que yo, así como una proyección de videoarte de Doris.

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James Brown

Publicado por pachoj en Febrero 26, 2005

Pensé que iría poca gente a ver a James Brown. Al menos la crema y nata de la ciudad prefirió ir a ver a Kusturica al infame Salón 21, un mal músico pero gran personaje y cineasta, pero que toca “rock” inspirado en música balcánica. Si fuera la Fanfarre Ciocarlia, o algún grupo gitano de alientos originales de los que me gustan, sí habría ido a verlo por encima de James Brown. Pero la verdad preferí ver algo de historia que al buen Kusturica. Ignoro cómo habrÃá estado, más allá del pésimo sonido y la incomodidad consuetudinarios del Salón 21, pero creo que mi elección fue la correcta.

Al final terminé en el bar Barny’s con Martín y Sofía, geniales.

Por lo demás, sigo saturado de trabajo

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Las jacarandas

Publicado por pachoj en Febrero 20, 2005

El espectáculo más bello del año, las jacarandas han comenzado a florear (que muy aparte de todo, la coincidencia es que señalan que se acerca mi cumpleaños). Por lo demás, todo es trabajo en exceso, pero este es un tema del cual decidí no escribir en el blog.

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Una historia sibilina

Publicado por pachoj en Febrero 12, 2005

El cristal está roto, incluso. Aún así, el pequeño cuadro con la foto de Sibylle me mira, lleva siglos colgado ahí en ese rincón de la pared de mi estudio. ¿Sibil?, su nombre en español tendría que escribirse Sibila y en inglés Sybil. Sibila profetisa o sibil la guarida subterránea. Ninguna de las dos. Y la ortografía es lo de menos, sino lo misterioso de su aparición, lo cerca que estuvimos durante un breve tiempo y lo gratuito de habernos separado sin retorno. Hacía lustros que no miraba esa foto añeja donde todavía resuena y deslumbra su sonrisa, su mirada fuerte, su graciosa belleza recargada sobre el barandal de un puente que cruza las indescifrables vías del tren en algún sitio de Hamburgo.

La conocí en Berlín en 1993, el mismo día que murió mi padre. No era ninguna profetisa, de hecho su aparición fue posterior a la noticia súbita de aquella madrugada en que me despertó el teléfono con una frase que no recuerdo pero da lo mismo, la muerte es la muerte. Después de ese telefonema me encerré todo el día en el hotel, hasta a las 10 de la noche, cuando quise salir a dar una caminata.

Me fui al Metrodorme en un parque céntrico de la ciudad donde había un concierto, un estupendo pretexto para tener a dónde dirigirme. Al llegar la gente ya salía del auditorio, todo había terminado. No importaba, la idea había sido tomar aire. Entonces vi a una chica de belleza fulminante, ella se dio cuenta de mi pasmo. Una desconocida, pero se detuvo, fue ella quien me abordó con un Español fluido aunque de fuerte acento… Charlamos un rato ahí parados y luego me invitó a echarme un trago. Ella hizo todo, detuvo a un taxi y me llevó a Kreuzberg o algo así, un barrio entonces de inmigrantes pero repleto de bares y restaurantes.

Entramos a un sitio de jazz, saludó a unos desconocidos en su idioma, y volvimos a la calle. Recorrimos así varios bares donde saludaba gente y luego salíamos de inmediato. Como no hablo alemán no entendí nada de lo que decía. Acaso eran amigos que le esperaban y ella pasaba a disculparse, o qué se yo, el caso es que terminamos solos en un antro mucho más extraño. Nos detuvimos frente a una estrechísima puerta de madera, tocó un timbre y alguien abrió una ventanilla por donde se asomaron dos ojos sobrios. La reconocieron y nos dejaron entrar. Se trataba de un antro subterráneo, clandestino. Charlamos durante toda la noche, ella renegando un poco de lo que llamaba “la cultura alemana”, tan cargada del “deber ser”, decía.  “La gente no se abandona a los placeres, menos aún a lo espontáneo”.

Nos dieron las cuatro, las cinco o las seis de la madrugada. Yo miraba su rostro fijamente, azorado de hallarme en ese minúsculo ambiente viciado por el humo y los deliciosos aromas noctívagos berlineses. Un vendedor de flores turco se acercó a ofrecer un ramo, Sibylle habló largamente con él, aunque nunca me enteré de nada. Yo sólo miraba su rostro. ¡Qué noche más rara! Mi padre había muerto esa mañana, ¿cómo podía estar ahí escuchando hablar a una desconocida de belleza deslumbrante sin que nada me faltara? ¿Era un Ángel llegado del cielo o enviado por mi padre con algún mensaje? Su belleza la recuerdo angelical, pero no lo suficiente como para redimirme de mi insalvable ateismo. No, no era un Ángel ni podía haber mensaje alguno, estábamos en un antro apestoso repleto de inmigrantes, outsidesrs, poshippies o pre-todo y nada me importaba más que estar ahí en ese instante, con esos ojos infinitos, fijos, relatándome su vida en el estrecho margen de unas cuántas horas.

Nos despedimos en algún minuto súbito, aunque ya no recuerdo qué tan tarde sería. ¿Por qué no seguimos juntos? Quizá yo necesitaba replegarme un rato, era demasiado para un sólo día. La invité a desayunar a mi hotel a la mañana siguiente. Imposible saber si lograría levantarse a tiempo.

Llegó acaso a las 9 o a las 10 de la mañana, prolongamos la charla nuevamente, era imposible dejar de escucharla. El transporte ya me esperaba a la puerta del hotel, un enorme autobús de dos pisos con literas, mesas, televisor y baño. Ya nos iba mejor en el viaje y el transporte tenía al fin todas las comodidades. Pero todos arriba del camión me esperaban.

Al pie de la escalinata Sibylle y yo intentábamos decirnos adiós, así que finalmente le dije “¿vienes?” 
-No puedo, debo hacer varias cosas mañana-, me respondió. -¿Cómo? Pasaste toda la noche criticando a los alemanes porque todo en la vida es consagrarse al deber y tú ahora me dices lo mismo?

Subió al autobús y partimos hacia Hamburgo. Viajo conmigo quizá una semana entera.

En Hamburgo alternamos con Héroes del Silencio en un enorme parque cubierto por el pasto. La misma hierba que en esos momentos debía estar cubriendo los restos de mi padre en un remoto pueblo mexicano. Sibylle iba y venía, era una mariposa que se movía de un lado a otro como en casa. Yo no estaba en casa ni la tenía. Sólo la miraba y sonreía. Vinieron a mi mente aquellos versos de Evtuchenko que mal recuerdo y que quizá iban así: “voy huyendo de todo lo insondable, como si alguna cosa no lo fuera, huyo de no tener ningún hogar, aunque su falta mi destino sea”. Qué cerca estuve al fin de mi padre en ese momento, cuando acaricié el pasto sentado entre la audiencia esperando mi turno para subir al escenario. A eso se reducía su recuerdo, siempre ausente, pues salí de la casa paterna a los 15 años. Pronto dejé de importarme la frescura del pasto y volví a mirar a Sibylle revolotear entre su gente alemana.

Viajó conmigo una semana quizá. En algún punto tomó un tren para su Berlín y yo seguí la gira con mi banda.

Tiempo después Sibylle vino a México, un par de veces ¿a buscarme? Luego regresó a su país y no supe más de ella. Hace más de dos años volví a recordarla y, casualmente, por esos días, al detenerme en un semáforo, un desconocido dentro de un auto a mi lado me tocó el claxon. Abrí la ventana y me preguntó por ella: “Hey Pacho, ¿tú eres Pacho, no?” 
-Sí, ¿por?
- “¿Tú eres amigo de Sibylle, ¿cierto? ¿Tienes su contacto?”. 
No lo tenía. 
-¡Qué extraño! ¿Cómo sabes que la conozco? … Y qué curioso que te aparezcas hoy precisamente, esta semana estuve pensando en ella y busque entre mis libretas viejas sus datos y no, no los tengo – ,le dije.

Intercambiamos teléfonos y quedamos de que el primero que lo consiguiera llamaría al otro, nunca más supe de él. Ese día llegué a casa y volví a buscar alguna pista, no hallé nada ni recordé si alguna vez anoté su dirección o algún teléfono (en aquellos años aún no usábamos Internet). Quería saber de ella, cómo andaría, pero me hice a la idea de que sería imposible contactarla nunca más.

Hace una semana me llamó Anne H., una escritora e investigadora alemana que me ha editado varios textos en distintos medios de su país. Está escribiendo una investigación sobre la memoria y quería entrevistarme. Finalmente nos vimos el jueves pasado, la entrevista fue larga. Ella vivió once años en México y ahora lleva como tres o más viviendo en Berlín. Aunque la conozco desde hace años, nunca antes le pregunté por Sibylle, pero cuando me dijo que ahora vivía en Berlín casi automáticamente y sin esperanza le pregunté si conocía a “una tal Sibylle, actriz de teatro pero que no se cómo se apellida”…

Sí. Se conocían. De repente se veían en su ciudad. 
-¡No!, ¿Cómo es posible?
-Bueno, Berlín es muy pequeño comparado con el DF, además de que pues, todos los que hemos vivido algún tiempo en el DF nos solemos reconocer.

Me dio su teléfono. Ayer viernes le llame… Qué extraño oír su dulce voz. Qué gusto nos dio a ambos. Por la bocina escuché algunos llantos conmovedores. “Tengo un bebé de 8 meses”, me dijo, “qué maravilla”, continuó, “qué gusto saber de ti. Y qué suerte, porque estoy a punto de irme a vivir al sur de Francia con mi novio.”

Me dio su email y le he escrito. Le pedí que me enviara una foto con su niña.

Mientras tanto, su foto enmarcada en mi estudio sigue sonriendo. El cristal del marco está roto, el tiempo sigue su marcha sibilina.

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Va de nuez

Publicado por pachoj en Febrero 11, 2005

Hoy volví a publicar mi columna Ruidos de la Calle, pero ahora en la sección de espectáculos de La Jornada, ya no en el Reforma. Pronto comencé a recibir emails de lectores. Fue sobre Pla, cosas sacadas de mi blog. Supongo que a la noche iré a verlo al Alicia

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Cómo sube y cómo baja la marea

Publicado por pachoj en Enero 29, 2005

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Anoche volví a lo de Albert y terminé cenando con M., a quien conocí la noche anterior en el Teatro Helénico, después del concierto de Pla …

Sentado en su sofá o recorriendo el escenario, su mirada es la de un niño. Sin prejuicios, una moralidad sin dobleces desenmascara el absurdo de los consensos cotidianos. La lírica en las rolas de Albert Pla se refuerza, además, por la caracterización facial y corporal con las que encarna cada una de sus palabras.

Canciones llenas de imágenes contrastantes, paradójicas, reduciendo al absurdo cualquier convicción unívoca, como las preguntas simples e incontestables de los niños. Es teatro, es narrativa, es crónica y poesía, es canción tragicámica sostenida sonoramente por el virtuosismo de Diego. Por eso las letras de Pla son irreductibles, quizá por ello nunca pueda responder más que monosílabos en las entrevistas, incomodando a los reporteros.

Por lo mismo, Pla tuvo mala prensa en México. El periodista busca una explicación de sus letras, de sus paradojas, de la inasible “irracionalidad” de sus historias que son como sueños o como las fantasías de un niño que describiera la terrible realidad que le rodea. ¿Crueldad?: no; simple inocencia descarnada, desnuda. Aunque, sí, seguramente los niños también son crueles cuando dicen lo que ven sin mediaciones. En todo caso Pla se hace el (lácido) tonto del pueblo, el bufón.

Cantó una canción que no había escuchado sobre una sequía en la comarca, descrita ¿desde la cotidianidad más inmediata, íntima y simple, tanto que casi no la vemos?. Bueno, desde la suciedad en los genitales sin lavar y de la escatología: la “gran cagada del amor”.

De mis favoritas cantó “Los Ojos”, que narra su enamoramiento con una freak de mil ojos, por lo tanto poseedora de “un punto de vista curioso de la vida” y que le enseña a ver las cosas y verse a sí mismo con otra perspectiva. Ella “abre y cierra los ojos como sube y como baja la marea”, canta, pero tambén a veces, “oh tragedia”, se pone a llorar “cascaras de sal”. Entre otras rolas favoritas, interpretó “La dejo no la dejo” y “El lado más bestia de la vida”.

En cambio, extrañé oír “Corazón”, “El gallo” (aquel ave que un día queda afónica y descubre que aún sin su kikirikí el día amanece por lo que entra en crísis existencial al constatar que no era su canto el que hacía salir el sol, según había creído siempre, ¿cómo?, ¡¿no era era eso su fin en la vida?!) Tampoco cantó “Majestad”, sobre un anarquista irredento que se enamora de la hija del rey.

Y Pla calla. En las entrevistas no sabe qué decir nunca.Cuentan que radio Ibero lo entrevistó ayer y que todo fue absoluto silencio, ¡en la radio!, dicen que los chavos de la emisora no supieron nunca qué hacer. Por lo demás, hoy salió la crónica de Carlos Paul en La Jornada

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…No dormí en casa pero tuve que levantarme temprano para ir a desayunar con Hugo por cuestiones de trabajo, sí, a las 10 de la madrugada. Despertar en cama ajena: abrir y cerrar los ojos con dificultad (y no como si subiera o bajara la marea), mojarme el cabello y refrescarme la cara, despedirme rípido de M. y salir corriendo al restaurante. Todo por buscar contactar a Shoich Aoki, pues no hay reportes sobre él de la agregaduría cultural en Japón.

Llego a casa y escucho un poco de tango con el Quinteto de Juan Esteban Cuacci. A la noche es el reven del cumpleaños 38 de Leonardo Tarifeño, habrá que ir a darle el abrazo.

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Albert Pla y Pedro Páramo

Publicado por pachoj en Enero 28, 2005

Albert Pla volvió a México. Hace dos años me llamaron de España para que les echara la mano en organizar su primera visita. Les conecté con antros, les hice la prensa y no sé qué más cosas. Al final fue uno de los mejores espectáculos que he visto en mi vida. Entonces Luis Mario Moncada los vio en el foro Alicia, le prendió su forma teatral de realizar un concierto y los invitó a presentarse en el Teatro Helénico. Ayer se consumó el romance.

Anoche fue el primero de una serie de conciertos por Monterrey, Guadalajara, Tijuana y DF, ahora acompañado, además de Diego Cortés, por su novia Judit Farrés en la computadora, los teclados, el clarinete, el cajón peruano y los coros.

En el programa de mano pusieron un texto que publiqué en el Reforma en octubre de 2002, lástima que no vi las pruebas para poder corregirle varios errores.

Ese artículo llegó a Españaa via Diego Manrique, creo, y una revista llamada EfeEme lo comentó, cuestionando la afirmación de Albert sobre la Aristocracia española que consignaba en ese texto (aunque en el progrma de mano de anoche no aparece esa parte de mi artículo). Aquí lo reproduzco completo:

 

Albert Pla


Por Pacho

La noche del 5 de octubre el Multiforo Alicia se vio abarrotado para ver a un cantautor catalán tránsfuga y peregrino. Un irreverente iconoclasta llamado Albert Pla. Un poeta del absurdo, un trovador onírico que nos relata la vida de las alcantarillas. Un contador de historias pero desde el otro lado de la vida, desde allá donde nos miran los dementes y los desesperados. Un bufón apocalíptico imposible de clasificar musical ni políticamente. Y Albert logró gran empatía con su público.

“Hola, buenas noches, voy a…ejem. A cantar canciones, ¿vale?”

La imagen es arquetípica, un clown tímido nos arranca carcajadas. Inerme, frágil, Albert Pla apareció en el escenario con su guitarra. Solitario, inofensivo. Primero cantó o, mejor dicho, relató la historia del Sargento Perez, después la rola Corazón: cuando ese órgano se te escapa y se va palpitando a recorrer la ciudad nocturna y tú te lanzas a perseguirlo y te irrumpe la ira, con ganas de incendiar la ciudad, desquiciado por tu vacío y tu tristeza.

Luego subió al escenario el sorprendente guitarrista gitano Diego Cortés, quien ha tocado con Mike Oldfield, Santana, Larry Coryell y Paco de Lucía. Juntos interpretaron “los más populares y apasionados temas de esta época: muerte, sexo, crimen, mujeres”. La sala se inflamó y, lo que parecía ser un tierno cantante a punto de pedir perdón, resultó ser un histrión hirsuto, artífice de matices vocales radicales, un camaleón que transita de un personaje a otro. Un mimo que controla todos los músculos de su cara.

A pesar de que Albert Pla aún es desconocido en México, en el foro Alicia conocían sus rolas. Pla recorrió todas las esquinas del escenario sin parar o caminar entre las sillas del público. Cantó La diferencia, Joaquín el Necio, El Gallo, Lola, Yo quiero que tú sufras, Chatarrero, La dama de la Guadaña, La dejo o no la dejo, Soy Rebelde, El Lado más bestia de la vida (estupenda versión de Walk in the Wild Side, de Lou Reed), El bar de la esquina, Los Ojos, Carta al Rey Melchor y El sol de verano. Temas contenidos en sus discos No Sólo de Rumba Vive el Hombre (BMG Ariola, 1992), Albert Pla Supone Fonollosa (BMG Ariola, 1995), Veintegenarios en Alburerque (BMG Ariola,1997), Anem Al Llit (BMG Ariola, 2002).

“Yo soy rebelde porque el mundo me ha hecho así, porque nadie me ha tratado con amor, porque nadie me ha querido nunca oír”

Aunque esta pieza es de Jeannette, algunas letras del propio Albert parecen cursis y acaso de eso se trate. En verdad son infinitamente conmovedoras con el acompañamiento de la guitarra melancólica y virtuosa de Diego Cortés, un duende inmenso. Pero tampoco son cursis: son terribles. Y cómicas. Llevada al extremo, la cursilería se convierte en sarcasmo y autoparodia. La melancolía como un abismo que muestra el absurdo de la realidad que se quiere aberrantemente unívoca.

La dejo o no la dejo fue censurada en 1995 por la disquera BMG “por elogiar la violencia”. Cuenta la historia de alguien que se enamora de una terrorista y que de pronto lo descubre. Una canción inocua, al menos que caricaturizar la realidad sea un elogio a la violencia. Las canciones de Pla son políticamente incorrectas, imposibles de comprender desde una doctrina. ¿Por qué cantar siempre sobre soluciones sociales o políticas? No todos pueden ni quieren ser Manu Chao en este mundo. ¿Acaso es ilegítimo cantar tus pesadillas, y que el sarcasmo te cure mediante la risa de lo inmoral que es precisamente la realidad política y social?

Carta al rey Melchor narra cómo un plebeyo se enamora de la hija del Rey, figura intocable en Españaa. A Pla le parece incomprensible que la monarquía todavía exista hoy día. Presentó la rola diciendo: “esto en México puede parecer un cuento de hadas, pero enamorarse de la princesa en España no es poca cosa. Aquí he oído quejarse a la gente de que tuvieron a un mismo partido gobernando durante setenta años, caray, eso no es nada, ¡nosotros tenemos a la misma familia gobernando desde hace quinientos! Fueron ellos los que le pagaron su viaje a Hernán Cortés ¡Y todavía siguen ahí”:

“Yo por amor soy capaz de mandar a la mierda mis firmes principios de republicano/ que me convierto en su esbirro, majestad / sólo pensar que quisierais ser mi suegro, majestad / yo ya le adoro, yo le adulo y hasta le beso en el culo/ Majestad”

Albert llegó a México procedente de Sudamérica, donde estuvo girando. Algunos periodistas intentaron entrevistarlo pero siempre se quedaba pasmado. “No es que deteste las entrevistas”, se disculpaba, sino que “no se me ocurre nada que decir”. Pla nació en 1966 en Barcelona, comenzó cantando en catalán, luego en castellano. Actuó en la cinta Carne Tremula de Almodóvar, así como en Air Bag, donde aparece dentro de un “puticlub” cantando la rola de Jeannette Soy Rebelde.

Al llegar al DF rolamos por las cantinas El Centenario y el Jacalito, y se emborrachó en la Nuevo León con los escritores Sergio Gonzalez Rodríguez, Leonardo Tarifeño y Enrique Blanc, la música cantinera sonando en el fondo.

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Sergio González Rodríguez y Albert Pla en la Nuevo Léon 

 

La influencia de la música ranchera en Pla es patente en la rola “Sufre como yo”, pero en ella el desamor es aún más abismal, completamente crudo:

“Yo quiero que tu sufras lo que yo sufro / yo quiero que te asomes a cada hora / como un preso aferrado a su ventana / yo te deseo la muerte donde tú estás / y aprenderé a rezar para lograrlo”

Para mí, la visita de Albert a México comenzó de forma tan onírica como sus canciones. Un buen día me despertó una llamada telefónica desde Barcelona avisándome del viaje de Pla: “Me ha dado tu número el Gufi de Madrid, mi nombre es Pedro Páramo”. Pensé que era una broma, pero no. Tal es el nombre del manager de Albert Pla, su guía por los Comalas subterráneos del mundo.

(11 de octubre del 2002, Ruidos de la Calle, Cultura, Reforma)

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Pedro Páramo, Enrique Blanc, Albert Pla, Diego Cortés,  Sergio González Rodríguez y